Il 1 dicembre 1328 Giotto arriva a Napoli, alla corte del re di Sicilia Roberto d’Angiò.
L’artista riceve a corte un trattamento economico del tutto inusitato nel resto d’Italia e d’Europa: uno stipendio, una casa, una pensione vitalizia, regali, e infine il titolo di “familiare” del re, concesso in genere ai vescovi, ai banchieri e ai grandi ufficiali del regno.
Si afferma infatti per la prima volta con Giotto, che pure era di umili natali, il ruolo sociale dell’artista che è in grado di contribuire in modo decisivo alla costruzione dell’immagine e della politica culturale di un sovrano, e per questo viene pagato.
Giotto, già esaltato da Dante e di qui a poco da Petrarca e da Boccaccio come “principe” fra i pittori del suo tempo, è un artista straordinario, un rivoluzionario.
Per Cennino Cennini: “Rimutò l’arte di greco in latino e ridusse al moderno” alludendo al superamento degli schemi bizantini e all’apertura verso una rappresentazione che introduceva il senso dello spazio, del volume e del colore anticipando i valori dell’età dell’Umanesimo.
Per la prima volta in pittura si vedono i denti, le lacrime, le emozioni.
Giotto sarà stato anche l’uomo più brutto di tutta Firenze, come scrive Vasari. Ma della bellezza che ci ha donato non saremo mai abbastanza grati.
Nuove rivelazioni sul ritratto capolavoro di Jacques-Louis David
Una recentissima scoperta fatta al Metropolitan Museum of Art di New York riguarda un olio su tela del 1788 di Jacques-Louis David, il Ritratto dei coniugi Lavoisier, decisamente uno dei ritratti neoclassici più belli al mondo. Antoine e Marie-Anne Lavoisier appartenevano all’aristocrazia parigina e divennero famosi come pionieri della chimica moderna.
Il quadro fu pagato da Antoine Lavoisier l’ingente somma di 7.000 lire francesi (re Luigi XVI aveva pagato allo stesso David l’opera I littori portano a Bruto i corpi dei figli “solo” 6.000 lire). Alla morte di Marie Anne Lavoisier, nel 1836, il dipinto fu ereditato dalla nipote, contessa di Chazelles, e i suoi eredi un secolo dopo lo misero in vendita. Lo acquistò il magnate americano John Rockefeller nel 1925 e nel 1977 entrò al Metropolitan Museum.
I due sono ritratti nel loro laboratorio, lui a sedere alla scrivania, lei in piedi, e hanno davanti alcuni degli strumenti scientifici usati per le loro importanti scoperte. Tra le tante, possiamo citare che Antoine nel 1779 riconobbe le due parti dell’aria, battezzandole ossigeno e azoto, e nel 1783 lo stesso fece con l’idrogeno.
Sulla poltrona a sinistra si vede una cartella di disegni: sono di Marie-Anne che fu l’illustratrice dei libri del marito, che aveva sposato a soli 13 anni (lui ne aveva 27!), e che si dice fosse stata allieva proprio di David.
In ottime condizioni di conservazione, soltanto recentemente l’opera è stata portata nel laboratorio di restauro del museo per togliere una fastidiosa vernice ossidata ed ingiallita che ne ricopriva la superficie. Una attenta analisi scientifica prima dell’intervento di restauro, ha permesso di scoprire che al di sotto dello strato pittorico visibile si trovavano altri dettagli che non erano mai stati rilevati.
Le analisi scientifiche hanno permesso così di “vedere” che l’opera in origine era stata composta in maniera decisamente diversa: David non aveva rappresentato i Lavoisier come una coppia di scienziati illuminati, bensì come dei ricchi aristocratici dell’Ancien Régime quali essi erano.
Il dipinto fu realizzato da David nel 1788 per poi essere esposto del Salon del 1789, l’anno della Rivoluzione. La situazione per gli aristocratici divenne sempre più pericolosa, e fu così anche per Antoine, che oltre a essere uno scienziato, era stato anche un esattore delle tasse, un ruolo davvero poco amato.
David dunque decise, quasi sicuramente d’accordo coi coniugi Lavoisier, di modificare la loro rappresentazione nel dipinto, cambiando i vestiti e l’ambiente attorno a loro. Grazie alle analisi scientifiche è stato così scoperto che Marie-Anne era vestita alla moda dell’Ancien Régime, con un enorme cappello à la tartare con piume e nastri
e lo stesso scienziato era vestito molto più elegantemente, con bottoni d’oro, seduto a un tavolo di mogano con decorazioni dorate, di fronte ai faldoni di documenti che lo identificavano come esattore delle tasse.
Nella versione successiva, quella che conosciamo noi, i Lavoisier sono vestiti in maniera decisamente più semplice, più adatta al loro ruolo di scienziati che a quel punto si voleva sottolineare, soprattutto con l’introduzione degli strumenti scientifici e eliminando gli incartamenti delle tasse.
Purtroppo questo cambiamento di rappresentazione non bastò a salvare la vita di Antoine Lavoisier, che fu ghigliottinato, assieme al suocero, l’8 maggio 1794. Marie-Anne, che durante la prigionia lo aveva sempre visitato e si era battuta per la sua liberazione, si salvò e successivamente si rifece una vita, sposando nel 1804 un altro scienziato, il fisico Benjamin Thompson, conte di Rumford, ma insistette per tutta la vita di conservare il cognome del suo primo marito, dimostrandogli eterna devozione. Morì improvvisamente nella sua casa di Parigi il 10 febbraio 1836 a 78 anni.
Per le analisi all’inizio è stata usata la riflettografia a infrarosso che permette di superare i primi strati pittorici per vedere quello che c’è sotto. Dopo questa prima analisi, è stata utilizzato l’XRF mapping, che permette di ottenere delle mappe molto dettagliate degli elementi chimici presenti sul dipinto senza assolutamente danneggiarlo, mappe non solo degli strati superficiali ma anche di quelli sottostanti.
Ancora una volta le moderne tecniche di analisi hanno permesso di ottenere informazioni importantissime, in questo caso non tanto sulla salute del dipinto o sulla sua composizione, quanto piuttosto sulla storia dei personaggi ritrattati. I risultati scientifici hanno permesso di aprire uno squarcio sugli ultimi anni di vita dello scienziato francese, che per salvarsi dalla furia rivoluzionaria le provò tutte, anche quella di modificare il bellissimo ritratto fatto da Jacques-Louis David, informazione che non avremmo mai recuperato senza le ricerche di laboratorio.
Un ultimo aneddoto su Antoine Lavoisier. Scienziato fino all’ultimo, sembra che avesse chiesto a un suo domestico di verificare se davvero la morte sulla ghigliottina fosse istantanea come si diceva. Lavoisier così, d’accordo col domestico, si sforzò di battere le ciglia finché gli fu possibile, e il domestico annotò che l’ultimo battito di ciglia era stato 15 secondi dopo la decapitazione. È un episodio non documentato, per cui potrebbe anche essere una leggenda, ma quello che è vero è che verifiche sperimentali successive hanno sostanzialmente confermato che il cervello e i muscoli facciali restano attivi per diversi secondi dopo il distacco dal corpo.
La diagnostica è una cosa per specialisti? Sembra proprio di no! I segreti nascosti nelle immagini diagnostiche sono affascinanti per tutti.
Dopo la mostra su Modigliani la piccola cittadina di Lille ci offre una mostra su Goya di taglio innovativo. Non la classica esposizione fatta di dipinti riuniti nelle sale di un museo, ma una mostra che si serve di molte delle tecniche espositive più moderne.
La mostra è ospitata dal Museo delle Belle arti di Lille. La prima sezione della mostra è un enorme tamburo bianco su cui si srotola la storia artistica di Goya intercalata dagli eventi che ne hanno influenzato i soggetti e l’espressione, ma anche l’influenza di Goya sulla cultura successiva, fino all cinema moderno di Sergio Leone. Questo grande tamburo bianco contiene i dipinti ed allo stesso tempo dà modo di godere di un’esperienza immersiva, con gigantografie di dipinti, di incisioni, di 4 dei suoi autoritratti animati che ci fanno l’occhiolino.
Al piano successivo è stato creato un ambiente ad hoc, diviso in stanze, dove si trovano contemporaneamente opere e video su monitor giganti. Nei video ci sono estratti di un film sulla vita di Goya.
Nella prima sala sono esposti i Capricci messi a confronto con l’omaggio che ne fece Dali. Un grande monitor, quasi un sottofondo, mostra una ricostruzione dell’atelier di Goya ed il pittore nell’atto di creare l’incisione e la stampa. C’e’ anche una sezione dove viene mostrato lo stato conservativo di due opere con foto in luce diffusa e radente. Da qui si accede alla sala per noi più interessante (a dire il vero è difficile fare una graduatoria).
Questa volta è la diagnostica ad essere messa in mostra. Un video di quasi 10 minuti ad opera del CRMF2. Si mostra come lo studio del dipinto “I tempi” avvenga attraverso le indagini scientifiche:la Fluorescenza UV, la Riflettografia IR e la Radiografia.
Quest’ultima svela che la tela nasconde un altro dipinto. Oltre a seguire il filmato ci incuriosisce la reazione dei visitatori: tutti si fermano e guardano con attenzione. Osservano tutto.
In conclusione una mostra che vorremmo vedere, come format, anche in Italia.
Abbiamo tanta diagnostica da poter utilizzare come attrattore per incuriosire, arricchire il bagaglio culturale di un visitatore ma anche per educare allo studio.
Nel nostro laboratorio i clienti chiedono spesso di assistere durante le acquisizioni, in particolar modo quando viene utilizzato il nostro scanner per Riflettografia IR.
La loro curiosità e meraviglia sono per noi un ulteriore motivo di riflessione. La diagnostica può e deve uscire dai laboratori non solo per mostrarsi didatticamente ma per diventare oggetto di discussione.
I cataloghi d’arte, a nostro parere, dovrebbero sempre contenere una sezione tecnica. Un capitolo aggiuntivo che sarebbe ulteriore valore alle schede storico artistiche.
Il patrimonio artistico e culturale italiano è indubbiamente enorme. Sembra, però, che non tutti vogliano usufruirne ed accedervi.
Avvicinare i giovani visitatori è tutt’altro che semplice, è necessario trovare un linguaggio adatto alla loro fascia di età, deve essere coinvolgente e accattivante. Molti musei, non solo italiani – il primo a sperimentare in questo senso è stato il Met di New York nel 2013 – hanno provato a coinvolgere i giovani visitatori attraverso le strategie di influencer marketing. L’ incremento delle visite da parte dei giovani è stato indiscutibile, ma il connubio influencer e musei ha destato non poco scalpore nel mondo della cultura, che non ha per niente gradito le star dei social nella veste di ambasciatori culturali.
Le Gallerie degli Uffizi, con la speranza di rilanciare l’immagine del museo in vista delle riaperture post pandemia, nel luglio 2020, hanno ospitato Chiara Ferragni (presentazioni non necessarie), approfittando di uno shooting fotografico per la rivista Vogue, organizzato proprio nelle sale del museo.
In questa occasione la Ferragni ha potuto godere della bellezza delle sale grazie ad una guida d’eccezione: niente meno che il direttore, Eike Schmidt.
È evidente che gli Uffizi, così come altri musei nel nostro paese, hanno compreso che possono destare l’interesse dei più giovani, altrimenti difficilmente attratti dalla visita di un noioso museo, attraverso operazioni di marketing, che sfruttano l’immagine delle icone social contemporanee..
Chiara Ferragni è stata definita “Venere contemporanea”dai social media manager degli Uffizi. Copy non troppo felice che, insieme alla pubblicazione delle sue foto davanti alle opere nelle sue le ””, hanno scatenato polemiche da parte del popolo del web, ma non solo.
Influencer e musei
I moralisti del mondo dell’arte non vedono di buon grado l’accoppiata influencer e musei, semplicemente per il fatto che i primi non sarebbero in grado di comprenderne il valore artistico e culturale, tanto meno di rappresentarlo e comunicarlo. Le critiche sono state rivolte ai Musei per le loro scelte considerate troppo commerciali.
Le “intromissioni” da parte degli influencer hanno, invece, avuto un grande successo. A parlare sono i numeri, che registrano incrementi dei visitatori. A quanto pare, neppure questo è servito a placare le polemiche degli “haters”, che considerano tutto questo un aggravante, in quanto questi sarebbero dei visitatori inconsapevoli, attirati solo dall’influencer del momento.
Questo della Ferragni è solo un esempio, probabilmente il più clamoroso, ma molti altri personaggi pubblici hanno collaborato con realtà culturali nel nostro Paese. Il rapper Mahmood ha girato il suo singolonelle sale delle Gallerie dei Re al Museo Egizio di Torino, il cantante Marco Mengoni a Palazzo Madama a Torino, l’infuencer Estetista Cinica nella vita Cristina Fogazzi, etichettata come “shampista”, si è fatta fotografare all’interno della Cappella Sistina. Senza dimenticare il mondo della moda che da tempo sceglie i musei come location per dar maggior prestigio alla sfilate.
Evoluzione o contaminazione?
I moralisti sono contrari a che personaggi fatui assumano il ruolo di messaggeri culturali. Non è un pensiero del tutto errato, considerando che ci sono esperti con conoscenze e competenze molto più adatte. Quel che è certo che questi personaggi non hanno alcuna intenzione di essere considerati storici dell’arte. Stanno solo condividendo la loro personale visita, stanno esprimendo un loro personale parere sul museo.
Questo linguaggio narrativo semplice che arriva a tutti, è uno stimolo ad incuriosire e spingere i giovani alla visita. Probabilmente non è errato considerare che qualcuno sia capitato all’interno del museo per puro spirito di emulazione, ma questo è grave? Magari inconsapevoli varcano la soglia del museo, ma quel che è certo, è che sicuramente ne usciranno migliori.
A chi porta beneficio tutto questo? Chi impreziosisce chi? La notorietà di questi personaggi icone del web da lustro ai musei o il fascino senza tempo delle sale dei nostri musei accresce la popolarità degli influencer?
È vero che il personaggio pubblico ha grande successo ed è fortemente attraente, ma è anche vero che ha uno spasmodico bisogno di nuovi contenuti. Quale miglior fucina di idee e di reciproci favori se non il nostro immenso e molto spesso poco valorizzato patrimonio culturale?
Non è un’antologica, non ci sono tutti i Modigliani possibili, neppure tutti i Modigliani “sicuri” ma è una mostra dove il pittore è più presente di tante altre volte. E da cui forse si può ripartire con un nuovo approccio per le attribuzioni.
E’ stato il Métropole Musée d’Art Moderne, d’Art Contemporain et d’Art Brut di Lille realizzare quella che per noi può dirsi una mostra epocale sull’italiano Amedeo e francese Modì. Annunciata già da tempo, ma bloccata per il COVID, abbiamo tenuto d’occhio l’apertura di questa mostra per circa un anno, incrociando le dita e sperando di poterla finalmente visitare, e lo abbiamo fatto!
3 grandi ambienti, 3 dipinti, tantissime foto e video a documentare scientificamente Modigliani.
Una mostra che in ogni sua parte ha colpito nel segno (e nel nostro cuore di diagnosti). Accoglie il visitatore un’idea straordinaria: le riproduzioni a grandezza naturale di tanti dipinti di Modigliani (tra cui quelli in mostra), fotografati tutti in “recto e verso”, e appesi in modo scenografico, ma anche in modo da poterne studiare sia il davanti, sia il retro, vedere il telaio, le etichette, tutto quello che normalmente non si mostra. Quasi fosse da nascondere la materia di cui sono fatti i dipinti.
Tre dipinti autografi in totale, solo uno non in collezione permanente, e una serie di altri “espedienti” arricchiscono l’esperienza e permettono di conoscere in profondità le opere e il pittore alle prese con la loro creazione.
Un tavolo con monitor illustra le tecniche diagnostiche e i risultati ottenuti con fluorescenza UV, riflettografia IR e radiografia. Nell’ambiente centrale, in quella che normalmente è una cassa per trasporto fineart, un altro monitor proponeva in loop un video sull’approccio di una restauratrice ad un’opera di Modigliani.
Nella stessa stanza è poi visibile un documentario in cui viene raccontato, con le immagini diagnostiche, spiegate bene, come una tela fu riutilizzata quasi 10 volte.
Infine una terza stanza dove il telaio, che per le attribuzioni di opere a questo artista ha un ruolo tutt’altro che marginale, è protagonista, insieme ai pigmenti e leganti scelti da Modì, anche loro esposti.
Alle pareti oltre ai dipinti pannelli in cui si affrontano varie tematiche, tante altre informazioni; ad esempio una mappa dei negozi in cui Modì si riforniva a Parigi, ma anche uno studio su come l’occhio di un osservatore si muove su un dipinto di Modì e perché.
Una mostra così l’avremmo voluta vedere in Italia. Diamo merito a chi ha pensato che mostrare quel che non è visibile ad occhio nudo e quel che normalmente viene nascosto potesse essere attrattivo.
Ma quest’ esposizione è qualcosa di più. È il primo passo per uno studio “libero” sulle opere di Modigliani. Opere certe e di proprietà pubblica, indagini scientifiche condivise, analisi eseguite da un laboratorio d’eccellenza (CRMF2), e l’impegno economico che normalmente viene riservato a ricoprire il prestito e la movimentazione delle opere, questa volta impiegato per qualcosa che non sarà fine a se stesso ma risponderà contemporaneamente alle esigenze di progetto espositivo e a dotare le opere di un curriculum diagnostico che sarà utile per la loro conservazione.
Come autenticare un’opera d’arte? Come svelare i falsi?
Il 2 e 3 dicembre 2021 si è tenuto a Lucca il convegno, ottima iniziativa del Gruppo Italiano dell’International Institute for Conservation dal titolo “Lo scienziato e la falsificazione-Metodologie scientifiche per identificare i falsi nell’arte”. Erano anni che si sentiva il bisogno di affrontare questo tema in maniera strutturata e durante il convegno sono state discusse le molte angolature da cui affrontarlo: mercato dell’arte, autenticazione, attribuzione, datazione, analisi stilistica.
Al centro l’oggetto falso/falsificato/mal attribuito/autentico, a studiarlo professionalità tangenti ma non sovrapponibili che devono poter dialogare in un modo costruttivo e che sia utile a tutta la comunità, non solo scientifica.
Il falso, eseguito con intenzione fraudolenta, infatti, non solo causa perdite economiche a chi viene frodato, spesso a causa di un incauto acquisto, ma è anche un danno più ampio, sociale, perché modifica il corso delle cose, modifica la narrazione della storia e spesso la stravolge.
Art–Test ha presentato il caso di studio di un pannello di Bruegel il giovane, e ha voluto dare il proprio contributo portando l’attenzione su quello che riteniamo oggi un’urgenza non più procrastinabile: un protocollo condiviso per uno studio scientifico dei manufatti, strutturato in maniera piramidale e per livelli di approfondimento, dove si definiscano quali sono le caratteristiche minime della strumentazione da utilizzare per le analisi e quali le metodologie utili e in che ordine vadano applicate, per arrivare ad avere la possibilità di una interpretazione accurata ed un eventuale replicabilità delle misure.
Inoltre mancano delle linee guida condivise per i report che vengono forniti dai laboratori dopo aver effettuato le analisi.
Spesso non vi è che una generica descrizione dei risultati, ma non sono riportati i dati ottenuti, né la descrizione della strumentazione e della metodologia utilizzata.
Allo stesso tempo abbiamo voluto evidenziare come siano ancora troppo pochi i database pubblici da cui attingere informazioni scientifiche.
Non si deve temere nel condividere i dati di favorire i falsari, che se è vero che in questo modo sono sempre più a conoscenza delle tecniche utilizzate dai grandi maestri, è altrettanto vero che la scienza, come ampiamento dimostrato, sarà sempre un passo avanti.
Quello a cui stare attenti, ancora una volta è contrastare l’atteggiamento anti scientifico che affligge attualmente tante parti della nostra società, e la narrazione che vede i cosiddetti conoscitori, capaci di produrre expertise solo sulla base del loro “occhio”.
I lavori dell’interessantissimo convegno, che saranno pubblicati, si sono conclusi con la volontà di creare un tavolo tecnico dove discutere, in base alla propria angolazione ed esperienza, di un protocollo minimo per indagini e strumentazioni da cui non poter più prescindere.
"La fisica e la chimica sono ancora le basi del mio lavoro da restauratrice"
Silvia, come sei diventata restauratrice? Qual è stato il tuo percorso formativo?
Da sempre fin da bambina ho sempre mostrato la mia attitudine per il disegno e la pittura. Malgrado questa passione, ereditata anche in parte da mio padre che dipingeva, i miei studi sono stati inizialmente di impostazione scientifica.
Dopo le medie ho frequentato il liceo scientifico grazie a cui ho avuto modo di acquisire le basi della fisica e della chimica che ancora oggi è fondamentale nel mio lavoro, non a caso la fase pulitura nel restauro si basa molto sulla conoscenza della natura chimica sia del materiale che stiamo pulendo sia della sostanza che andiamo ad applicarvi.
Dopo il liceo ho deciso comunque di seguire le mie passioni e mi sono iscritta alla facoltà di storia dell’arte, è stato all’università che ho avuto modo di conoscere la figura del restauratore. Mi sono resa conto che il restauro come professione significava per me il connubio perfetto tra la mia passione e i miei studi, la sintesi di due mondi che ormai mi appartenevano: l’arte e la materia che la costituisce. Decisi quindi di iscrivermi contemporaneamente alla scuola triennale professionale istituita dalla Provincia della regione Toscana fondata dallo storico dell’arte e del restauro Alessandro Conti dopo una serie di esami di ammissione. Da lì poi, una volta ottenuto il mio diploma da restauratrice ho iniziato la mia carriera in quest’ambiente affascinante.
Con Art-Test hai collaborato al restauro della lunetta della Pietà di Lorenzo d’Alessandro da San Severino, dipinto su tavola degli Uffizi. Che ricordi hai di questo lavoro? Vuoi raccontarci qualche episodio particolare?
Sono stata contenta di aver potuto lavorare con Art-Test, è stato uno di quei casi in cui era stato messo a disposizione un budget anche per fare diagnostica. A mio parere determinate analisi diagnostiche andrebbero fatte su tutti i dipinti o comunque su tutti quei dipinti ubicati nei musei più importanti, ciò comporterebbe numerosi vantaggi permettendo non solo di poter approfondirne la tecnica di esecuzione ma anche lo stato conservativo.
Nel caso della Pietà, Art-Test mi permise di arrivare ad osservare un disegno preparatorio di splendida manifattura tramite la tecnica di riflettografia e con l’osservazione in fluorescenza UV si potettero evidenziare bene quelle zone che avevano subito ridipinture.
Questo è stato il primo lavoro con Art-Test e lo ricordo sempre volentieri, ho trovato affascinante il vostro approccio e soprattutto più procedevano con le indagini più io avevo modo di conoscere ciò che stavo andando a restaurare. Ho avuto modo di osservare la stratigrafia dell’opera così dettagliatamente che è stato come essere presente alla creazione stessa del dipinto.
La lunetta aveva subito una pulitura aggressiva, sulle lacche soprattutto, inoltre non c’era alcuna scheda tecnica che desse informazioni sui restauri precedenti, quindi nuovamente la diagnostica è stata ulteriormente utile fornendomi informazioni anche su questi.
Più in generale quali sono i problemi che più comunemente incontri durante un restauro in cui è più utile la diagnostica? E soprattutto le indagini diagnostiche ti hanno sempre fornito risposte?
Sicuramente la pulitura. Mi dispiace che non sempre sia messo a disposizione un budget sufficiente per fare almeno quelle “indagini base” che forniscono informazioni su tecnica e pigmenti impiegati, nozioni estremamente utili e a mio avviso necessarie soprattutto nel caso di una pulitura, così da poter andare a scegliere quei solventi più idonei. Io pur lavorando ormai da 35 anni, dal 1999 in poi ho sempre seguito dei corsi di aggiornamento tenuti da Paolo Cremonesi, perché da sempre, e probabilmente proprio a causa del mio percorso formativo, sono interessata all’approccio scientifico e spero sinceramente che il restauro lo possa diventare sempre di più.
Via via negli anni, con le nuove tecniche di diagnostica, se affiancate per esempio ad una pulitura siamo in grado di capire cosa stiamo andando a rimuovere, come e con che velocità, si è in grado di decidere se andare semplicemente a pulire una vernice oppure se rimuoverla e lasciando lo strato sottostante completamente illeso. Lavorando molto su sculture lignee, che spesso presentano numerose ridipinture, la diagnostica per me è indispensabile. Le indagini diagnostiche mi hanno sempre fornito risposte
Ho avuto spesso la fortuna, lavorando per musei importanti di poter affiancare ad un mio progetto di restauro dei diagnosti. Anche se questo purtroppo non sempre è possibile.
Il fatto è che approcciarsi ad un restauro senza avere un minimo di conoscenza che forniscono queste analisi è abbastanza rischioso, come si può andare avanti senza sapere conoscere gli strati sottostanti? L’unico vero problema che la diagnostica incontra è a livello di finanziamenti, perché molto spesso, soprattutto quando si va a trattare con opere minori e in musei più piccoli, non viene presa in considerazione in quanto fuori budget.
Lavori da molti anni in questo campo, che cambiamenti hai notato a livello di clientela, prezzi e committenze?
Ho lavorato sia con antiquari, soprattutto agli inizi, ma principalmente con le istituzioni pubbliche. Ho anche restaurato opere di proprietà privata. Per me in questi 30 anni è cambiato poco a livello di clientela e committenze, ad eccezione delle sculture lignee che decenni fa non erano né considerate né studiate mentre ora è un campo che suscita non poco interesse.
Quante volte abbiamo parlato di come la diagnostica faccia comprendere il processo di esecuzione di un’opera d’arte? Di come sia fondamentale a discriminare un’opera autentica da un falso. Di come sia necessaria per comprendere l’autografia di un manufatto traverso gli strati non visibili al nostro occhio. Di come sia una divertente macchina del tempo che ci riporta al momento stesso in cui l’artista crea l’opera. Ci siediamo accanto a lui e lo osserviamo. Ma cosa accade se l’artista siamo noi? Anzi cosa accade se potessimo ricreare un’opera di un dato artista allo stesso modo in cui lui stesso la farebbe?
Possiamo per esempio riprodurre un’opera seguendo passo passo quello che sappiamo possibile di Van Eyck e del suo fare arte.
Volete provare? Cercate Jan Bustin o altri artisti che hanno condiviso questa esperienza e provateci!
L’emozione che si prova quando si analizza un dipinto con la riflettografia infrarossa e si scopre il disegno preparatorio, è ineguagliabile. Ogni volta è un inedito, un segreto custodito al di sotto degli strati di pittura, una fase che l’artista non avrebbe mai pensato che sarebbe stata rivelata.
Questo non succede quando il quadro… non è finito! Solo in questo caso si vede perfettamente ad occhio nudo quali strumenti sono stati utilizzati, come è costruito il dipinto, se è stato usato un mezzo di riporto da una composizione realizzata precedentemente altrove o meno.
E’ questo il caso del dipinto qui accanto, in asta da Cambi, come lo è stato in passato ad esempio anche per il dipinto in copertina, attribuito a Garofalo.
Il MET di NewYork qualche anno fa, propose una intera mostra sul non finito (UNFINISHED). Indubbiamente un percorso interessante che consente di capire così tanto sul modus operandi di ciascun artista.
Quando invece il dipinto è completato non ci rimane che affidarci alla tecnologia e alle radiazioni infrarosse.
A seconda del tipo di strumento ed in particolare del sensore impiegato, si avrà una capacità diversa di penetrazione all’interno degli strati pittorici e di leggibilità dell’eventuale disegno preparatorio sottostante.
Un tempo si utilizzavano macchine fotografiche e pellicole speciali, attualmente i sensori più performanti sono i sensori InGaAs, montati sulle strumentazioni più avanzate. Una via intermedia è rappresentata dai sensori a CCD o CMOS, normalmente impiegati dalla camere digitali, anche quelle scientifiche.
L’analisi in infrarosso in riflettografia consente anche di individuare eventuali composizioni in pittura soggiacenti, riuso del supporto e ritocchi.
A seconda del budget e del risultato che si cerca, vi sapremo suggerire quale tecnica è la più adatta a voi! Art–Test dispone della strumentazione più varia e più avanzata. Il nostro scanner InGaAs a quadrupla risoluzione raggiunge risultati inarrivati. Per approfondire, leggete qui.
Se c’è qualcosa da scoprire sotto il vostro dipinto, lo scopriremo!
“Il mio talento è tale che nessuna impresa, per quanto vasta di dimensioni, mai supererà il mio coraggio”. Così scriveva di sé il grande Pieter Paul Rubens, conosciuto anche come “Pietro Paolo” visto che in Italia aveva vissuto ben 8 anni e che proprio in Italia riuscì a mettere a fuoco il suo stile e il suo “marchio di fabbrica”.
Beh, sì, proprio di fabbrica si può parlare con Rubens vista l’incredibile organizzazione che impresse alla sua affollatissima bottega. Infatti famoso è il suo metodo di produzione delle opere, quasi una fabbrica appunto, che si appoggiava a una bottega con decine di allievi che il maestro guidava e dirigeva come un direttore d’orchestra. Rubens affascinava il cliente con i suoi discorsi, poi probabilmente realizzava per lui un disegno, poi un bozzetto monocromo e poi uno colorato, il tutto per arrivare alla sua approvazione. A quel punto i bozzetti passavano nel grande atelier al piano terreno della sua nobile abitazione ad Anversa, dove gli allievi riportavano sul supporto scelto, tela o tavola, ingrandendole, le invenzioni del maestro, che si riservava talvolta soltanto l’ultimo ritocco. Con questa organizzazione del lavoro, infatti, potevano essere realizzati diversi tipi di opera, dal dipinto totalmente autografo a delle repliche con un intervento più o meno esteso del maestro, che andavano per esempio da quelle da lui completate soltanto in alcune parti essenziali, al dipinto semplicemente ripassato, al quadro di bottega di qualità diversissima, dal dipinto su disegno del maestro alla mera copia.
Ecco, a quanto pare, il famoso dipinto Sansone e Dalila che la National Gallery di Londra ha comprato nel 1980 per 2,5 milioni di sterline non rientra in nessuna di queste categorie, nel senso che non è né un originale, né una copia, né un’opera di bottega. Sarebbe semplicemente un falso, forse addirittura del XX secolo. Sembra averlo stabilito un algoritmo di Intelligenza Artificiale dopo una lunghissima serie di test, arrivando alla conclusione che le probabilità che sia è falso è superiore al 91%! Naturalmente adesso è scontro aperto tra gli storici dell’arte e questo metodo di autenticazione, che si basa su algoritmi addestrati appositamente per catturare i dettagli dello stile e della pennellata degli artisti, poi valutati da una sofisticata “rete neurale convoluzionale”.
A dirla tutta, il Sansone e Dalila non è nuovo a questo tipo di polemiche circa l’assegnazione al maestro fiammingo, tutt’altro. Dalla sua apparizione sul mercato a Parigi nel 1929 ha avuto diverse attribuzioni, e quella definitiva a Rubens fu fatta da Ludwig Burchard, un esperto del maestro fiammingo, negli anni ’50. Ma alla morte dello studioso nel 1960, emersero alcuni documenti poco chiari, secondo i quali Burchard avrebbe autenticato diverse opere a proprio vantaggio economico.
Tuttavia esiste un rapporto piuttosto dettagliato degli studi condotti tra il 1980 e il 1983 da Joyce Plesters, pubblicato sul National Gallery Technical Bulletin, che riporta di una radiografia e di numerosi campioni analizzati dove non si riscontra nessun anacronismo.
Quale è la credibilità dei risultati ottenuti con l’intelligenza artificiale? Non molta. La National Gallery non sembra molto preoccupata delle conclusioni dell’algoritmo e continua ad esporre il dipinto come autografo.
I restauratori fanno un lavoro bellissimo. Un po’ come il nostro, difficile ma bello. Condividono con noi la passione per la materia che si traduce in arte. E la conoscono la materia, in modi che a volte si sovrappongono, a volte sono complementari a quelli dei diagnosti.
Il loro punto di vista aggiunge sempre qualcosa di nuovo e importante.
Con SANDRA PUCCI, restauratrice, abbiamo lavorato ad un’opera che veniva considerata “minore”, ma che ha riservato molte sorprese (soprattutto quando si sono trovate le risorse per fare diagnostica): il San Giovanni Battista della chiesa di Santo Stefano di Empoli. Si tratta di un dipinto seicentesco ad olio su tela, una copia (o una versione o una replica?) del dipinto conservato al Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City e attribuito, se pur con qualche riserva al Caravaggio.
Sandra, come si diventa restauratrici?
È una professione che mi ha attratta fin da giovane, poiché capivo che, attraverso di essa, era possibile entrare a stretto contatto con l’autore dell’opera e il suo linguaggio, raggiungendo una vera e propria intimità esclusiva.
Per quel che riguarda il mio percorso formativo, ho frequentato l’Accademia di Belle Arti di Firenze, unico accesso possibile per me, in quegli anni, alla materia del restauro. Decisi di iscrivermi perché all’interno del piano di studi era possibile frequentare il corso di restauro tenuto da uno dei più importanti restauratori all’epoca, il prof. Paolo Gori, ed era un buon modo per approcciarsi al mondo del restauro; infatti imparare la materia del restauro da un maestro restauratore aveva, in quegli anni, la stessa valenza di una scuola specializzata come poteva essere allora l’Opificio delle Pietre Dure , che peraltro, proprio in quegli anni, presentava notevoli difficoltà di accesso per problemi interni alla propria organizzazione. Oltre a questo, la Soprintendenza non richiedeva un diploma specifico, ma una specifica preparazione, soprattutto di bottega.
Come è andata con il San Giovanni di Empoli? La campagna diagnostica sul dipinto di Empoli è stata commissionata a restauro già iniziato
Purtroppo lavorare in provincia significa fare conti con budget molto risicati e spesso le analisi di diagnostica vengono scartate, o neanche considerate, per i costi.
Anche il restauratore deve proporre un progetto con costi molto più bassi rispetto a quanto è solito fare, si tratta di trovare un compromesso tra le necessità dell’opera e le disponibilità del committente.
Quando ho iniziato a lavorare nei miei comuni di riferimento, Empoli, la Valdelsa, ho trovato tanti restauri ‘fai da te’ che in certi casi facevano accapponare la pelle, rendendo le condizioni di certe opere ancora più precarie. Restauri eseguiti senza alcun permesso da parte dell’organo preposto alla tutela, cioè la Soprintendenza. Ed è una cosa molto grave, perché in provincia si trova tanta parte del patrimonio artistico italiano.
La possibilità di eseguire una campagna diagnostica sul San Giovanni c’è stata solo in un secondo momento, certo è che se fosse stata fatta prima del restauro sarebbe stato diverso, ma questo è facilmente comprensibile.
Mi sono trovata di fronte ad un dipinto completamente spellato a causa di un precedente intervento di restauro che ha gravemente rimosso, in fase di pulitura, lo strato superficiale dell’opera. Come spesso succede, per ovviare al danno arrecato fu eseguito un pesante ritocco pittorico a tempera, alteratosi nel tempo, che compromise ulteriormente la leggibilità dell’opera.
Le indagini condotte da Art-Test hanno permesso di evidenziare la buona tecnica esecutiva, oltre alla individuazione dei pigmenti usati, tutti compatibili con una esecuzione seicentesca, e alcuni “pentimenti”. Indizi interessanti. Sulla base dei ragionamenti fatti a seguito delle analisi, ci siamo resi conto che il dipinto ha in sé potenzialità da approfondire; la diagnostica, in questo caso, potrebbe essere lo strumento più importante, poiché se ora ci troviamo di fronte ad una pittura priva di forza, questo non deve tranne in inganno perché è a causa di una problematica storia conservativa. Il dipinto conserva le finiture pittoriche originali solo in poche parti dell’insieme.
Anche alla luce dell’esperienza con il San Giovanni, raccomanderesti di fare diagnostica?
La diagnostica è fondamentale, dovrebbe essere sempre il primo approccio. Incide purtroppo il costo, soprattutto in determinati casi ed in realtà particolari come il territorio.
Forse dovrebbe essere un costo coperto dalla Soprintendenza stessa, sicuramente nelle piccole realtà la necessità di tali costi è difficilmente comprensibile
A scoraggiare è anche ricevere risposte incerte e che poi si scopre non corrispondere alla realtà dei fatti. La serietà di chi fa le analisi è indispensabile. Come è fondamentale il rapporto tra diagnosti e restauratori, che credo si debba basare sulla fiducia reciproca.
Per approfondire i risultati sul San Giovanni Battista, potete vedere la registrazione del convegno tenutosi a Empoli l’11 Aprile 2016 (qui il ns intervento), moderato da Bruno Santi con relazioni di Mina Gregori, Nicole R. Myers, Maria Cristina Terzaghi, Angela Cerasuolo, Valfredo Siemoni, Cristina Gnoni Mavarelli, Sandra Pucci, Anna Pelagotti, Roberta Lapucci, Marco Masseti, Gianni Papi
Il 25 Ottobre scorso Pablo Picasso avrebbe compiuto ben 140 anni, eppure la sua pittura è ancora attualissima. Un artista estremamente importante per la storia dell’arte e l’icona del genio. Scelse il cognome genovese, Picasso, della madre, perché più raro e intrigante di Ruiz, cognome del padre, anche se doveva a lui, che era insegnante d’arte, l’avvio della sua carriera di artista. Già da giovanissimo produceva dipinti di strabiliante qualità. Disse di sé più tardi: “A quattro anni dipingevo come Raffaello, poi ho impiegato una vita per imparare a dipingere come un bambino”. E probabilmente per questo suo dipingere come un bambino, Picasso sembra facile da falsificare. Tuttavia non è affatto così, perché niente nelle sue opere è in realtà lasciato al caso. Nessun tratto si può modificare senza che improvvisamente non “funzioni” più. Ma non tutti sono in grado di apprezzare la differenza, ed un grande numero di falsari in effetti continua a provarci, anche probabilmente in considerazione del fatto che le quotazioni di un Picasso sono sempre altissime. Basta vedere i recenti risultati di Sotheby’s. Ma , secondo quanto riportato nel volume “The Act of Creation” di Arthur Koestler. Vi si legge che un mercante d’arte, avendo acquistato una tela firmata “Picasso”, decise di andare a Cannes per incontrare il maestro e scoprire se era autentica. Picasso stava lavorando nel suo studio. Lanciò un’unica occhiata alla tela e sentenziò: “È un falso“. Pochi mesi dopo il mercante acquistò un’altra tela firmata Picasso. Di nuovo si recò a Cannes e di nuovo Picasso, dopo un solo sguardo, grugnì: “È un falso“. “Ma cher maitre“, esclamò il mercante, “vi ho visto con i miei occhi mentre lavoravate proprio su questo quadro diversi anni fa”. Picasso si strinse nelle spalle e rispose: “Dipingo spesso falsi”.
Un genio che cercava di selezionare l’eredità con cui voleva essere ricordato? Naturalmente non si tratta di falsi che possiamo individuare con le nostre tecniche.
Di falsi “veri” invece ne abbiamo incontrati parecchi, che sono arrivati in laboratorio con le storie più incredibili, e, purtroppo, a volte, anche causando delusioni fortissime, e perdite ingenti.
Soprattutto quando in gioco ci sono milioni, fate le analisi PRIMA di acquistare!
Nel 2018 è stata introdotta la 5a direttiva europea antiriciclaggio. L’intento, dei paesi dell’Unione Europea è sempre quello di combattere il riciclaggio di denaro in tutti gli ambiti, anche in quello del mercato dell’arte.
Nell’ultimo anno e mezzo è come se il mondo fosse stato messo in pausa a causa dalla pandemia. Ma, nonostante questo, il mercato dell’arte non ha subito alcuna battuta d’arresto, anzi ha registrato vendite inaspettatamente straordinarie. I dati dimostrano un’importante ripresa per il settore artistico, che torna ai suoi giorni più gloriosi. Un mercato che attira non solo gli appassionati d’arte, ma anche, purtroppo, i malintenzionati che sfruttano le falle del sistema. Il finanziamento del terrorismo e il riciclaggio di denaro sono fenomeni molti diffusi ancora oggi. Il valore dell’arte rubata viene stimato da Deloitte annualmente fra i 4 e 6 miliardi dollari.
La maggior parte dei Paesi dell’Unione Europea e del Regno Unito hanno integrato la Direttiva all’interno delle leggi nazionali. Ci sono importanti modifiche rispetto alle direttive precedenti: è previsto che ogni commercio d’arte sia sottoposto alla direttiva nel caso in cui il valore dell’operazione, anche se frazionata o composta da più operazioni collegate, sia pari o superiore a 10.000 euro.
Nell’ottobre 2019, attraverso il Decreto Legislativo n.125/2019, l’Italia ha accolto la direttiva europea. La legge viene, quindi, applicata a tutti i “soggetti che svolgono attività di commercio di cose antiche e di opere d’arte, o che agiscono in qualità di intermediari nel commercio delle medesime opere, anche quando tale attività è effettuata da gallerie d’arte o case d’asta o all’interno di porti franchi”.
Tuttavia mercanti d’arte e galleristi fanno notare come il governo stia a malapena imponendo ai protagonisti del mercato di aderire ai nuovi requisiti: l’autovalutazione dei rischi Anti Money Laundering (soluzioni antiriciclaggio) e i controlli di due diligence. Le istituzioni sono obbligate a segnalare comportamenti dubbi alle autorità. Tuttavia la comunicazione riguardo al comportamento da tenere non è avvenuta in modo adeguato e ancora non è chiaro il procedimento da seguire. Non è certo semplice muoversi in queste situazioni, Inoltre chi dovrebbe essere il responsabile incaricato di assicurare che il mercato dell’arte aderisca alla nuova legislazione, se ancora non è stata designata un’autorità che controlli il processo?
Il Regno Unito, ad esempio, ha implementato la 5a Direttiva Europea Antiriciclaggio molto più rigidamente rispetto al resto dell’Europa. Gli operatori del mercato dell’arte sono ‘soggetti obbligati’ e devono rispettare rigorosamente le regolazioni contro il riciclaggio di denaro. Ogni operatore del mercato dell’arte è stato obbligato a registrarsi con l’autorità competente, la HMRC, entro giugno 2020. Per fare in modo che avvenisse la registrazione, tutte le clausole della 5a Direttiva dovevano essere soddisfatte, tra cui l’esecuzione delle varie procedure e la nomina di un Ufficiale Preposto all’Antiriciclaggio di denaro (detto Money Laundering Reporting Officer). Tutte le istituzioni che partecipano a fiere d’arte nel territorio del Regno Unito sono tenute a rispettare e seguire in modo rigoroso le regolamentazioni del luogo. La non adesione alla Direttiva comporta sanzioni molto pesanti: condanne a diversi anni di prigione, multe salate e danni alla reputazione. I cambianti apportati nel mondo dell’arte nel Regno Unito sono stati accolti e implementati molto rapidamente. Il processo di cambiamento e adeguamento è ancora in corso, e certamente il sistema britannico non è perfetto, ma questo dimostra come l’introduzione e la pratica di regole siano la soluzione giusta per la salvaguardia del mercato.
Queste procedure fanno in modo che i partecipanti del mercato dell’arte possano interagire in un ambiente sicuro e tutelato, creando un meccanismo fondato sulla trasparenza.
Il patrimonio artistico e culturale non può essere valutato un tanto al kilo, come qualsiasi altro prodotto. Necessariamente entrano in gioco parametri diversi nella stima del valore di un’opera d’arte. E’ la sua esistenza, ancor più la sua possibile mancanza, che ne aumenta il valore. La sua esistenza è fonte, documento, legame con il passato. Lo illustra, lo tramanda. Se il manufatto non esistesse più, se non fosse stato protetto adeguatamente, avremmo uno iato incolmabile in quello che è il discorso storico, prima che un danno economico. La domanda: “quanto vale un’opera d’arte?” è di difficile risposta. Tuttavia, come evidenziato nell’articolo di Giuseppe Miceli, giurista esperto di antiriciclaggio, dal titolo “Un passaporto per i beni culturali”, comparso alcune settimane fa su the Journal of Cultural Heritage, la mancanza di norme condivise per la valutazione delle opere, un mercato dell’arte, totalmente sregolato, avvantaggia, con la sua volatilità, con quotazioni aleatorie e le successive vendite a prezzi strabilianti, il riciclaggio di proventi illeciti, pur con vendite totalmente legali. L’analisi condotta dall’FBI sul traffico illecito delle opere d’arte, lo stima tra il 9-12% dell’intero volume d’affari del settore. Analisi confermata anche da Enti nazionali come la Direzione Investigativa Antimafia o la Commissione Parlamentare Antimafia. Per constratare questo fenomeno, di cui l’Italia è una delle maggiori vittime, Giuseppe Miceli ha pensato di mettere a punto un progetto per la tracciabilità dei Beni Culturali, ovvero la creazione di un Registro dei Titolari di opere d’Arte, al pari di quello che succede per altre categorie merceologiche. In questo modo sarebbe possibile monitorare ogni passaggio di proprietà di un qualsiasi manufatto, come si fa adesso per le auto, ad esempio. Questo registro verrebbe utilizzato come un deterrente all’utilizzo di somme di dubbia provenienza perché verrebbe registrato anche il valore di acquisto. Le opere verrebbero fornite di un contrassegno “elaborato e applicato dall’Istituto Poligrafico dello Stato”, i dati inseriti del contrassegno farebbero riferimento ad un database in cui saranno presenti tutte le informazioni sul manufatto. Naturalmente la contraffazione di questo o la manomissione sarebbero oggetto di procedimenti penali. I manufatti che non muniti di contrassegno sarebbero ritenuti non autentici. Ma la domanda che ci poniamo è: come verrebbe verificata l’autenticità, e questa prevedrebbe anche la determinazione della certezza dell’autografia nell’apporre il primo bollino? Come farebbe questo strumento a tenere conto di quelle che sono le variazioni di valore dovute alle nuove attribuzioni, alle scoperte scientifiche? Sarebbero accessibili i dati diagnostici che certamente potrebbero essere un supporto per la conservazione dell’opera stessa ed anche prova di autenticità? Abbiamo trovato davvero interessante la proposta ma la sua fattibilità richiede risorse e competenze. Un investimento importante.
In ogni caso una regolamentazione di un mercato dove attualmente è possibile scambiare molti milioni senza nessuna regola, è sempre più necessaria.
“Comunemente s’intende per restauro qualsiasi intervento volto a rimettere in efficienza un prodotto dell’attività umana” così scriveva Cesare Brandi nel saggio in cui descriveva l’importante missione del restauratore, spiegando come tutto il lavoro dovesse essere fatto nel più totale rispetto dell’opera e del tempo trascorso che ha aggiunto a sua volta valore alla composizione iniziale.
Una visione innovativa che lo portò ad approcciarsi in modo molto critico alla pulitura. Nel caso in cui però ci si appoggia alla diagnostica e si procede con puliture meticolose e attente, si ottengono risultati che lo stesso Brandi avrebbe apprezzato; sono numerosi ormai gli interventi importanti di pulitura che hanno permesso di riportare l’opera ad un aspetto molto più vicino a quello originale: il dipinto di Vermeer “Ragazza che legge una lettera davanti alla finestra” è uno di questi casi.
La diagnostica dovrebbe sempre far parte del primo approccio con l’opera d’arte. I risultati delle campagne diagnostiche sono indispensabili sia come base su cui improntare un restauro o una pulitura, sia per effettuare una ricerca storico artistica, se necessaria.
Nel caso del dipinto di Vermeer (83×64,5 cm), databile al 1657 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda, la diagnostica ha permesso non solo di procedere con la rimozione di una ridipintura in totale rispetto dell’opera originale, ma anche di capire se lo strato pittorico che andava a coprire “il quadro nel quadro” fosse coevo alla creazione dell’opera.
Brandi riporta “Quando si giungerà all’intervento pratico di restauro, abbisognerà anche una conoscenza scientifica della materia nella sua costituzione fisica “. Il diagnosta si occupa appunto di ciò: informa il restauratore e lo storico dell’arte delle caratteristiche fisico-chimiche dell’opera in analisi, da una parte permettendo al restauratore di scegliere le sostanze e le tecniche che meglio si sposano a tali caratteristiche per una pulitura o qualsiasi altro intervento conservativo, e dall’altra permettendo allo storico dell’arte o all’archeologo di inserire quel manufatto in un determinato periodo storico.
Nel dipinto olandese, la presenza di un quadro raffigurante un cupido sulla parete sullo sfondo era già stata resa nota quando all’opera venne fatta una radiografia nel 1979. Si pensò però che fosse stato lo stesso pittore olandese a volerlo coprire.
Ulteriori analisi vennero effettuate nel 2017 in previsione di un restauro volto a togliere le patine formatesi nel tempo che avevano ingiallito i colori della composizione. Oltre all’analisi di fluorescenza ultravioletta e riflettografia infrarossa, è stato deciso di effettuare un campionamento e procedere con lo studio stratigrafico in corrispondenza della campitura pittorica che copriva il cupido. La presenza di polvere tra l’ultimo strato del cupido e lo strato della parete e la composizione chimica del pigmento differente da quella riscontrata sul resto della parete, pongono tale intervento tempo dopo la realizzazione dell’opera, per l’esattezza intorno al XVIII secolo. Non può trattarsi quindi di una scelta di Vermeer.
Sul perché si sia deciso di coprire il cupido, sono numerose le ipotesi ma principalmente o la composizione aveva un aspetto troppo intimo per essere esposta in una stanza destinata ad accogliere ospiti o non incontrava il gusto di uno dei suoi proprietari.
Ad oggi l’opera è stata riportata al suo aspetto originale dopo una lunga e attenta pulitura ed è il fulcro della mostra “Vermeer, La Ragazza che legge una lettera alla finestra opera di Johannes Vermeer e la pittura di genere olandese del XVII secolo” al palazzo Swinger di Dresda.
Qui di seguito i link dei video in cui sono documentate le due fasi di restauro:
Non ci saranno praticamente festeggiamenti, tranne qualcosa di quasi improvvisato. Niente a che vedere con tutto quello che era stato organizzato per i 400 anni dalla morte.
In quella occasione Art–Test analizzò diversi dipinti la cui autografia è indiscussa, tra cui il Bacco degli Uffizi, le 7 opere di misericordia di Napoli, la Resurrezione di Lazzaro di Messina, e altri su ancora si discute, come il Ragazzo morso da un ramarro della collezione Longhi.
La mancanza di celebrazioni ufficiali è probabilmente a causa della prolungata pandemia, che ha reso impossibile programmare e soprattutto pensare di avere un ritorno economico sufficiente, visto che non si poteva prevedere se le eventuali mostre sarebbero potute rimanere aperte.
Così si “perde” l’occasione di un confronto su un pittore che comunque continua ad affascinare, anche alla sua arte così “instagrammabile”, e al fascino un po’ tenebroso delle sue vicende personali. E la cui madre “continua ad essere incinta”, paragrafando il felice titolo di un saggio di T. Montanari. Sono diversi infatti i dipinti che in questi anni sono stati proposti come autografi. Sull’ultimo, l’Ecce Homo di Madrid, è appena uscito l’articolo scientifico di Cristina Terzaghi, negli atti di convegno tenutosi a Napoli nel 2020. E’ uscito anche Caravaggio’s Cardsharps on Trial : Thwaytes v. Sotheby’s, scritto da uno dei protagonisti del lungo processo su una copia de“i Bari” conclusosi nel 2015, che racconta nel dettaglio cosa succede quando gli esperti non sono d’accordo sull’autografia di un dipinto. E sul ruolo riservato alle analisi tecniche e a quelle storiche artistiche.
In mancanza di un confronto dal vivo, si combatte, insomma, a colpi di pubblicazioni. E per quanto riguarda come e chi decide se è un Caravaggio, in attesa che si arrivi a dei protocolli condivisi, è ancora terra di conquista.
Copiare sculture è una pratica che ha una lunga tradizione nella nostra cultura.
Del resto la maggior parte dei lavori degli scultori greci è conosciuta soltanto grazie alle copie romane. Non sappiamo però se queste venissero vendute come originali greci o meno.
Sappiamo che Michelangiolo provò a vendere una sua scultura spacciandola come falso dopo averla interrata. Il compratore però se ne accorse (e volle conoscere l’autore)
Il processo al Alceo Dossena (1878–1937) stabilì che lui non produceva dei falsi, ma degli autentici capolavori, in vari stili, dall’etrusco al rinascimentale, patinandoli con una procedura di cui non ha mai rivelato i segreti. Sculture che poi furono rivendute da mercanti senza scrupolo, per finire nelle più prestigiose collezioni in mezzo mondo.
Non è la prima mostra sui falsi, ricordiamo ad esempio Falsi d’ Autore. Icilio Federico Joni e la cultura del falso tra Otto e Novecento del 2004 a Santa Maria della Scala a Siena, che ebbe il merito di gettare luce sulla figura del falsario, dei suoi clienti e dei suoi metodi.
Annunciando questa mostra, Vittorio Sgarbi ha comunicato di aver individuato altri “autentici Dossena” ancora esposti come arte antica.
Siamo veramente curiose di visitarla e saperne di più!
Non era poi così difficile risolvere il quiz che abbiamo proposto per l’estate scorsa.
Molti di voi hanno risposto, ma il più veloce è stato Giorgio Foresti, insieme a Guerrino Lovato.
Art-Test darà loro l’opportunità di eseguire una riflettografia con il nostro scanner IntraVedo con sensore InGaAs, ancora la migliore tecnologia in questo tipo di analisi.
Per chi ancora non avesse indovinato, ecco i quadri:
Lamentation by Antonio Allegri, il Correggio (1524)
Da sempre le crisi o i momenti difficili evidenziano le intelligenze, siano esse individuali che espressione di una comunità.
Più volte nei nostri “articoli” avete potuto leggere una personale analisi su questo tempo privato, sospeso, in alcuni casi sovraccarico di comunicazione per rimanere vivo. C’è chi questo tempo lo ha utilizzato per costruire, per creare una rete che servisse a promuovere bellezza e cultura presente sul territorio italiano.
Questo è quello che il consorzio Italics ha fatto.
Nelle grandi crisi, nei momenti difficili, le reazioni possibili sono varie. La migliore è quello di fare gruppo e affrontare insieme “Il nemico”. Così in una situazione completamente sconosciuta per tutti, 60 gallerie di arte antica, moderna e contemporanea, si sono consorziate ed hanno iniziato a proporsi con eventi online al mondo dei collezionisti e della cultura in genere. Gli artisti da loro rappresentati, giudicando il momento propizio per guardare al futuro insieme, hanno messo insieme forze e idee.
Cinquanta galleristi hanno scelto di dedicare un Panorama dell’arte da loro proposta in un luogo definito dal Ministro Franceschini “il luogo della ripartenza”. Procida, Capitale Italiana della Cultura 2022. Un luogo piccolo ma con un panorama a 360° che mostra orizzonti bellissimi.
Su questi orizzonti un dialogo tra opere d’arte e territorio, in un dialogo tra arte e persone.
La loro rete ha coinvolto per questa mostra diffusa anche il Museo di Capodimonte che ha concesso per 4 giorni l’opera “Adorazione dei pastori” di Matthias Stomer (1600, Amersfoort, Paesi Bassi – 1650, Sicilia) custodita presso una cappella sconsacrata e che è stata esposta fronteggiata da un’opera di Lucio Fontana della serie La Fine di Dio, in un dialogo tra l’antico ed il contemporaneo.
La mostra ha visto la curatela di Vincenzo De Bellis, che ha così dedicato altro tempo all’Italia dopo la mostra fiorentina di Palazzo Strozzi.
Giorno dopo giorno sempre più frontiere vengono riaperte consentendo nuovamente a tutti noi di viaggiare.
Così come le persone anche le opere d’arte hanno subito notevoli limitazioni dovute alle cancellazioni di fiere e mostre o ridotta attività degli uffici preposti alla documentazione per importazioni o esportazioni.
Negli ultimi anni il trasporto delle opere d’arte ha conquistato la giusta attenzione nel processo di conservazione e tutela. Ormai il tema è oggetto anche di convegni, dove questa particolare forma di logistica viene trattata con un approccio scientifico.
Sinergia tra trasportatori e società assicurative, trasportatori e restauratori, trasportatori e collezionisti, trasportatori e galleristi. Tale lo sviluppo in questo campo che è stata necessaria la distinzione tra trasporto di manufatti di arte antica e moderna e quello di arte contemporanea che spesso, soprattutto per le installazioni, vuole una sensibilità diversa, nuova, nell’approccio alla “confezione”
Con il ritorno “alla normalità” ma con limiti disomogenei nello spostamento delle persone e quindi di collezioni, mercanti e restauratori, sono le opere che hanno dovuto viaggiare di più.
Al mondo della logistica fineart viene talvolta rimproverato di offrire servizi a costi piuttosto onerosi, in alcuni casi non sempre il preventivo di costi corrisponde al consuntivo in un trasferimento. Forse è per anche per questo motivo che molte società oggi che servizi specifici per il trasporto di opere d’arte, per venire incontro alla propria clientela, hanno iniziato a pubblicizzare dei veri e propri pacchetti di servizi con costi chiari e definitivi.
Ma la diagnostica un tutto ciò può avere un ruolo? Certo! La diagnostica può supportare tutti gli attori! Il trasportatore, il proprietario dell’opera, il gallerista, la società assicurativa. Un controllo super partes degli oggetti in grado di produrre un documento di trasporto sintetico ma efficace per il controllo dello stato di conservazione dell’opera in tempi brevissimi. Questo è necessario soprattutto se l’opera presenta criticità che chiedono una particolare attenzione al trasporto. Il documento di trasporto differisce dal condition report, che è un documento più dettagliato, redatto e controllato all’inizio e alla fine del viaggio.
Nel documento di trasporto si aggiunge una mappatura di quello che l’occhio non può scorgere. Ad esempio per un dipinto su tavola la presenza di micro o macro lezioni all’interno delle assi potrebbe essere monitorata con una radiografia che ne evidenzi la presenza/assenza. Un’immagine in fluorescenza scientifica potrebbe rilevare un deterioramento delle vernici o dei ritocchi durante una lunga permanenza in un’esposizione o potrebbe rilevare la presenza di nuovi ritocchi eseguiti come manutenzione. Un supporto diagnostico nell’ambito della logistica potrebbe essere, ed è, un enorme vantaggio nel caso sorgano contenziosi, da qualsiasi parte essi giungano, ma in generale è uno strumento di tutela e conservazione.
Spesso per autenticare un’opera d’arte si fa ricorso alla sua provenienza, ovvero al susseguirsi dei vari proprietari, per cercare di risalire al primo e al contratto di acquisto dall’autore. Ma sono dati per niente semplici da verificare. Al contrario, si tratta di un terreno molto insidioso, perché anche questi documenti si possono falsificare. Ed è spesso più facile che falsificare un’opera.
Il mercato dell’arte, in particolar modo quello che riguarda l’arte contemporanea, sembra essere costellato da falsi in costante aumento. Secondo il Comandante della sezione “Falsificazione ed arte contemporanea” del Comando Carabinieri Tutela patrimonio culturale, nel 2018 quasi il 70% del mercato dell’arte contemporanea in Italia era composto da falsi. E falsa spesso in questi casi è anche la documentazione fornita per stabilirne la storia e quindi la provenienza.
Anche solo il mese scorso sono apparse sulla stampa notizie eclatanti di falsificazioni di lettere, ed anche di fotografie, per supportare l’esistenza di un legame tra il venditore e l’autore delle opere, come nel caso dei lavori presunti di Diego Giacometti venduti da Sotheby’s o i falsi Hambleton e Hendricks venduti a più di 15 gallerie.negli Stati Uniti.
È fondamentale valutare la veridicità della provenienza anche perché l’opera potrebbe esser stata rubata o razziata. Anche se in questo caso si tratta, molto spesso, di omissioni: queste informazioni non vengono riportate, come nel caso del Pissarro acquistato dal barone Thyssen-Bornemisza. Solo in seguito ad una lunga e aspra causa legale, è emerso che il dipinto fu confiscato da Paul Cassirer (importante gallerista tedesco) durante la Seconda Guerra Mondiale.
È vero che generalmente è impossibile riuscire a stabilire la catena di proprietà per la mancanza di documenti o fonti attendibili, soprattutto per le opere antiche “minori”. Un esempio è il “Cristo deriso” di Cimabue. Il dipinto, di piccole dimensioni, appeso nella cucina di un’anonima casa nella campagna francese, sembra appartenuto da sempre alla stessa famiglia, ma le notizie riguardanti le origini sono solo fumosi e lacunosi ricordi.
Anche i casi di falsa provenienza per opere apparentemente e più importanti sono davvero molti, ma ce n’è uno davvero eclatante che riguarda il Getty Museum. Il Museo, che nel 1983, sta per acquistare un Kouros greco datato 530 avanti Cristo, decise di convocare un comitato per stabilire l’autenticità della scultura, con esperti provenienti da ogni parte del mondo, fra questi anche Federico Zeri. Il quale però, si rese immediatamente conto che qualcosa non andava in quel Kouros, addirittura affermò averlo “assaggiato”. L’irriverente studioso sosteneva infatti che gli acidi, i solventi e i coloranti restano nelle sculture per decenni e quindi leccando il marmo è possibile capire se sono state usate sostanze per dare una “patina antica”. Non fu l’unico parere contrario, anche l’esperta di arte greca Evelyin Harrison e Thomas Hoving, sostenevano la non autenticità della scultura. Si effettuarono anche ricerche riguardanti la provenienza. La scultura era accompagnata da una serie di documenti. Questi, avrebbero voluto dimostrare che l’opera faceva parte di una collezione a Ginevra del Dr. Jean Lauffenberger, che sosteneva di averla acquistata da un commerciante greco nel 1930, ma senza menzionare alcuno scavo. Fra i vari documenti c’era anche una lettera che destò non pochi sospetti. Si scoprì che il codice postale non esisteva fino al 1972 e che un conto bancario, citato nella lettera, riguardante le riparazioni sulla statua, non era stato aperto fino al 1963.
In altri casi viene in soccorso la diagnostica che, come nel caso del prolifico falsario tedesco Wolfgang Beltracchi per esempio, individuò che l’inchiostro con cui era stampata un’etichetta sul retro, o a volte il tipo di stampa, non erano compatibili con il periodo si esecuzione supposto.
Insomma alla fine i dati che attestano la provenienza sono comunque documenti fisici, e come tale dovrebbero essere trattati. Prima di prendere per buono quello che tramandano, è prudente accertarsi della loro autenticità. Se sono falsi possono essere smascherati, ed è meglio che questo succeda prima di andare in causa.
Afghanistan: come può difendersi dalla furia iconoclasta dei talebani, inclusa una lista di oggetti da NON COMPRARE
In Afghanistan l’arrivo dei talebani porterà una brusca battuta di arresto ad un popolo che era sembrato riuscire in parte a trovare un delicato equilibrio.
Oltre ai grandi cambiamenti che inevitabilmente porteranno le numerose restrizioni imposte dal nuovo governo, una grande minaccia incombe sui numerosi siti archeologici ed oggetti d’arte che costituiscono la memoria di un paese ricchissimo di storia.
Malgrado siano passati 20 anni, nessuno può essersi dimenticato della distruzione dei due Buddha di Bamiyan da parte dei talebani. Sul movente ci sono ancora discrepanze, ma è assodato che si è assistito a un vero e proprio abominio nei confronti non solo di quel popolo, ma anche del patrimonio artistico mondiale.
La grande tragedia della distruzione nel 2001 delle due imponenti statue, dichiarate Patrimonio dell’Umanità dall’UNESCO, e datate tra il sesto e settimo secolo dopo Cristo, smosse tutta l’Europa. Nel 2001 grazie alla fotogrammetria, (analisi che consente di ottenere misure e ricostruzioni 3D estremamente accurate da fotografie scattate a differenti angolazioni), aiutandosi con immagini di turisti, prese sul web, si riuscì a ricostruire il modello 3D delle due statue, e stamparne delle copie in scala. Recentemente si sono proiettati degli ologrammi per ricreare in loco l’impressione che gli enormi Buddha dovevano fare.
Ma chiaramente nessuno potrà tornare indietro nel tempo.
In previsione di un risvegliarsi della furia iconoclasta degli studenti coranici, si è messo in moto un progetto per salvaguardare l’immenso, e in parte sconosciuto, patrimonio artistico afgano. Molti oggetti d’arte appartenenti a differenti collezioni museali sono infatti stati rimossi dalla loro sede e nascosti in luoghi non noti ma al momento non si ha notizia di alcun trasferimento all’estero.
Infatti l’AAMD (Association Art Museum Directors) ha stabilito differenti protocolli per la protezione dei beni culturali prevedendo addirittura, quando necessario, che musei di altre nazioni prendano in custodia tali oggetti fino all’estinguersi della crisi.
Ma già nel terzo giorno da quando sono tornati al potere in Afghanistan, i talebani hanno fatto esplodere la statua di Abdul Azi Mazari, ex leader degli Hazara, minoranza sciita afghana, ucciso dagli stessi talebani nel 1995 e considerato eroe per la resistenza contro il gruppo armato.
Nonostante tutto è molto probabile che in Afghanistan la cultura e patrimonio vengano nuovamente attaccati e annientati e senza memoria artistica si avrà un paese incapace di rinnovarsi, resterà bloccato, anzi probabilmente regredirà, negandosi così ad un futuro motivato ma soprattutto libero.
Anche quando non si arrivi a questi estremi, il diagnosta, il restauratore, l’archeologo e tutte le altre figure legate al mondo del patrimonio culturale, svolgono un ruolo importante, in quanto sono i custodi di ciò che è stato. Il compito che sentiamo nostro è quello di preservare, salvaguardare e divulgare.
Lavoriamo insieme su oggetti che raccontano tante storie diverse di popoli e di singoli individui, la memoria collettiva, il patrimonio dell’umanità.
Con scienza e costanza cerchiamo di trovare un modo per non privare alle generazioni future quella bellezza che i nostri antenati hanno creato e potuto ammirare, e non possiamo che condannare sgomenti chi non si fa scrupolo a distruggere tutto.
In seguito al crollo di una colonna, neanche portante, avvenuto il 2 settembre 1783, il Granduca Pietro Leopoldo di Lorena fece abbattere la chiesa di San Pier Maggiore. Nonostante fosse una delle chiese più antiche di Firenze, di cui si ha notizia già dal 1067.
Era piena di opere importanti, di artisti di primo piano, tra cui Botticelli e Perugino, e situata in un quartiere bene, almeno intorno alla meta del duecento, quando Firenze fu divisa in sestieri e quello di San Pier Maggiore era abitato da famiglie nobili. Viene anche nominato da Dante nella Divina Commedia, come luogo in cui visse l’avo Cacciaguida.
La foga distruttrice del Granduca era in realtà legata più che alla stabilità dell’edificio, alla volontà di ridurre il potere politico ed economico della Chiesa. Fatto sta che sopravvissero solo le arcate della facciata, due delle quali oggi sono tamponate, e varie tracce nelle abitazioni private che ne hanno preso il posto.
Ma anche solo questo ha consentito di “resuscitarla” e renderla visibile e visitabile, sia dove sorgeva un tempo, sia a distanza, grazie a uno straordinario lavoro di ricerca come è illustrato in questo video, che dovete assolutamente vedere.
È stata realizzata un’applicazione fantastica in realtà aumentata che ci piacerebbe fosse applicata in tante altre circostanze.
Ad esempio la chiesa di San Pier Scheraggio, sempre a Firenze, che fu abbattuta per la realizzazione degli Uffizi. All’interno della chiesa si trovava un famoso dipinto di Cimabue che raffigurava la Madonna nell’atto di far addormentare il figlio. Fu chiamata “Madonna della ninna nanna“, da cui deriva anche il nome dell’odierna via della Ninna.
Art–Test ha lavorato, insieme ad un grande partenariato, al progetto regionale Primarte sul caso dell’ex Convento delle Campora a Firenze.
Affreschi dell’ex complesso di Santa Maria al Sepolcro – Le campora
L’intero complesso, la cui costruzione risale agli anni cinquanta del Trecento, e che era di grande importanza al tempo, venne a dipendere dal 1434 dalla Badia Fiorentina, uno dei fulcri religiosi e culturali della città, con uno studium, una biblioteca e intellettuali che promossero importanti commissioni artistiche. L’edificio non esiste più. Ne è rimasta solo una parte, ora integrata in una abitazione privata, con affreschi magnifici anche se quasi sconosciuti, in cui sono illustrate le storie di sant’Antonio Abate e del suo incontro con l’eremita Paolo, secondo le biografie composte nel IV secolo d.C. da Atanasio e da Girolamo. Questi dipinti, di grande bellezza e di grande raffinatezza pittorica, sono eccezionali per la completezza del ciclo e per le particolarità figurative che vi compaiono.
Nell’ambito del progetto PRIMARTE è stata realizzata già nel 2015 una piattaforma integrata in cui è presente una grandissima quantità di informazioni. Ci sono, organizzati e visibili cliccando sulle varie parti della ricostruzione tutti i dati, sia storici che attuali, i risultati diagnostici e le relazioni di restauro, i modelli 3D e gli ortopiani… insomma, tutto. Quindi i dati e le competenze ci sono già, anche se purtroppo non sono attualmente visibili al pubblico. A nostro parere, un vero peccato. Speriamo che la prossima volta si riesca a replicare il progetto in un altro sito e a dargli la visibilità che merita!
L’11 agosto 2021 è morto l’ex chair del Rembrandt Research Project, Ernst de Wetering.
È stato una figura cruciale nel campo dell’autenticazione e un coinnosseur molto potente. Come presidente del RRP, dal 1990 fino alla cessazione delle attività nel 2011, ha contribuito a elaborare molte attribuzioni riguardanti Rembrandt.
E ora, sospettiamo, molte di queste potrebbero essere messe in discussione.
Per circa 50 anni senza il consenso del RRP nessun dipinto poteva essere attribuito a Rembrandt, a meno che non fosse personalmente de Wetering a sostenerlo.
Vediamo perché.
Il punto di svolta nell’attribuzione di dipinti olandesi e fiamminghi del diciassettesimo secolo è stato il famigerato “Scandalo Van Meegeren“, nel 1945, quando “Cristo e i suoi discepoli ad Emmaus” ampiamente celebrato come uno dei migliori dipinti di Veermeer si rivelo’ un falso.
Durante il processo le analisi scientifiche furono essenziali per stabilire l’inautenticità, mentre al tempo era abbastanza comune per gli “esperti” esprimere la propria opinione semplicemente riferendosi alla propria intuizione, o “sentimento”, su un dipinto, senza necessita’ di altra spiegazione.
Questo chiaramente non era più possibile, dopo tutto l’imbarazzo causato dall’aver sostenuto un falso palese.
Pertanto, quando negli anni Sessanta si decise di produrre un nuovo Catalogue raisonne’ delle opere di Rembrandt, si decise di combinare la tradizionale connoisseurship con le più recenti tecniche scientifiche e formare una commissione di esperti per valutare ogni singolo pezzo.
La dendrocronologia, ad esempio, si rivelo’ molto utile per datare i pannelli di quercia usati da Rembrandt per i suoi primi lavori, per scoprire le copie e talvolta anche per dimostrare che quella che era stata considerata un’imitazione tarda era realizzata su legno autentico del XVII secolo.
I raggi X si rivelarono preziosi per ricostruire il processo lavorativo di Rembrandt, in termini di come impostava la composizione e l’ordine in cui eseguiva le varie parti di un dipinto. Altre peculiarità si poterono scoprire con le altre tecniche utilizzate, come la fotografia UV e la riflettografia IR, insieme all’analisi chimica dei materiali utilizzati.
Tuttavia, era chiaro che, nonostante l’utilità delle varie analisi diagnostiche, poteva esserci ancora incertezza sulla paternità di un dipinto, soprattutto quando si trattava di distinguere il maestro da allievi di talento, che avevano accesso agli stessi materiali e condividevano le tecniche all’interno dello studio.
In alcuni altri casi, l’incertezza derivava anche da analisi tecniche non complete o di scarsa qualità.
Da qui l’arbitrio riservato ai connoisseur.
Tuttavia, quando de Wetering ha deciso di ritirarsi, anche se circa un quarto dell’opera di Rembrandt non era stato ancora indagato, nessuno studioso ha voluto assumersi responsabilità di presiedere il RRP.
Cosa accadrà adesso? Chi deciderà se un dipinto è un Rembrandt?
Il caso più recente in cui è stata proposta un’attribuzione senza la benedizione ufficiale del RPP è il Ritratto di una giovane donna dell’Allentown Art Museum in Pennsylvania. Fu classificato negli anni venti dal RRP come prodotto dello studio di Rembrandt piuttosto che del maestro stesso.
Nel 2020 gli esperti del museo hanno affermato un’altra verità.
Elaine Mehalakes, vice presidente degli affari curatoriali del museo di Allentown, ha osato affermare che il RRP non aveva mezzi tecnici moderni. L’unica immagine tecnica su cui si basava era una radiografia della fine degli anni ’20 che, peraltro, è stata scattata quando il pannello era parchettato.
Nessuna obiezione da parte del RRP, in quanto non più esistente, e anche probabilmente perché la firma ritrovata sul dipinto era una chiara indicazione.
Ci auguriamo che la nuova attribuzione/de-attribuzione trovi nei documenti disponibili il miglior terreno per un’interpretazione affidabile dei dati. Ma siamo onesti: la gara è aperta.
Una buona notizia è che l’ampia documentazione raccolta durante il RRP è ora per lo più disponibile gratuitamente online tramite il sito web del progetto Rembrand Database, supportato da diversi musei e istituzioni d’arte in tutto il mondo.
Forse vi siete chiesti quale sia stato il primo edificio Rinascimentale al mondo?
Non è una chiesa, o un palazzo, ma lo “Spedale degli Innocenti” di Firenze, il primo orfanatrofio al mondo, e fu progettato dal genio Brunelleschi.
L’opera fu finanziata da un ente laico, l’Arte della Lana e costruita su un terreno di proprietà privata, di Rinaldo degli Albizi. La costruzione inizio’ proprio il 19 Agosto, nel 1419, probabilmente sotto un solleone simile a quello di oggi.
Il portico esterno è composto da nove campate (lo stesso numero dei gradini) con volte a vela, cioè cupole a base quadrata. Sia il loggiato che il chiostro interno sono caratterizzati da una precisa geometria: la corda dell’arco è uguale all’altezza delle colonne e alla profondità del portico, mentre l’arco sovrastante è esattamente la metà di questa misura (10 braccia fiorentine, circa 5,84 metri).
I bambini “innocenti” (un cognome ancora molto diffuso a Firenze) che per vari motivi venivano abbandonati dalle madri, erano accolti dalle suore che li crescevano e li formavano.
Dopo essersi occupato per secoli di bambini abbandonati, oggi l’Istituto degli Innocenti è un’Azienda pubblica di Servizi alla Persona (ASP) ed è attivo su molti fronti: ospita un asilo per l’infanzia, un Centro di Documentazione, un centro ricerca UNESCO e anche un Museo.
Nel corso dei secoli infatti lo Spedale si è arricchito di numerose opere, grazie a commissioni diretti, donazioni e accorpamenti da altre istituzioni assistenziali, anche se, attorno alla metà dell’Ottocento, parte delle opere fu venduta per provvedere ad un risanamento economico.
Il Museo MUDI è aperto anche il lunedì, giorno di chiusura di quasi tutti gli altri.
Visitatelo e lasciatevi coinvolgere dalle storie di tanti bambini, delle loro balie e delle loro famiglie (in qualche caso ritrovate), e dalle bellissime opere esposte, di artisti del calibro di Botticelli e Domenico del Ghirlandaio, tra gli altri.
Da 25 giugno 2021 è aperta a Mosca la mostra “Siena all’alba del Rinascimento. Pittura dalle collezioni della Pinacoteca nazionale di Siena, dall’Archivio di Stato di Siena, da altri musei della Toscana e dal Museo Puškin“, curata da Vittoria Markova e Elena Rossoni, ed in programma fino al 3 ottobre 2021
La Pinacoteca Nazionale di Siena trasferisce eccezionalmente a Mosca alcuni suoi capolavori, per consentire al pubblico moscovita di percorrere l’età d’oro della sua pittura.
A queste opere, e alle biccherne provenienti dall’Archivio di Stato di Siena, si aggiungono alcuni altri importanti dipinti provenienti dal Museo Nazionale di San Matteo di Pisa e dal Museo Nazionale d’Arte Medioevale e Moderna di Arezzo.
La mostra presenterà la scuola medievale senese, raccontandone l’evoluzione dal XIII al XV secolo e la sua eccezionale importanza nel periodo immediatamente precedente il Rinascimento.
Per lo spettatore russo sono di particolare importanza i legami con la pittura bizantina, da cui la pittura senese prende origine ma presto si diparte; mentre fu in questo periodo che ebbe luogo la fioritura della pittura di icone in Russia, che continuò a rimanere fedele alla tradizione.
Anche Pushkin State Fine Art Institute ha opere importantissime della pittura senese del XIV-XV secolo, comec”Crocifissione” di Segni di Bonaventura, due parti del polittico Sansepolcro di Sassetta, oltre a opere di Andrea di Bartolo, Sano di Pietro, Matteo di Giovanni, Guidoccio Cozzarelli, Bernardino Fungai e altri maestri.
E’ principalmente a Duccio di Buoninsegna, contemporaneo di Giotto e fondatore della tradizione artistica locale, le cui attività sono documentate dal 1278, che si deve l’innovazione della produzione artistica a Siena. Nelle sue opere si trova ancora uno stretto legame con l’arte di Bisanzio e allo stesso tempo c’è una tensione diversa, la cui eleganza lascerà una traccia indelebile nell’arte senese.
A volte per dettagli che adesso a noi paiono quasi irrilevanti.
Si veda ad esempio la piccola tavola della Madonna dei Francescani, opera destinata probabilmente alla devozione privata.
Si noti il disegno della stoffa della tenda sorretta dagli angeli.
Fu grazie ai dipinti come questo che vennero veicolati i disegni geometrici bizantini e islamici, dei tessuti commerciati inizialmente con il sud e Venezia per poi raggiungere tutti i centri di potere occidentali.
Il motivo a stelle e croci fu raffigurato nei tessuti dipinti da molti artisti, fra i quali Giotto e, appunto, Duccio.
La mostra fa parte di un ampio programma di gemellaggio tra musei in Russia e In Italia, annunciato dai ministeri della Cultura di entrambi i Paesi per il 2021-2022.
Se volete approfondire la pittura senese, Art-Test, in collaborazione con la Pinacoteca di Siene, ha realizzato un database con oltre 100 dipinti, dove oltre alle schede per ogni opera, sono presenti i dati diagnostici, come radiografie, riflettografie, analisi del colore.
Tutto quello che serve per un confronto scientifico, uno studio approfondito e attribuzioni con basi solide!
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“La vita fugge e non s’arresta un’ora: E la morte vien dietro a gran giornate; E le cose presenti e le passate Mi danno guerra, e le future ancora”.
Nasce da famiglia fiorentina in esilio (per via dell’appartenenza del padre ai Guelfi bianchi), Francesco Petrarca (Arezzo, 20 luglio 1304 – Arquà, 19 luglio 1374).
Grazie all’amicizia del padre con Dante, probabilmente questi due grandi della letteratura italiana, si incontrarono anche se solo fugacemente.
Relazioni più intense e continue ebbe invece con Boccaccio.
Il padre aveva insistito per farlo studiare legge, ma lui attese la sua morte per cambiare indirizzo e dedicarsi alla passione che coltivava da tempo, gli studi classici.
Ebbe una vita avventurosa e non ebbe tregua nel suo peregrinare neppure da morto.
La sua tomba fu infatti profanata nel 1630, probabilmente per rivenderne alcune ossa, ed i resti trafugati non furono mai ritrovati.
Analisi diagnostiche su quello che è rimasto rivelano soprendentemente che nella sua tomba ad Arquà, il teschio è di una donna vissuta nel 1200.
Lo scheletro sembra invece autentico: oltre ad una datazione compatibile, riporta alcune fratture alle costole, che corrispondono alla notizia che Petrarca fu colpito da un calcio al costato da una cavalla.
Qui sopra la miniatura di Simone Martini, per il primo foglio del Virgilio ambrosiano, di Petrarca, oggi conservato presso la PinacotecaAmbrosiana di Milano.
L’opera testimonia l’amicizia nata tra i due artisti alla corte di Papa Benedetto XII ad Avignone.
La pagina miniata mostra il commentatore latino Servio, che scosta una tenda per mostrare il sommo poeta sdraiato mentre sembra trarre l’ispirazione guardando il cielo, con penna e libro in mano. L’atto di scostare la tenda è una chiara metafora della divulgazione del commentatore. Assistono alla scena un soldato, un pastore e un contadino, che alludono ai temi epici, pastorali, bucolici cantati nell’opera del poeta.
Di Simone MartiniArt–Test ha analizzato il Polittico di Santa Caterina , di cui vi parleremo ancora presto!
Vi avevamo promesso di parlare del Giallo, visto che una delle sue sfumature, il PANTONE 13-0647 Illuminating, è il colore di questo anno 2021.
Ma il colore Giallo ha accompagnato le sorti dell’uomo dalla notte dei tempi e mai sorti di un colore furono tanto altalenanti.
In principio fu l’Ocra Gialla, colore stabile e deciso, tra i primi ad essere scoperti ed ancora utilizzato.
Poi l’Orpimento, un giallo brillante. Tanto apprezzato che lo si è ritrovato nella scatola dei colori ritrovata nella tomba di Tutankamon.
Effettivamente quando si pensa ad un colore “felice” si pensa al giallo. Il sole, nei disegni dei bambini, e non solo, è giallo. Il giallo è il colore della luce. Dell’estate.
L’Orpimento era usato per simulare l’oro nelle pitture pompeane.
Ma nel Medioevo questo colore iniziò ad assumere un altro significato.
Fu l’oro a convogliare tutti i valori positivi. Ed invece di colore giallo saranno le vesti delle meretrici o dei monaci in odore di stregoneria.
I fiamminghi utilizzavano questo colore per debitori e truffatori. Ma anche Giotto lo utilizzò per le vesti di Giuda. Son dovuti passare secoli per cui il giallo venisse riconsiderato, anche se non del tutto riabilitato. Dobbiamo attendere gli impressionisti.
L’oro perde pian piano la sua forza perché visto “poco elegante” ed il giallo ricomincia, lentamente, la sua ascesa.
Certo non tutti i significati negativi svaniscono, ma iniziano ad affiancarsi nuove interpretazioni tra queste il colore della rinascita e forse su questa scia che Pantone ha scelto, insieme ad un grigio (di cui parleremo ancora), il Pantone 13-0647: un giallo brillante e allegro che risplende di vivacità, una tonalità calda intrisa del potere del sole
Nei prossimi giorni vi parleremo sui nostri canali social, di tanti aspetti di questo colore nella diagnostica sulle opere d’arte.
Vi mostreremo il comportamento dei vari pigmenti rilevato con diversi sensori e sorgenti luminose diverse.
VI presenteremo quindi “un altro giallo”, un colore che talvolta serve a risolvere dei “gialli”!
Maria Maddalena, protagonista suo malgrado del popolarissimo libro il “Codice Da Vinci”, (dove viene romanzato che sia stata la moglie di Cristo, e madre della sua discendenza), ha comunque da sempre ispirato gli artisti con la sua “irregolarità” di santa peccatrice.
La Maddalena penitente, o in estasi, forse più conosciuta è quella di Caravaggio. Per la fama dell’autore, ovviamente, ma anche perché da tempo se ne conoscono più versioni, ed i critici si dibattono su quale sia l’originale.
In questi giorni è in mostra a Possagno, dopo essere stata al MART di Trento una versione emersa sul mercato antiquario qualche tempo fa, mentre nel 2014 Mina Gregori ne aveva autenticata un’altra, sconfessando quella che da anni si era ritenuta la prima versione, la cosiddetta Maddalena Klein, dalla famiglia di collezionisti che la possiede. Sono state anche esibite insieme per consentire di fare confronti.
Ad accentuare l’interesse anche il fatto che il soggetto è forse l’ultimo realizzato dal maestro. Dai suoi biografi sappiamo infatti che alla sua morte durante il viaggio di ritorno a Roma, aveva con sé una Maddalena a mezza figura.
Come fare a scoprire quale sia l’originale? La questione è complessa, anche perché ne esistono moltissime altre redazioni, alcune copie firmate da Louis Finson, il pittore che ospitò il Caravaggio a Napoli, ma altre ancora da indagare.
Art-Test ha indagato una notevolissima versione, che però non è stata ancora pubblicata. Sappiamo soltanto che la questione dell’autografia dei dipinti di Caravaggio e di possibili copie o doppi è ancora aperta.
Colpisce però che non si faccia riferimento alle indagini diagnostiche e ai dati scientifici per almeno ridurre il campo. Naturalmente il fatto che esista una radiografia o una riflettografia, raramente entrambe, e che vi si legga di tutto, non è sufficiente. La campagna diagnostica dovrebbe essere completa e partire dalle basi.
Ad esempio: è stata fatta una datazione di ciascuna tela con il C14?
Si sono controllati i pigmenti per eventuali anacronismi?
Come abbiamo visto, le opinioni cambiano e sono soggettive. I dati scientifici restano. C’è ancora tanto da scoprire.
Una domanda ricorrente che ci viene posta è, naturalmente, “a quale costo si può effettuare un servizio?” Meno spesso ci si domanda “quale valore ha?”
Voglio condividere con voi una riflessione che da un po’ trova spazio nelle nostre giornate di laboratorio.
Il valore di una campagna diagnostica sta nella capacità di rispondere ai quesiti posti.
E quindi più del “costo” di una singola indagine o di una completa e complessa campagna diagnostica, è il “valore” che bisognerebbe richiedere.
Ad esempio se lo scopo di un’analisi è l’autenticità di un manufatto (che prescinde dall’attribuzione ovvero vuole dare certezza sulla coerenza con un dato periodo storico) questa non può essere ottenuta utilizzando come parametro di scelta il costo dell’indagine.
I costi delle indagini sono legati ad una molteplicità di parametri, inclusi il tempo e la strumentazione necessari.
Abbiamo esperienze di vario genere, con alcuni casi di avarizia, e altri in cui sembra che il costo misuri il valore, per cui ci si fida solo di chi fa analisi a prezzi esorbitanti. Salvo poi rimanere scottati.
L’indagine da scegliere è quella che è in grado di rispondere al quesito. Ogni manufatto è un “unicum” e pertanto anche se per due o più opere viene fatta la medesima domanda questa non trova risposta sempre nella stessa analisi. Viceversa le indagini e la loro corretta interpretazione possono dare risposta a quesiti diversi.
Inoltre il risultato di un’analisi va sempre contestualizzato. I documenti che accompagnano un oggetto, che siano essi documenti di tipo amministrativo o ricerche storiche artistiche, campagne diagnostiche precedenti, expertise, etc vanno valutati oggettivamente, avendo ben presente che al pari della contraffazione delle opere d’arte non è rara neanche la contraffazione dei documenti a corredo.
Inoltre il dato scientifico deve essere considerato attendibile solo quando è documentato in tutto il suo processo di acquisizione ed interpretato senza preconcetti.
Il valore di una campagna diagnostica non è nel suo costo, ma nella “sincerità” scientifica e nella correttezza verso chi la commissiona.
E ora chiedete pure quanto costa, e confrontate i nostri servizi.
Siamo pronti ad offrirvi una consulenza personalizzata.
Durante l’esplosione di Beirut del 4 agosto 2020, che ha provocato 207 morti e circa 7.000 feriti, e che ha distrutto irrimediabilmente una parte della capitale libanese, sono state ingenti anche le perdite al patrimonio. Farne l’inventario ha anche fatto emergere due dipinti fino a poco tempo fa senza attribuzione.
Lo storico dell’arte libanese Gregory Buckhakjian è convinto che le opere siano state realizzate dalla mano di Artemisia Gentileschi. E Buckhakjian conosce molto bene la storia della collezione Sursock Palace, edificio dove si trovano i dipinti -e che è stato fortemente danneggiato dall’attacco-, in quanto nel 1993, discusse la sua tesi di dottorato all’Università della Sorbona, proprio su questo argomento.
Si sa che le opere arrivarono in Libano nel 1920, con il nucleo collezionistico di Alfred Sursock, marito di Maria Teresa Serra di Cassano, napoletana, figlia di Francesco Serra, settimo Duca di Cassano. La raccolta era composta da opere di diversi artisti napoletani del Seicento, come Luca Giordano e Andrea Vaccaro, ma anche Matthias Stomer. Artisti già noti e valorizzati. C’erano anche due dipinti di non chiara attribuzione. La mano non era tra quelle più conosciute.
L’idea di Artemisia, la ebbe proprio durante i suoi studi. All’epoca, ha raccontato alla rivista Hyperallergic, “si trattava ancora del lavoro di uno studente. Quando discussi la mia tesi, i miei insegnanti mi dissero che era molto convincente e che avrei dovuto continuare la mia ricerca e pubblicarla. Ma non lo feci, perché all’epoca, dopo che tornai a Beirut, ero completamente sconvolto da quello che stava accadendo in città e mi dimenticai di Artemisia [era da poco finita la guerra civile libanese, ndr]. Le mie priorità riguardavano la città, la ricostruzione, eccetera”.
I suoi studi vennero accantonati fino allo scorso anno, quando i due dipinti furono rinvenuti tra le rovine del palazzo. Le opere sono: un Ercole e Onfale, risalenti, secondo Buckhakjian, ai primi anni Trenta del Seicento, e una Maddalena penitente del 1640 circa. Facendo una comparazione con altri dipinti, attribuiti con certezza all’artista, lo storico si è soffermato su alcuni dettagli, che rendono riconoscibili le opere di Artemisia, come i panneggi, i gioielli ed altro ancora, e ha riscontrato molte analogie.
Ercole e Onfale di Artemisia Gentileschi, danneggiato dall’esplosione
L’attuale attenzione per queste opere è anche legato all’interesse per l’artista, legato a quello per le donne pittrici che ha finalmente visto un forte incremento negli ultimi anni.
Anche se a dir la verità il nome di Artemisia è forse per lo più conosciuto per la raccapricciante vicenda del suo stupro e del processo-tortura che ne conseguì.
Una serie di eventi di cui non vorremmo sentir parlare mai più.
La Maddalena penitente è stata ceduta in prestito alla mostra Le signore dell’arte a Milano (Palazzo Reale), l’attribuzione è stata confermata da Riccardo Lattuada (specializzato in Artemisia Gentileschi). Anche la studiosa, Sheila Barker ha confermato l’attribuzione, riconoscendone i dettagli e i tratti che contraddistinguono la mano dell’artista.
Ad oggi i due dipinti sono ancora inediti: con ogni probabilità Buckhakjian pubblicherà qualche studio in merito.
Come quasi certamente le due opere subiranno un restauro, visti i danni subiti durante l’esplosione (La Maddalena esposta a Palazzo Reale presenta ancora i segni subiti durante l’esplosione), ci auguriamo che venga condotta anche una campagna diagnostica, che aiuterebbe la conoscenza della tecnica di questa pittrice straordinaria che nonostante le recenti glorie, è ancora in gran parte sconosciuta.
E una attribuzione scientifica di queste, come di tutte le opere, non può più prescindere da un confronto anche di questo tipo.
Il nostro lavoro è fatto di tanti silenzi, quelli mentre lavoriamo e quelli che dobbiamo trattenere perché rapiti dalla bellezza di un’opera e dall’immagine riflettografica che intravediamo mentre il nostro scanner acquisisce i dati necessari. Questo il pensiero che dedichiamo al ritratto, opera di Bronzino, di una donna straordinaria: Laura Battiferri. Intellettuale e letterata, di cui abbiamo già parlato anche qui.
In questo anno così difficile, la campagna diagnostica, riflettografica e radiografica, su questo dipinto, ha rappresentato un dono prezioso. In un silenzio irreale in cui timidamente si ricominciava a parlare ma con tono flebile, il restauro e le indagini sono state condotte in un laboratorio speciale, Palazzo Vecchio.
Questa volta anche il solo trasporto della nostra strumentazione è stato incantevole perché ci ha permesso di godere del percorso tra le stanze di Palazzo Vecchio in totale solitudine. E non vi stupisca se nel ripercorrere tante volte quanto necessario la strada che ci separava dal dipinto ci siamo fermati per apprezzarne i dettagli che spesso rimangono invisibili, quando siamo distratti dalla folla.
Al fine della strada c’era Lei, ferma nel tempo. Una figura tanto autorevole che ci è parso peccato interromperne i pensieri anche solo con il rumore provocato mentre montavamo la strumentazione.
Laura è stata “riflettografata” più volte. Grazie ai diaframmi a nostra disposizione abbiamo trovato quale fosse quello adatto a Lei. E’ sempre così, lo Scanner di Art–Test si adatta al dipinto, segue le inclinazioni e asseconda le trasparenze dei pigmenti. Un dono unico, che ci permette di ottenere i migliori risultati, dove altri falliscono e “non vedono niente”.
Due giorni in Palazzo Vecchio, in cui queste indagini sono state anche il momento in cui insieme, i restauratori, Lucia e Andrea Dori de “l’Officina del Restauro”, la dott.ssa Pini per il Comune di Firenze, abbiamo parlato di Lei come un bene preziosissimo di cui prendersi cura. E va detto che è grazie a Friends of Florence che molto del nostro patrimonio fiorentino nei fatti trova una “cura”.
L’unico dipinto di mano del Bronzino eseguito di profilo, a ricordo di opere numismatiche ma ancor prima di camei dell’età classica, a cui si ispira, vola negli Stati Uniti, al MET. Sarà una delle punte di diamante della mostra “The Medici. Portrait & Politics, 1512-1570”. Mostra che ha ottenuto la “indemnity from the Federal Council on the Arts and the Humanities”.
Non ci resta che augurare un buon viaggio a “Laura Battiferri”, sicuramente il più lungo della sua vita. Chissà cosa ne penserà.
Lei che si sposo’ nel 1550 con Bartolomeo Ammannati, che frequentava assiduamente Michelangiolo, e gli altri intellettuali fiorentini, ed era in corrispondenza con altre poetesse, la cui fama varca i confini ed è conosciuta da Madrid a Praga, ma che probabilmente non si aspettava di diventare una star di New York.
Dopo aver salutato con affetto Cintia, tirocinante proveniente da Tenerife, che col suo spirito ispanico e solare ha reso spumeggianti le giornate in uffici, siamo pronti a conoscere ad accoglierne Vera, in arrivo da Mosca.
Proveniente da un percorso formativo ancora diverso, specializzata in storia dell’arte e restauro di tele e tavole, ha deciso di approfondire l’aspetto della diagnostica, aspetto con cui come restauratrice dovrà confrontarsi.
Grazie alla collaborazione che ormai da anni Art-Test ha intrapreso con Palazzo Spinelli, la domanda di tirocinio presso i propri laboratori da questa scuola, è sempre in aumento. Indipendentemente dalla provenienza, comunque ciascun tirocinante, malgrado possa provenire da diversi ambienti professionali e geografici, viene offerto, dopo un primo ma breve e conciso approccio teorico, di condurre in prima persona le differenti analisi previste da una campagna diagnostica.
Non è certamente immediato per una storica dell’arte e restauratrice comprendere come utilizzare la diagnostica, in cui le opere sono intese soprattutto come materia e dove non bisogna farsi influenzare dallo stile apparente e/o da eventuali attribuzioni basate sul solo studio storico-artistico.
Come già accaduto in precedenza, anche in questo caso sarà uno scambio di nozioni bidirezionale che saranno di arricchimento per entrambe le parti nel corso dei prossimi mesi.
Ben 782 reperti archeologici, per un valore stimato di 11 milioni di euro, tutti trafugati illecitamente, ovvero provenienti da scavi clandestini, probabilmente italiani, pugliesi per l’esattezza, e attualmente in possesso di un collezionista, sono stati recentemente recuperati in Belgio.
Si è trattata di un’operazione internazionale che ha visto coinvolte tutte le istituzioni preposte. Dopo una prima analisi tecnica, eseguita in situ da un perito archeologo, è stato richiesto ed ottenuto il trasferimento in Italia dei reperti perché siano sottoposti ad ulteriori indagini e analisi scientifiche.
E’ ormai assodato che il mondo della delinquenza organizzata che mortifica il nostro patrimonio è una piaga sempre più dolente, ed è per questo motivo che una formazione approfondita, che tenga presente tutti gli aspetti, è una delle armi da brandire per proteggere la nostra storia e il nostro patrimonio.
Art–Test farà parte del corpo docenti. A noi è affidato il tema dell’ “autenticazione e datazione nell’ambito dei beni culturali”. Affrontiamo questa tematica non solo illustrando con teoria ed esempi le metodologie e le tecnologie utili a tale scopo, ma facendo una panoramica più ampia includendo anche i possibili ostacoli di cui tenere conto, i tempi per ottenere i risultati e i costi.
In questo modo i futuri periti, nel redigere le richieste per gli approfondimenti dei casi, avranno non solo la consapevolezza di quale indagine diagnostica prevedere ma anche l’impegno economico da affrontare ed i tempi, che nel caso di procedimenti giudiziari sono imprescindibili.
La cerimonia di inaugurazione ha visto presenti il corpo docente, gli allievi e gli attori che si sono resi disponibili ad accogliere gli studenti per tirocini formativi, così come farà Art–Test Firenze, che anche questa volta cercherà di contribuire alla formazione delle nuove leve.
Riflessioni ante litteram sull'identita' di genere
Un dipinto del genio Leonardo da Vinci ci consegna inaspettatamente una sua interessante riflessione sulla nozione di “identità di genere “, mai dibattuta come in questi ultimi tempi.
Cosa distingue e separa essere donna piuttosto che essere uomo? Dove si stabilisce il confine?
Premettiamo che la tavola con la Testa di Cristo adesso alla Pinacoteca Ambrosiana non viene unanimemente accettata come di mano leonardesca, nonostante l’indubbia qualità del dipinto, la presenza di uno sfumato da manuale e il convincente confronto dei dati scientifici (a cui Art-Test ha contribuito).
Noi però ne siamo assolutamente convinti, rapiti dalla potenza di questa immagine e anche un po’ da quello che stiamo per raccontarvi.
Di questa tavola abbiamo effettuato la riflettografia, per scoprire il disegno preparatorio, e abbiamo realizzato con immenso stupore che il disegno preparatorio per questa immagine di Cristo, raffigura una donna.
Il volto in riflettografia non aveva la barba, i capelli erano meno folti, in linea con quelli che erano i canoni del tempo, anche se in un ritratto ufficiale una donna avrebbe probabilmente preteso i capelli raccolti. Ma Leonardo aveva già dipinto la Scapigliata.
Le spalle sono piccole e tonde, come quelle considerate desiderabile per i canoni di bellezza del tempo.
Ma soprattutto, le piegoline delle veste si allargano per la inequivocabile presenza di un seno femminile.
Le immagini MultiLayer® fanno poi vedere come l’artista abbia modificato queste caratteristiche con pochi tocchi di pennello per modificare l’andamento delle pieghe della veste, e farle diventare verticali, per alzare la linea delle spalle e per aggiungere barba e allungare i capelli.
Pochi tocchi, nessuna modifica all’intensissimo sguardo, e una donna diventa un uomo. Si aggiungono i simboli della Trinità ed ecco la testa di un Cristo. Che nasce donna, metaforicamente.
Un messaggio fortissimo, un segreto che doveva rimanere tale fino a quando le analisi non l’hanno letteralmente riportato alla luce.
Ci ha lasciati Leonardo Masotti, professore universitario, pioniere dell’elettronica o elettrotecnica “delle correnti deboli”, come ancora si chiamava quando si laureò in ingegneria. È stato una figura importantissima per l’industria fiorentina e italiana, un vero innovatore che ha saputo dare impulso a moltissime realtà, ormai consolidate, nel mondo dei laser industriali come nel medicale.
Forse non tutti sanno che era anche un grande sostenitore dell’applicazione della tecnologia allo studio dell’arte, al punto di accettare la carica di Presidente del Distretto Tecnologico Regionale dei Beni Culturali.
È grazie alla sua visione se, ad esempio, abbiamo tanti dei laser per il restauro. Ma soprattutto e’ stato il professore che era rimasto un punto di riferimento costante fino ad ora.
I suoi modi sinceramente gentili e la curiosità per ogni idea nuova rimarranno a farci da guida anche in futuro
Susanna Bracci, prima ricercatrice dell’Istituto per la Conservazione e la Valorizzazione dei Beni Culturali del Consiglio Nazionale delle Ricerche era un pilastro del nostro settore.
Il suo contributo alla scienza per la conservazione è stato importante e continuo, la sua presenza era un punto di riferimento da più di trent’anni.
Mente aperta e curiosa, sempre sorridente e positiva, nonostante lottasse da tempo con una malattia terribile, sembrava invincibile.
Se ne è andata lasciando un vuoto professionale e umano che sarà impossibile colmare. Non ti dimenticheremo mai.
Vi state chiedendo quali analisi da richiedere? Ecco una guida
Nel momento in cui ci si imbatte in un manufatto particolare magari riordinando la soffitta, oppure nella cantina dei nonni, ci si può chiedere “Sarà originale o è una copia?” e soprattutto, “Può valere qualcosa?” ed è proprio per rispondere a queste domande che Art-Test ha pensato di realizzare uno specifico pacchetto denominato Standard.
È consigliato soprattutto per opere e manufatti su cui è completamente assente una documentazione scientifica, perché permette di dare risposte concrete alle domande sopra riportate e soprattutto di svelare possibili falsi recenti.
Nel caso specifico di un dipinto per esempio, il package prevede quattro differenti analisi diagnostiche di tipo non invasivo:
Fluorescenza ultravioletta (UV): permette di evidenziare eventuali ritocchi presenti sulla superficie pittorica, è ottima anche per rilevare restauri precedenti o aggiunte non appartenenti alla pittura originale.
Riflettografia infrarossa (IR): permette di osservare il disegno preparatorio, dando informazioni peculiari riguardo la tecnica di realizzazione dell’opera.
Microscopio digitale: permette di osservare a vari ingrandimenti la superficie dell’opera permettendo di evidenziarne la tecnica pittorica, lo stato di conservazione e indagare il craquelé.
Analisi XRF: rivela la natura chimica dei pigmenti costituenti il dipinto analizzato, permettendo di differenziare i pigmenti antichi da quelli industriali.
Queste analisi possono venir eseguite sia presso i laboratori dell’azienda che presso la sede del cliente, in quanto le strumentazioni impiegate nel pacchetto “standard” sono tutte di tipo portatile, e permettono quindi di effettuare le analisi direttamente in loco, quando richiesto.
Il pacchetto inoltre prevede, e si conclude, con la compilazione e la consegna di un Report Scientifico, in cui sono riportate tutte le informazioni riguardanti l’opera, un dettagliato Condition Report redatto secondo lo schema dell’Object ID, lo scopo della campagna diagnostica, le metodologie di analisi e la strumentazione utilizzata, i risultati e la lettura critica di questi.
Questo presentato è solo uno dei cinque pacchetti che offriamo, infatti, grazie alla vasta esperienza acquisita in questi anni, Art-Test è in grado di consigliare in ogni situazione quale sia il pacchetto più appropriato; per ogni opera proporrà un piano realizzato ad hoc, in relazione alle specificità trovate.
Inoltre è opportuno precisare che tutte le tecniche di indagine messe a disposizione sono applicabili ad ogni tipologia di manufatto, di qualsiasi fattura, dimensione, materiale, tecnica e periodo di esecuzione.
Curiosi di sapere in cosa consistono gli altri quattro pacchetti?
Il Covid19 ha accelerato la digitalizzazione, a cui dicevamo di non essere ancora pronti. Abbiamo saputo farne tesoro? O la spinta verso la fruizione digitale ha segnato la fine dell’interesse per l’opera fisica e quindi per mostre e musei? Come sembrerebbe indicare anche la corsa ai NFT (non fungible tokens)?
I musei italiani hanno riaperto, ma nel 2020 le cifre sono di -75,67% visitatori e -78,98% introiti netti per un totale di 41.991.929,03 euro per le 268 istituzioni monitorate dall’Ufficio Statistica del Sistan (Sistema Statistico Nazionale del Ministero della Cultura). Alcune istituzioni potrebbero non riprendersi più. Serve una veloce inversione di rotta.
A completare questo dato quest’anno vi è però tutta l’attività digitale: mostre on line, tour digitali, talk con curatori ed esperti d’arte, tutte le attività “social” a cu ci siamo abituati.
La digitalizzazione è stata fondamentale per mantenere vivo lo scambio fra istituzioni e comunità. Questo aprirsi alla tecnologia, sia da parte delle istituzioni che degli utenti, ha fatto in modo che si esplorasse un’altra visione, uscendo dalle abitudini, addentrandosi in una dimensione poco nota, ma intrigante.
La pandemia ha dimostrato che è possibile un’evoluzione di linguaggio e di mezzi, prima considerata avveniristica. Si è visto che si possono esplorare nuove opportunità per creare sinergie tra forme di fruizione d’arte tradizionali e le nuove tecnologie.
I segnali di ripresa sembrano essere incoraggianti. Sono molte le attività, mostre ed eventi, programmate. Le istituzioni culturali stanno scommettendo sulla voglia di tornare a vedere arte, artisti e collezioni di persona.
Vedremo se è veramente così. Se è tornata la necessità della visione di un’opera d’arte in “carne ed ossa”. E se si è riusciti a sfruttare i canali digitali per aumentare l’interesse, per coltivare la curiosità.
In molti degli approfondimenti proposti on line, si faceva riferimento ai risultati delle indagini diagnostiche e a quanta conoscenza in più delle opere e degli artisti queste potevano portare. Allora perché non riproporre questi approfondimenti anche “in loco”? Ormai abituati a saperne di più su ciascuna opera, i visitatori potrebbero rimanere delusi dal solo cartellino con titolo e autore. E’ ora che gli studi fatti vengano resi fruibili da tutti.
C’è chi parla di far quacosa per i giovani e chi lo fa!
Scordatevi fare le fotocopie!
Giunte da due percorsi differenti, restauro e diagnostica, e due paesi distanti (Tenerife, tramite un Erasmus, e Sesto Fiorentino), abbiamo trovato ad Art-Test un tutor efficiente ma disponibile, che tra un caffè e un aneddoto riguardo a lavori passati, ci ha messo di fronte all’ambiente della diagnostica presentandocela in tutte le sue infinite sfaccettature.
Lavorando mai come singolo ma sempre come un team, unendo le nostre conoscenze e competenze dove l’una colmava le lacune dell’altra, siamo riuscite a fare esperienza su più opere, durante mesi in cui l’azienda ha messo a nostra completa disposizione tutte le sue risorse, permettendoci di imparare ed eseguire in prima persona le differenti analisi, accompagnandoci e supportandoci, sempre pronti ad aiutarci ma allo stesso tempo anche silenti osservatori che a distanza hanno fatto sì che sistemassimo eventuali intoppi autonomamente.
Inoltre si è avuto modo di vedere e capire la gestione interna dell’azienda e come professionalità e dedizione completa siano fattori indispensabili.
Senza dubbio un tirocinio che permette di migliorare la propria formazione e apprenderne una nuova e quindi utile sia per chi ha studiato diagnostica sia per chi la incontra per la prima volta.
Art-Test vi propone una selezione delle novità recentemente pubblicate come libri, serie TV, interviste etc
‘Un colpo fatto ad arte: la grande rapina al museo (This Is a Robbery: The World’s Biggest Art Heist’). Serie TV.
I furti d’arte hanno sempre il loro fascino e sono sempre particolarmente interessanti perché fanno luce su l’intero settore.
Il 18 marzo del 1990 l’Isabella Stewart Gardner Museum di Boston fu oggetto di saccheggio da parte di una banda di ladri. Nella serie ora in programmazione vengono per lo più utilizzati filmati d’epoca e intervistati quelli che allora erano gli agenti della polizia di Boston e dell’FBI che se ne occuparono. Nel 1990 di non si avevano i mezzi scientifici di cui disponiamo oggi, ma soprattutto negli Stati Uniti non era ben chiaro quale fosse il giro di affari riguardante gli illeciti nel mondo dell’arte, tanto che l’FBI non aveva una sessione appositamente dedicata. Ma il costante aumento del valore delle opere d’arte non era sfuggito alla “malavita”. E i 4 episodi raccontano non solo del furto ma lo inquadrano all’interno del mondo della criminalità organizzata, del mondo dello spaccio, supponendo che forse alcuni dei quadri, anche se invendibili sul mercato legale, potevano essere stati utilizzati come “garanzia” per il commercio della cocaina. In qualche modo il mondo criminale era più avanti di quello legale.
Ad oggi nessuna opera è stata recuperata, ancora permane un premio da 10 milioni di dollari per chi si rendesse utile a ritrovare le opere.
Un destino comune a molte opere d’arte, non ultima la Natività di Caravaggio, il cui furto nel 1969 convinse l’arma dei Carabinieri a dotarsi di un reparto speciale, un’attività pioneristica, dato che furono i primi a livello mondiale e rimangono ancora oggi un punto di riferimento.
L’arte rubata è difficilmente tracciabile, dal momento che è relativamente facile da spostare e può rimanere nascosta per decenni prima di essere rivenduta. Per contrastare questo commercio, si sono creati dei database, sia pubblici, come quello dei Carabinieri, sia privati dove però la ricerca è a pagamento.
Naturalmente come per tutti i database, la loro utilità dipende dal contenuto, dall’accuratezza delle informazioni.
Consigliamo di redigere per ogni opera d’arte posseduta una scheda quanto più completa possibile. Sarà in questo modo più facile recuperarla. Art-Test è naturalmente a vostra disposizione anche in questo. Un piccolo investimento di cui non vi pentirete!
Spunti diagnostici di riflessione sull'attribuzione
Da come sono saliti tutti sul carro del vincitore (“l’ho scoperto io!” “No, l’ho scoperto prima io!”) non sembrerebbero esserci dubbi, il dipinto in asta a Madrid è il vero l’Ecce Homo realizzato da Caravaggio a seguito di una gara tra pittori bandita da monsignor Massimi, come citano le fonti. Su quello che era stato indicato finora, ora a Genova, in molti si affrettano a dire che in fondo nessuno ci aveva mai creduto, non è lui. Sic transeat.
Come diagnosti, naturalmente è per noi super interessante andare a vedere con quali motivazioni viene sostenuta con tanto ardore, e quasi unanimamente, questa attribuzione. Sorte che non è toccata ai molti altri “Caravaggio” proclamati (anche dagli stessi che si pronunciano adesso) e sconfessati negli anni .
Si è scritto molto sulla differenza tra originali e copie da Caravaggio. Come sulla possibilità che il Caravaggio producesse dei “doppi”.
E qui notiamo la prima anomalia, forse solo temporanea. Di tutti i Caravaggio o presunti tali che abbiamo indagato, esistevano delle copie. Versioni generalmente molto simili, su cui andare a fare raffronti sulla tecnica e sulla materia. Anche dell’Ecce Homo versione genovese. Di alcuni invenzioni di Caravaggio probabilmente conosciamo solo copie.
Mario Minniti – Malta
Di questo dipinto non sembra siano emerse altre versioni. Anche se è vero che la tela si trovava in Spagna da quasi quattro secoli, e ha lo stesso soggetto del quadro arrivato a Madrid nel 1659, sembra anomalo che nessuno ne abbia fatto copie. Tra quelli che ci tornano in mente c’è un dipinto a Malta, con un soggetto simile, di Mario Minniti.
Ci sono diverse versioni, di cui una a Vienna, attribuito a Minniti, di un altro Ecce Homo con composizione vicina, considerata da qualcuno caravaggesca, ma i tre protagonisti non assomigliano a quelli della tela madrilena.
A noi diagnosti sarebbe piaciuto molto poter fare confronti con una copia o una versione.
Ma il contributo più interessante per noi è stato il commento di Rossella Vodret, che ha curato insieme ad altri, due volumi densi di osservazioni sulla tecnica del pittore Lombardo per Silvana Editoriale.
Citiamo da un’intervista rilasciata sull’argomento: “Poi ci sono ulteriori osservazioni relative alla tecnica esecutiva, rese visibili grazie ad una foto in HD che mi è stata inviata. Mi riferisco a una serie di particolarità esecutive specifiche di Caravaggio, come i corposi abbozzi di biacca a zig-zag che l’artista usa soprattutto a partire dal 1605 e che si ritrovano in diverse opere, come il San Girolamo Borghese, il San Girolamo di Montserrat, la Flagellazione di Capodimonte. Sono degli abbozzi molto particolari attraverso i quali il pittore fissa sulla preparazione scura della tela i punti in cui posizionare le zone di massima luce. È una caratteristica che, fino a oggi, non ho trovato in altri pittori. Nell’Ecce Homo ci sono punti gli abbozzi a zig zag sul torace, sulla spalla e sul braccio di Cristo, tutti in piena luce. Sono sue anche le incisioni, anche se ormai sappiamo che le incisioni le fanno un po’ tutti gli artisti del periodo, ma queste sono perfettamente compatibili con quelle che ritroviamo sui quadri autografi di Caravaggio”.
Vorremmo dare una notizia: non li abbiamo trovati su molti Caravaggio che abbiamo indagato, ma i famosi zigzag si ritrovano anche nel “San Giovannino” di Empoli, che abbiamo studiato (purtroppo il budget stanziato non ha concesso una campagna diagnostica completa). Ne parliamo nel saggio che abbiamo scritto in occasione della sua presentazione e nel video che potete vedere nel nostro canale YouTube.
Rimaniamo in attesa di saperne di più. Sperando che non scompaia nel nulla.
Maioliche preziosissime, anche se misconosciute, dalle decorazioni a rilievo e dalla storia affascinante
A cura di
Cintia GonzalesAlice Fusco
“Chi vuole fare grandi cose deve porre particolare attenzione ai dettagli”, così esordiva il poeta Paul Valéry, è quello che fecero i ceramisti toscani inventando le maioliche a “zaffera”.
Sono ceramiche ideate e prodotte solo in alcune aree specifiche della penisola italica e in un periodo di tempo molto ristretto ma dalla manifattura così elegante e particolare, da assicurare loro un successo immediato. In breve tempo sostituirono le maioliche precedenti sulle tavole delle più ricche magioni del XV secolo.
Caratterizzate dalla bicromia tra il fondo bianco perlaceo a base di smalto stannifero e il decoro blu intenso, pastoso e con riflessi vetrosi, in rilievo rispetto al resto, parte del successo presso la clientela, probabilmente e’ dovuto al decoro del tutto inedito rispetto agli ornati delle altre maioliche sul mercato all’epoca. Si può infatti dire che, malgrado ad oggi siano quasi del tutto sconosciute ai più e poco presenti sul mercato, hanno avuto un importante impatto, non è infatti rara la loro presenza ad esempio in dipinti del periodo: Beato Angelico che le inserisce all’interno dei suoi grandi lavori e si impegna a dipingerle con grande cura ed attenzione nelle scene conviviali come in “San Domenico e i compagni”. Ma l’Angelico non è il solo: anche Bicci di Lorenzo inserisce queste particolari maioliche nelle sue tavole come nel caso del “Miracolo di San Nicola”.
Beato Angelico “San Domenico e i compagni” predella de “Incoronazione della Vergine” 1430-1432
Bicci di Lorenzo “Miracolo di San Nicola” 1433-1435
La Zaffera, affermatasi inizialmente nell’area fiorentina e senese si estese successivamente nell’alto Lazio, a Faenza e in Umbria. Tra tutte è la viterbese quella di maggior prestigio.
In genere i decori sulle Maioliche a Zaffara sono caratterizzate da una completa bidimensionalità, dove le sfumature sono completamente assenti, e una figura principale posta al centro, è circondata da eleganti decori. Raramente il soggetto principale è di tipo antropomorfo, i più gettonati sono cani ed uccelli, più di rado pesci. E’ invece più vasta la varietà dei decori che fanno da cornice: inserti vegetali e floreali, tralci, labelli, denti di lupo, goccioloni e foglie di quercia con ghiande e bacche.
In Toscana principalmente venivano realizzate maioliche dalla superficie completamente ornata, a Faenza invece le decorazioni venivano confinate all’interno di corone realizzate in bruno manganese o di smalto turchino, la zaffera viterbese è caratterizzata sempre da decori che si sviluppano su tutta la superficie ma molto più fini e meno fitti.
Esempi di maiolica di Faenza (a), maiolica viterbese (b) e maiolica toscana (c)
Gli oggetti più richiesti, da quello che si può evincere dai vari ritrovamenti, erano perlopiù tazze a corpo troncoconico e boccali con corpo ovoidale e bocca trilobata; la produzione di piatti e vassoi risulta meno intensa, ciò probabilmente è dovuto al fatto che il rilievo delle decorazioni e più apprezzabile se realizzato su superfici concave piuttosto che su superfici piane o convesse.
La breve durata di produzione è attribuibile a due fattori: l’alto costo del blu di cobalto necessario alle produzioni e la difficile tecnica di realizzazione che comportava la produzione di numerosi scarti caratterizzati da decori poco a rilievo e mal definiti.
Il pigmento blu veniva steso miscelato con una particolare creta sciolta detta barbottina sulla superficie precedentemente smaltata e cotta, la maiolica veniva poi sottoposta ad una seconda fase di cottura in cui il decoro si sarebbe rigonfiato mantenendo però il disegno di base. Quest’ultima complicata fase di produzione doveva essere realizzata in ambienti in cui non si sarebbero raggiunte temperature superiori ai 1000°C circa così da ovviare lo scioglimento e la conseguente inevitabile colatura dell’ossido di cobalto. Non avendo però un controllo così preciso delle temperature interne dei forni accadeva spesso di ottenere prodotti non vendibili e ben presto i costi di produzione superarono i guadagni.
Questo è probabilmente il motivo principale per cui se ne abbandonò la produzione dopo soli trent’anni ed venne sostituita dalla maiolica italo-moresca, sempre caratterizzata da una bicromia bianco-blu ma di realizzazione più immediata e sicuramente meno costosa.
Maiolica italo-moresca
Essendo così pochi gli oggetti realizzati, ad oggi anche ciò che allora veniva considerato scarto, ha gran valore.
Le caratteristiche citate precedentemente come le decorazioni in blu di cobalto dal rilievo accentuato su fondo bianco, il breve tempo di produzione e la difficile tecnica di esecuzione, risultano elementi sicuri su cui basare un’indagine diagnostica, per accertarne l’autenticita’.
Per quanto si è soliti pensare alla diagnostica perlopiù legata allo studio dei dipinti, questa è ulteriormente estendibile ad altre numerose tipologie di oggetti e anche nel caso delle ceramiche, permette di distinguere il vero dal falso e di attribuire la maiolica ad un determinato periodo ricorrendo a differenti tecniche di tipo non invasivo, invasivo, microdistruttivo ed elementale.
Nel caso specifico di una maiolica a zaffera basandosi su ciò che è stato precedentemente detto, sono principalmente cinque le tecniche a cui è consigliabile sottoporla per ottenere informazioni riguardo la sua manifattura, storia e composizione, come illustrato dai nostril post-it:
E’ notizia delle scorse settimane la pubblicazione di un bando promosso dalla Provincia di Salerno, in cui si invitavano conservatori professionisti a prestare la propria opera per il restauro del patrimonio dell’Ente, a titolo totalmente gratuito. L’Ente si sarebbe impegnato, di contro, a dare diffusione dei lavori al termine dell’operazione, offrendo al professionista solo un ritorno d’immagine.
Ci scandalizza ma non ci stupisce. In realtà quanto visto scritto nero su bianco in un bando pubblico di un Ente della Repubblica Italiana, paese dove il restauro dovrebbe essere un affare serio, non è lontano da quello che ormai vediamo da anni. La verità è che siamo un paese che restaura le sue opere quasi esclusivamente grazie a filantropi o associazioni, che si impegnano in una costante raccolta fondi.
Il perpetuarsi della nostra bellezza è ormai affidato alla disponibilità di appassionati, spesso stranieri, che donano cifre, anche considerevoli (per poi poterle detrarre dalle tasse) per colmare necessità che dovrebbero trovare invece sostegno dalla nostra Amministrazione.
Tutto questo potrebbe essere un male minore se la mancanza di fondi da dedicare a questo comparto non avesse come conseguenza anche svilire le professionalità di chi esegue i lavori, e assegnare i restauri al maggior ribasso, dove anche la diagnostica, quindi la conoscenza profonda dell’opera e delle sue problematiche conservative, viene considerata ridondante o eseguita con metodologie e tecnologie non scientifiche, e quindi fondamentalmente inutili.
Il valore del lavoro del restauratore non può essere relegato ad una menzione sulla targa che affianca l’opera restaurata.
Non si può ripagare la professionalità acquisita in anni di studi e di pratica con un trafiletto sul giornale.
Non è poi giustificata l’espressione “non ci sono fondi sufficienti”. I fondi devono esserci.
Il restauro eseguito in economia andrà totalmente a discapito dell’opera e della società tutta, perché, non verranno eseguite le cure più idonee alla sua conservazione per le generazioni future.
Un disastro annunciato da troppo tempo, che nessuna delle istituzioni pubbliche sembra veramente voler arginare.
Forse è il momento di non chiedere sacrifici unilaterali e riconoscere realmente l’importanza di questo comparto per la salvaguardia del nostro patrimonio. Non solo parole (e didascalie).
Figlio illegittimo, anche se riconosciuto dal padre. Genio multiforme, padre del Rinascimento fiorentino.
No, non parliamo di Leonardo ma di Leon Battista Alberti, nato Battista, autoproclamatosi Leon, meno “pop” ma altrettanto fondamentale del Da Vinci per la portentosa rinascita delle arti. Personaggio affascinante, meno conosciuto e che per fortuna è passato per adesso indenne dalle fantasiose interpretazioni americane.
Di famiglia nobile e agiata fiorentina, nacque lontano da Firenze perché la famiglia era in esilio -e patì molto questa condizione. Studiò e si distinse in numerosissime discipline: architettura, scrittura, matematica, linguistica, filosofia, ottica, musica e archeologia; fu anche un brillante crittografo.
Il disco cifrante di Leon Battista Alberti è il primo sistema di cifratura polialfabetica. L’apparecchio si compone di due dischi concentrici, rotanti uno rispetto all’altro, contenenti un alfabeto ordinato per il testo in chiaro (testo da cifrare) e un alfabeto disordinato per il testo cifrato (testo risultante). Permette la sostituzione polialfabetica con periodo irregolare. Lo scorrimento degli alfabeti avviene per mezzo di lettere chiave inserite nel corpo del crittogramma. I quattro numeri possono anche servire per sopracifrare 336 frasi di codice.
Prototipo dell’artista intellettuale moderno (gli altri provenivano dall’artigianato), lui parte dalla ricerca teorica.
I suoi primi studi furono di tipo letterario e giuridico. La formazione artistica si svolse dal 1432 a Roma, che rappresentò una tappa fondamentale nel delineare il suo rapporto con la classicità (come Brunelleschi rintracciò nello studio delle proporzioni degli edifici romani il punto di partenza della progettazione architettonica e attribuì all’antico il modello da emulare sia sul piano strutturale che su quello decorativo)e dal 1434 a Firenze dove riconobbe nell’arte di Donatello, Masaccio e Brunelleschi l’affermazione dei suoi stessi principi artistici. A Brunelleschi dedicò il trattato De pictura, redatto sia in latino che in volgare.
La sua produzione più significativa fu quella in ambito architettonico: a Roma, dove con il patrocinio del papa umanista Niccolò V, suo compagno di università, lavorò come archeologo, restauratore di monumenti antichi e urbanista e dove scrisse il De re aedificatoria (la prima trattazione organica sui problemi della città rinascimentale), a Rimini dove progettò il Tempio Malatestiano e a Mantova dove curò i progetti per le chiese di San Sebastiano e Sant’Andrea.
A Firenze Alberti lavorò soprattutto per il ricco mercante Giovanni Rucellai che fu anche suo intimo amico. Le opere fiorentine saranno le sole compiute prima della sua morte: il Palazzo Rucellai in via della Vigna Nuova, il completamento della meravigliosa facciata della Chiesa di Santa Maria Novella e l’elegantissimo tempietto del San Sepolcro nella Cappella Rucellai ispirato al Santo Sepolcro di Gerusalemme e destinato a accogliere le spoglie di Giovanni Rucellai (che si trova nella ora sconsacrata chiesa di San Pancrazio che fa parte del complesso del Museo Marino Marini). Il monumento funebre ebbe un immediato successo, tanto che nel 1471 il pontefice Paolo II emanò una bolla in cui si concedevano cinque anni di indulgenza plenaria ai fedeli che lo visitavano nei giorni di venerdì Santo e della domenica Santa.
La facciata della chiesa di Santa Maria Novella, prima e dopo l’intervento albertiano, iniziato nel 1460. https://www.smn.it/it/magazine/la-facciata-svelata/
Muore a Roma 25 aprile 1472, compianto e venerato. Di lui però non abbiamo neanche un’immagine certa, nonostante sia stato anche pittore.
Le immagini delle opere d’arte più belle, gli “illustrator” più bravi, gli ambasciatori più potenti della parte migliore del nostro paese, non si possono usare liberamente in Italia (all’estero invece non controlla nessuno, qua sopra, ad esempio, una carta da parati olandese).
Le immagini delle opere pubbliche italiane, del nostro patrimonio culturale, custodito nei nostri musei, non possono essere utilizzate per pubblicizzare servizi, prodotti, per ricordare a tutti chi siamo e da dove veniamo.
Non in Italia.
Non senza pagare un balzello allo Stato. Anche se per lo Stato è antieconomico, perché è dimostrato che pagare impiegati per gestire anche questo compito costa più di quanto non se ne ricavi.
Oltretutto rinunciando in questo modo ad impiegare funzionari delle istituzioni culturali, spesso laureati in storia dell’arte, in mansioni ben più gratificanti per loro e benefiche per lo Stato, come la ricerca, la divulgazione, la cura del nostro patrimonio.
In molte parti del resto del mondo si e’ cambiato atteggiamento. E sono sempre più numerose le istituzioni che hanno aperto l’accesso alle loro collezioni in modalità open access, e che sfruttano la passione contemporanea per le immagini e la facilità con cui possono circolare, per portare a compimento la loro missione, che è far conoscere l’arte, renderla viva, partecipata, offrire a tutti la possibilità di salvarsi.
C’è stato un tempo non troppo lontano in cui i “fondi oro” erano la massima aspirazione. In cui miliardari americani facevano di tutto (anche comprarsi dei falsi) pur di avere un’opera del medioevo italiano. Per sentirsi ed apparire colti e raffinati.
Poi il declino.
Ma è vero che non hanno più niente da dire oggi?
Per provare a sovvertire questa percezione la Frick Collection ha colto l’occasione del trasferimento temporaneo della sede su Madison Avenue, a New York, per ridisegnare l’allestimento e sollecitare i visitatori a vedere con occhi nuovi. Non solo i dipinti, i mobili, gli smalti, i bronzi, le porcellane e i tappeti che prima convivevano l’uno sull’altro in ambienti sontuosi, sono ora esposti in un luogo lineare e quasi spartano, ma sono anche stati ridotti a poco più della metà e raggruppati per la prima volta per provenienza, tipologia e cronologia.
Del resto tante sono le opere, tantissime, che abbiamo a disposizione on line. Cosa può aggiungere la musealizzazione, quali spunti di riflessione e di interesse può offrire, oltre a essere il contenitore fisico di una collezione?
L’idea della Frick è opposta a quella di riportare le opere nei luoghi per cui sono state create. Si sceglie piuttosto di isolarle per permettere al visitatore di concentrare l’attenzione su ciascuna di esse.
Per illustrare questo approccio, ed i suoi vantaggi, viene, ad esempio, descritto qui il caso del pannello raffigurante la Tentazione di Cristo sul monte, dal Vangelo di Matteo, opera di Duccio di Buoninsegna.
Se invece di passare oltre, ubriacati dai troppi stimoli proposti da allestimenti sovraffollati o dalle migliaia di immagini su Instagram, ci fermiamo a guardare, si apre un mondo di conoscenza, al di là dell’apprezzamento della piacevolezza narrativa della composizione.
Si può infatti imparare che il dipinto faceva parte della predella del retro della Maestà del Duomo di Siena smembrata per fare cassa quasi 5 secoli dopo la sua creazione, nel 1771, e scoprire che parla del dialogo, sempre attuale, tra il bene e il male, impersonati da Cristo e da un diavolo. Diavolo che ha ali da pipistrello, perché questi, animali notturni, mezzi mammiferi e mezzi uccelli, rappresentavano la perdita della chiarezza, della limpidezza del bene.
Una volta offerta una chiave di lettura, diventano per l’osservatore interessanti tutte le scelte del pittore nel rendere un soggetto così denso di simbologia. Scelte che riflettono la novità dell’arte italiana, che si affranca da quella bizantina, ad esempio nel realismo del volto di Cristo e anche nel rappresentare queste città turrite, dai toni pastello, su monti scoscesi e quasi privi di vegetazione.
A cui si aggiungono quelle che ha comportato l’aver attraversato tanti secoli e tante mode. I due angeli, per esempio, sono stati dipinti successivamente da un’altra mano, modificando in modo profondo l’equilibrio della composizione.
Adesso che l’avete vista da vicino, non ne siete innamorati?
Duccio di Buoninsegna è uno dei maestri che Art-Test ha avuto il piacere e l’onore studiare e che è entrato a far parte di “Sotto l’oro” un database che comprende100 dipinti della Pinacoteca Nazionale di Siena, la prima raccolta di analisi diagnostiche e storico-artistiche su questo opere
Durante questo lavoro, abbiamo anche indagato questa tavolaetta, del Sassetta, con altri diavoli, così impressionanti che si è arrivati a deturparli per cercare di annientarne i poteri. E dove l’oro lascia lo sfondo e la pretesa di imitare l’oreficeria per diventare un pigmento.
La lotta tra il bene e il male è sempre affascinante. Ma la tavoletta di Duccio potrebbe anche raccontare la storia della pandemia del trecento, della peste che annientò Siena, del paesaggio che cambia, dell’arte al tempo di Dante, del collezionismo e dei traffici di arte all’inizio del Novecento, del cambiamento del gusto, dell’idea di tutela del Patrimonio Culturale, di una tecnica che ha permesso alle opere di arrivare quasi intatte fino a noi.
Firenze, nel 1577 era un crocevia di uomini e di saperi. Era presente una fitta rete di relazioni internazionali e un interesse per la scienza che preparava la strada a Galileo Galilei e al suo metodo scientifico.
In un mondo che, grazie alle scoperte geografiche, stava velocemente allargando i suoi confini, le illustrazioni naturalistiche erano tra le piu’ richieste a corte.
Si volevano vedere le meraviglie dei nuovi mondi, ammirarne i dettagli .
E in questo Ligozzi era il piu’ bravo, e per questo era stato chiamato a Firenze, a lavorare in esclusiva per i Medici.
Art-Test ha indagato 16 opere del Ligozzi, in occasione della mostra tenutasi a Palazzo Pitti.
Tra queste, questo meraviglioso Pesce (un dentice come da didascalia? Non sembra. I dentici non sono cosi’ colorati!), su cui le analisi XRF hanno trovato anche Oro e Argento.
Il Ligozzi del resto, era molto raffinato e riceveva uno stipendio adeguato, inferiore solo a quello del Giambologna.
Il Polittico dell’Agnello Mistico di Van Eyck è nuovamente aperto al pubblico, con una nuova illuminazione ma soprattutto con una nuova, costosissima, teca, necessaria per una migliore conservazione dell’opera.
A dir la verita’ si dovrebbero preoccupare di ben altri aspetti.
Siamo ancora convinti di quello che scrivevamopoco piu’ di un anno fa nella nostra newsletter
L’Agnello, il corpo del reato
E’ un’immagine diventata virale, forse per promuovere una mostra costosa, l’ennesimo restauro made in Belgium del Polittico dell’Agnello Mistico dei fratelli Van Eyck (“L’altare di Gand rivelato” si era chiusa solo nel 2017). Gli occhi realistici dell’Agnello cosi’ come li avevamo conosciuti sono stati rimossi per rivelare la prima versione della pittura, dove l’Agnello ha un aspetto meno ovino e piu’ “umano”. Leggiamo cosa ha dichiarato la restauratrice al New York Times: “a un certo punto nel 1500 un altro pittore, o forse un gruppo di pittori, decisero che aveva bisogno di una rielaborazione. Potrebbero aver voluto cambiare il dipinto per ragioni teologiche – questo era, dopo tutto, il centro della Riforma protestante e la Chiesa cattolica stava riscrivendo le sue dottrine al Concilio di Trento – o perché lo stile pittorico era cambiato. L’intero dipinto è stato rifatto, ha detto, “non solo l’agnello, ma tutti i tendaggi, la parte superiore del paesaggio, il cielo e la vista della città, e sul retro dei pannelli laterali, circa il 70 percento è stato ridipinto.” Ha aggiunto: “La particolarità di questo è che è stato fatto con estrema attenzione in modo che tutti i contorni delle figure fossero rispettati e la maggior parte dei colori fosse riprodotta con pigmenti di altissima qualità. Non è stato un lavoro pasticciato“. “Per fortuna, i restauratori hanno scoperto che c’era anche uno strato molto spesso di vernice tra il dipinto originale e la versione più recente, che ha reso relativamente facile per loro rimuovere quello strato per tornare al lavoro di van Eyck“, ha detto Dubois. La testa originale dell’agnello, per esempio, era “in ottime condizioni“, ha riferito. “Abbiamo dovuto solo eseguire un piccolo restauro per le piccole perdite di vernice.” Rileggiamolo. Hanno rimosso una “ridipintura” non solo storicizzata ma quasi coeva, fatta con pigmenti e tecniche simili. Gia’ nel 1972 la Carta Italiana del Restauro (Art 6) assolutamente proibisce tali pratiche, e a buona ragione. Tanto più che la prima versione dell’agnello era ben visibile in riflettografia e ancora meglio si sarebbe potuta documentare con il nostro Metodo Multilayer e magari proporla in un pannello espositivo.
E allora perche’ questa folle e criminale decisione? Rimaniamo senza parole. Ed e’ un peccato che cosi’ abbiano fatto anche i vertici del restauro italiano, evidentemente sempre meno influenti a livello globale. E noi che avremmo voluto parlare della vera Rivoluzione Ottica di van Eyck, quella descritta da David Hockney e Charles Falco ma anche da Roberta Lapucci. Quella che permette, tramite l’utilizzo di specchi e lenti, forse non a Hubert, ma di certo a Jan, di ottenere una resa così fotografica dei volti e degli oggetti. E degli agnelli.
La conferenza internazionale Florence Heritech, caratterizzata dalla particolare formula che vede il convegno scientifico aver luogo insieme alla fiera del restauro e della conservazione, ha aperto la Call for Papers, per l’edizione che si terra’ nel Maggio 2022.
Queste le scadenze:
July 16, 2021 | Deadline to submit abstract
September 30, 2021 | Abstract acceptance notification
December 17, 2021 | Deadline to submit draft paper
January 31, 2022 | Submission of final paper
Queste le macro aree:
Scienza dei Materiali, Diagnostica e Monitoraggio, Ingegneria, ICT e patrimonio digitale, Ambiente e Patrimonio Culturale, Architettura Sostenibile per il Patrimonio Culturale.
L’idea di Florence Heritech è creare una sinergia tra il mondo artistico, artigiano ed imprenditoriale, e il mondo universitario e della ricerca, per offrire una panoramica degli sviluppi a livello globale, favorire l’avvicinamento tra studenti e mondo del lavoro, e promuovere la diffusione delle piu’ avanzate scoperte scientifiche.
Qui il link ai proceeding, pubblicati su rivista Open Access, indicizzata, delle edizioni passate.
La città di Firenze, scelta come sede, sarà quindi ancora una volta luogo di incontro e confronto per esperti, operatori e appassionati di tutto il mondo.
Art-Test partecipera’, come ha gia’ fatto nelle edizioni passate, presentando i propri lavori e le nuove scoperte. Non mancate!
Talvolta la dimostrazione di quanto possa essere utile, e sorprendente, la collaborazione tra arte e scienza nello studio di un dipinto va oltre le comuni aspettative. E’ di pochi anni fa il ritrovamento tra gli “Olivi” che Van Gogh aveva realizzato all’aperto nel 1889, di una cavalletta rimasta intrappolata nella pittura. L’insetto era invisibile a occhio nudo date le sue ridottissime dimensioni, ed in un primo momento era stato scambiato per una piccola foglia. Nonostante l’intervento di un biologo, non fu possibile determinare in quale stagione fosse stato realizzato il dipinto, ma fu possibile asserire che l’insetto finì sulla tela già morto, dato che non sono stati rilevati segni di movimento. Un nuovo studio sulla medesima opera ha rivelato anche la presenza di particelle di foglie secche e numerose informazioni sulla tecnica utilizzata dal pittore. Le tecniche XRF e FTIR hanno infatti fatto luce su come abbia applicato la pittura procedendo per strati e su come abbia prediletto l’accostamento dei colori complementari, consapevole dell’armonia che avrebbero creato nell’insieme. Un aspetto curioso dello studio delle opere eseguite all’aperto è l’eventualità di scoprire informazioni sulla natura del soggetto del dipinto, al di la’ di ciò che il dipinto stesso rappresenta e vuole comunicare. Con i maestri della cosiddetta Scuola di Barbizon assistiamo alla diffusione della pittura en plein air, che sarà la cifra stilistica dei pittori generalmente indicati come Impressionisti e Post-impressionisti. Paesaggi, alberi e fiumi diventano i protagonisti delle opere insieme alla visione soggettiva dell’esecutore, che spesso procede rapidamente e ad ampie pennellate; labile diventa il confine tra bozzetto preparatorio e opera finita! Grazie ad esempio a lettere e biografie, circa le abitudini dei pittori, siamo in possesso di numerose informazioni. Sappiamo ad esempio che Daubigny aveva approntato il suo studio su un’imbarcazione e che Monet fece lo stesso, oltre a dipingere abitualmente dal proprio giardino. Parallelamente si erano diffusi molti oggetti per dipingere all’aperto, tra cui veri e propri kit con cavalletti facilmente trasportabili, mentre lo sviluppo della fotografia costituiva un importante strumento di supporto, come nel catturare immagini di fenomeni atmosferici da rielaborare con calma dallo studio.
Le indagini diagnostiche ci permettono di sapere di più del “vissuto” di un’opera, su come il pittore abbia scelto e dosato i colori, su come abbia dato pennellate veloci prima che cambiasse la luce e su come alcune opere siano state ritoccate anche a distanza di anni.
Nei casi più curiosi, come quello di Van Gogh, ci danno anche il piacere di sentirci, almeno per un attimo, trasportati dentro il quadro, tra le foglie smosse dal maestrale.
Volete qualche altro esempio? I germogli di foglie sulla tela della “Biancheria stesa ad asciugare sulle rive della Senna” di Gustave Caillebotte e i granelli di sabbia su “Il mare a Saint-Palais” di Armand Guillamin. Anche questo è vivere l’arte…oltre a vivere di arte!!
A 500 anni dalla morte di Raffaello, e in concomitanza con le celebrazioni, è in atto un progetto molto importante: «Studio, restauro e valorizzazione del Putto reggifestone dell’Accademia Nazionale di San Luca» (qui sotto). L’assunto è che il putto possa essere di mano dell’urbinate. Il restauro ha preso avvio il 7 gennaio, e vede come sponsor Mecenati Galleria Borghese-Roman Heritage Onlus.
Il progetto coinvolge un’equipe interdisciplinare con esperti per lo studio e le ricerche storico artistiche, per il restauro e per le indagini diagnostiche.
Una storia ricca di fascino e mistero, ma che parte con non pochi dubbi. Un’operazione complessa, ma che senza dubbio porterà a delle risposte.
Lo stacco appartenne alla collezione dell’artista neoclassico Jean-Baptiste Wicar. Documentato per la prima volta nel 1829, entrò a far parte della collezione dell’Accademia di San Luca nel 1834 per lascito del pittore e collezionista francese. Proviene, con ogni probabilità da Bologna, come racconta Quatremère de Quincy nel 1829. Prima di questo momento non vi è però alcuna traccia del putto.
Nel restauro del 1959 dell’Isaia di S.Agostino, Pico Cellini, trovò una relazione con un passo delle Vite del Vasari: il putto sarebbe quel che rimane della prima versione dell’affresco raffigurante Isaia realizzato per la Chiesa di Sant’ Agostino (in copertina). Raffaello infatti dopo aver visto, in compagnia di Bramante, la Cappella Sistina, decise di rifare ex novo la raffigurazione del profeta, con due putti vivi e dal colore rosaceo.
I pareri sono discordanti, infatti nello stesso anno lo storico dell’arte Luigi Salerno ventilò l’ipotesi che il putto potesse invece essere una copia dipinta dello stesso Wicar.
Il primo a documentare lo stacco fu Pungileoni, il quale però ne descrive una provenienza errata. Secondo quanto scriveva, il putto in questione, a quel tempo nella collezione di Jean Baptiste Wicar, proveniva da un caminetto già esistente nell’appartamento di Innocenzo VIII in Vaticano.
L’affresco rappresentava due putti che reggevano lo stemma di Giulio II e che, quando vennero eseguiti i lavori di ampliamento del Museo Vaticano, sarebbero stati staccati e alienati: uno sarebbe pervenuto nelle mani del Wicar, l’altro invece inviato in Inghilterra. Ma i putti reggistemma di Giulio II esistono ancora e sono sono conservati in Vaticano.
Le ipotesi plausibili non possono essere che queste: un originale eseguito da Raffaello con lo stesso cartone usato per il putto in S. Agostino, oppure una copia più tarda o un falso.
Le risposte le sapremo a conclusione dei lavori, che partono con le competenze giuste, ma, a mio avviso, con poche speranze.
Sono aperte le iscrizioni alla Scuola di Archeologia Giudiziaria
Purtroppo il mondo del patrimonio archeologico è sempre più soggiogato dalle pratiche malavitose. La mente va subito ai famosi “tombaroli” che hanno saccheggiato e saccheggiano tutt’ora il nostro suolo e i nostri mari alla ricerca di reperti di culture antiche.
Ma questa pratica è stata documentata ad esempio anche a danno delle tombe Medicee.
I ritratti della famiglia Medici, in particolar modo delle donne, mostrano i loro splendidi gioiell, con cui venivano spesso sepolti.
Già dal 1857, il direttore dell’Archivio di Stato e Antiquario Granducale, Luigi Passerini Orsini de’Rilli, incaricato della Ricognizione delle salme dei Granduchi, riscontro’ che molte di queste erano state profanate e private degli oggetti preziosi che contenevano.
Come difendersi?
L’Archeologia, e l’Arte in genere, hanno ogni giorno più bisogno di figure professionali competenti. Ancor più quando ci si deve confrontare o affiancare i vari attori del settore giuridico, chiamati per valutare i danni al patrimonio storico-artistico.
Il contrasto alle attività criminali in questo settore passa sì attraverso gli organi predisposti dagli Stati ma anche da figure come periti, che in ambito in ambito giudiziale ed extragiudiziale, con una adeguata e completa preparazione accademica siano ulteriore strumento di ostacolo.
Ed è in quest’ambito che si propone la formazione della scuola di “ARCHEOLOGIA GIUDIZIARIA E CRIMINI CONTRO IL PATRIMONIO CULTURALE” SCUOLA BIENNALE DI ALTA FORMAZIONE, di cui Art-Test fa parte, organizzata dal Centro per gli Studi Criminologici – Area Patrimonio Culturale – Dipartimento Archeologia Giudiziaria in collaborazione con l’Osservatorio Internazionale Archeomafie.
Rivolta a laureati in archeologia, storia dell’arte, architettura, conservazione dei beni culturali, restauro e nelle altre discipline del settore giuridico e umanistico.
Per chi fosse interessato a questo percorso formativo vi indichiamo il link per apprendere maggiori informazioni : https://bit.ly/3mWTV6x
La vita, la morte, la fortuna delle opere, l’eredità, la storia degli “Archivi”, dei falsi, delle fondazioni, delle mostre.
Già nel mese di gennaio avevamo parlato dell’innovativa esposizione che il museo di Lille dedicava ad Amedeo Modigliani. Una mostra di taglio investigativo. Purtroppo per le cause che ben conosciamo non si è potuto dare il via alla mostra ne’ tanto meno al Simposio di confronto tra esperti.
Ma lo scrutinio pittore labronico e delle sue opere non si ferma. “L’affare Modigliani” edito da Chiarelettere è un libro ricchissimo di informazioni, tutte supportate da richiami alle fonti. Affronta tutti i temi caldi, inclusi i falsi e il ruolo delle fondazioni. Trecento pagine dove il racconto è organizzato in “scene del crimine” dove ogni argomento e’ affrontato con rigore scientifico. Il nostro capitolo preferito è naturalmente quello dove si affronta la tecnica di Modigliani attraverso l’analisi materica. Certo avremmo voluto che fosse ancor più approfondita ma ci rendiamo conto che sarebbe stato necessario una corposa appendice. Se ancora non lo avete letto, aspettando la mostra francese, Art-Test ve lo consiglia.
Un anno è passato, abbiamo alle spalle 12 mesi in cui la nostra vita ed il nostro lavoro sono cambiati.
Guardare al passato per capire il presente è parte del nostro lavoro, come lo è lo studio attento delle “spalle” di un dipinto.
Molto spesso il “verso”, “retro” di un’opera ci rende più comprensibile il “fronte”, il “recto”. Sappiamo che gli artisti dal XV secolo iniziarono a firmare le proprie opere sul fronte, ma in tempi più vicini molti hanno scelto di apporre la loro firma sul retro, indicando anche una data.
Ma oltre alla firma, vera o contraffatta, sul retro possiamo ritrovare timbri, etichette, codici: ognuno di questi elementi è un dato importante nella ricostruzione del percorso dell’opera.
Codici riferibili alla catalogazione di una collezione o numero di lotto per un’asta. Timbri imposti da uffici di tutela o dogane ed infine le etichette di varia natura. Ma anche questo tipo di dati, possono essere contraffatti. I primi dubbi possono sorgere durante un condition report attento, ma bastano specifiche analisi diagnostiche per comprendere se si tratta di elementi originali. Ad esempio un’etichetta a colori, creata con una stampante ad aghi, non può riferirsi ad una mostra del 1975!
Forse non tutti sanno che il caso di uno dei piu’ famosi falsari contemporanei: Wolfgang Beltracchi, nato Wolfgang Fisher, inizio’ da una etichetta sul retro che riportava la dicitura “Collection Flechtheim”, quando si sapeva che Flectheim era si’ un collezionista importante, ma che non metteva mai etichette.
Insomma, guardare il retro è importante come studiare il fronte. Conoscere bene un “verso” ci aiuta a comprendere meglio il “fronte”. Allo stesso modo dobbiamo guardare a questo anno passato con attenzione per comprendere bene quale sia il nostro presente e tentare di immaginare un nostro futuro (lavorativo).
Quasi 720 anni fa, Il 10 Marzo 1302, «Alighieri Dante è condannato per baratteria, frode, falsità, dolo, malizia, inique pratiche estortive, proventi illeciti, pederastia, e lo si condanna a 5000 fiorini di multa, interdizione perpetua dai pubblici uffici, esilio perpetuo (in contumacia), e se lo si prende, al rogo, così che muoia» (Libro del chiodo – Archivio di Stato di Firenze)
Le accuse erano pretestuose, si trattava di una vendetta politica, ma Dante fu comunque condannato insieme ad altri quattro, tutti contumaci.
E da quel momento, non rivide più la sua patria.
Ma come era la Firenze che lasciava?
“Quella in cui Dante visse era una città piena di cantieri, dove il comune e la Chiesa stavano spendendo moltissimo, e dando lavoro a folle di manovali, per creare la Firenze che noi conosciamo, e che Dante, (…), non vide mai completata: dal 1279 era aperto il cantiere di Santa Maria Novella, dal 1284 quello della Badia, dal 1295 quello di Santa Croce, dal 1296 quello di Santa Maria del Fiore, dal 1299 quello di Palazzo Vecchio. Come oggi Londra o New York, Firenze pulsava di vita e di denaro, e cambiava faccia senza rimpianto né riguardi per il passato”, scrive Alessandro Barbero in “Dante” (Ed. Laterza, 2020)
Ma quali opere, di quelle a noi rimaste, riuscì a vedere?
Sicuramente il Crocifisso Cimabue, eseguito tra il 1280 ed il1285 per Santa Croce a Firenze, ed anche quello di Giotto -di cui Dante fu praticamente coetaneo- dipinto tra il 1285 e il 1290 per Santa Maria Novella.
Come ha spesso ricordato Barbero, il medioevo in cui visse Dante non fu certo un’epoca cupa e barbara. Anche in pittura, come sappiamo, erano anni rivoluzionari e positivi.
Il dogma bizantino delle icone che sustanziano la divinità e hanno un posto preciso nell’area destinata alla liturgia, venne sovvertito.
Le icone, probabilmente perché inizialmente trattate come reliquie in Occidente, e per questo degne di un posto sull’altare, non furono più costrette nell’iconostasi e potettero quindi assumere qualsiasi forma e dimensione, offrendo molta più libertà agli artisti.
Libertà di espressione e riconoscimento di stato sociale che consentono a Giotto di inventare un nuovo linguaggio e all’arte di passare da dover imitare l’oreficeria per essere considerata preziosa, ad incantare per la capacità di rappresentare la vita.
È un percorso affascinante di cui abbiamo parlato in occasione del Convegno “Paths to Europe”, del 2015 a Bruxelles e che potete ritrovare nel database delle opere della Pinacoteca di Siena, che documentano questo straordinario momento, che ora, anche grazie alle indiscusse doti comunicative di Barbero, viene riscoperto.
Il recente ritrovamento una di rarissima porcellana cinese ci riporta alla mente un’altra notevole scoperta per l’arte e la tecnica orientale in cui siamo stati coinvolti.
Pochi giorni fa, grazie ad una ricerca iniziata nel 2014, è stata identifica all’interno della collezione del museo di Dresda, una ciotola RU appartenente alla dinastia Song. Un esemplare simile era passato in asta, e aggiudicato, nel 2017, alla cifra record di 37,7 mln di dollari.
Di uso esclusivo della corte imperiale, il colore di queste porcellane è una particolare sfumatura blu resa possibile dalla presenza dell’agata. Poeticamente viene descritto come “blu del cielo in una radura fra le nuvole dopo la pioggia”. Altro che blu Tiffany.
Sempre su un oggetto di origine orientale, ancora il colore, anzi la sua importazione e il suo utilizzo, sono stati oggetto di una scoperta fatta lavorando insieme a S.T.Art-Test e lo studioso Riccardo Montanari.
Scopo originario della ricerca era dimostrare come le indagini non invasive potessero essere alternative a quelle microdistruttive e dirimenti nell’autenticazione delle porcellane orientali. Privilegiando quindi la diagnostica non invasiva, lo studio vide protagonista una porcellana policroma smaltata Mukozuke, anche questa molto rara, prodotta nel periodo Kan’ei.
In particolar modo le analisi indagarono i pigmenti blu e gialli. Il giallo sorprendentemente risultò essere Giallo di Napoli, una novità per la produzione giapponese. Una scoperta un po’ destabilizzante.
Ma questo dato fu incrociato con le fonti storiche, e si arrivò a comprendere come furono i Gesuiti ad importare, nella loro missione in Giappone, la tecnica rinascimentale della decorazione della maiolica e quindi l’utilizzo di questo giallo.
Solo successivamente i vasai giapponesi trasferirono questo knowhow ai colleghi cinesi.
Un altro passo nell’infinito percorso della ricerca. Qui l’articolo per chi volesse approfondire
La rinnovata querelle sull’attribuzione del Salvator Mundi fa riflettere su come sia diventato importante non tanto scegliere quale dipinto acquistare ma quale attribuzione.
Più volte si è visto come l’acquisto di alcune opere sia stato successivamente ricusato, disputandone l’attribuzione. Il dipinto non cambia ma l’attribuzione sì, e questo fa tutta la differenza.
Un percorso tipico è quello delle attribuzioni cosiddette dormienti ovvero opere inizialmente proposte in aste generaliste, che dopo pochi anni acquistano credito e rientrano tra gli oggetti di interesse di circuiti più rilevanti, con nuove attribuzioni più prestigiose. Ma la giostra spesso non è finita lì. Perché l’attribuzione prestigiosa viene poi contestata e messa in discussione. E di nuovo il valore cambia.
A rigore di logica si dovrebbe pensare che più è importante il nome proposto, tanto più il controllo dovrebbe essere approfondito, e quindi l’attribuzione certa e definitiva.
Essendo la vendita all’asta regolata da un vero e proprio contratto di vendita si potrebbe immaginare che tra i documenti a disposizione dell’acquirente vi debbano essere anche campagne diagnostiche, che non si fermino al mero scatto fotografico o utilizzo di strumentazione approssimativa per il riconoscimento della materia.
Ma in realtà questi casi sono ancora rari.
Nel magico mondo delle aste, diversamente da come avviene in altri campi quando le transazioni sono anche di valore inferiore, non è consentito ad esempio all’acquirente di poter nominare consulenti di parte che controllino i documenti esibiti.
In definitiva comprare un dipinto e quindi comprando la sua attribuzione, spesso è incauto acquisto.
Certo è che il nostro Salvator Mundi è stato in principio un “Boltraffio” per essere poi proposto come un “Leonardo”, con le note vicende conservative e diagnostiche. E solo oggi la querelle si concentra anche sull’efficacia delle analisi utilizzate e se tutte le possibilità attributive siano state vagliate.
A questo punto ci chiediamo se anche il Salvator Mundi da poco ritrovato, di proprietà’ del Museo di San Domenico Maggiore a Napoli, sia stato studiato sotto questa ottica. Sappiamo che durante il prestito per la mostra “Leonardo a Roma” del 2019, ha subito uno studio diagnostico ed un restauro. Ma anche in questo caso l’attribuzione è ancora incerta. Girolamo Alibrandi o l’amato Caprotti? Naturalmente non è un’opera di Leonardo da teatrale battuta d’asta, ma meriterebbe approfondimenti, anche per meglio chiarire la genesi delle copie di questo soggetto da parte della cerchia leonardesca. E per capire come scientificamente sia possibile distingure un Alibrandi da un Leonardo. E fermare la giostra.
Polemiche pretestuose sul nuovo direttore di Pompei
Gabriel Zuchtriegel è il nuovo direttore del Parco Archeologico di Pompei. Non sono passate neanche 48 ore dalla nomina che la polemica incalza. Lo si giudica “troppo giovane” con “poca esperienza”. Dal nostro canto pensiamo invece che sia la scelta giusta! Abbiamo potuto apprezzare la sua passione e professionalità, figlie della sua preparazione accademica.
Nel 2014, grazie all’ AIAr , partecipammo agli studi condotti su reperti sequestrati provenienti dagli scavi di Paestum., pensati per contribuire ad mostra che evidenziava quale fosse il sentimento morboso alla base di furti o acquisti di reperti archeologici provenienti da scavi clandestini.
Grazie alle indagini scientifiche è stato possibile comprendere quali reperti fossero originali e quali contraffatti o creati per puro scopo fraudolento. Ancora nel 2016 replicammo l’esperienza facendo parte del gruppo di ricerca che studiò “Il tuffatore” e “gli amanti”, oltre che la tomba delle “palmette”.
I risultati della prima campagna possono essere consultati nel catalogo della mostra “Possessione”, i risultati della seconda sono stati presentati nell’ultima edizione di Florence Heri-Tech e pubblicati OpenAccess.
Art-Test fa i migliori auguri al nuovo direttore del Parco Archeologico di Pompei, che il lavoro ed i risultati che vengono unanimamente riconosciuti per l’area di Paestum (Museo, riqualificazione delle aree perimetrali, sviluppo dell’indotto turistico) si replichino in questo nuovo incarico.
I nostri amati gatti si nascondono ovunque e saltano fuori quanto meno te lo aspetti! Per esempio in questo dipinto di Frans Floris in cui un gatto è visibile solo grazie alla Riflettografia, perché non presente nella versione finale. Chissà perché! Ma le curiosità non terminano qui. Lo sapevate che un dipinto molto simile a questo, che oggi possiamo osservare alla Galleria Palatina a Firenze, si vede nell’opera
“Cabinet d’amateur”, che rappresenta la bottega di Jan Suellincks ed è attribuito a J. Franken II (ora al Musées Royaux des Beaux Arts di Bruxelles)? Ci sara’ un gatto anche li’ sotto?🐱
Questo appena passato è stato un anno funesto, fatto di chiusure, crisi e cadute di governi, aperture a singhiozzo, insomma un disastro per lo stato di salute dell’arte, sempre più travolta dagli eventi. Il problema è che ancora non se ne vede la fine.
È stato del 75% il calo medio dei visitatori nei musei statali italiani nel 2020 rispetto al 2019. Dato che ha determinato un decremento degli incassi da 240 a 60 milioni di euro, come mette in evidenza l’Ufficio Statistico del Ministero per i Beni e le Attivita’ Culturali e per il Turismo (MIBACT).
Come ben sappiamo, durante il lungo periodo di lockdown è stata spesso l’arte ad essere chiamata a confortarci, le istituzioni sono rimaste “aperte” offrendo ad ogni pubblico un’esperienza differente, in modo da tenere vivo e attivo l’interesse nei confronti del patrimonio artistico e culturale. Ogni istituzione l’ha fatto con i mezzi che aveva a disposizione, i propri, chi meglio e chi peggio. É evidente che non tutti sono stati in grado di affrontare questo caos, chi per mancanza di personale, chi per mancanza di strumentazione, o ancor peggio per assenza di una strategia di programmazione, progettazione, ideazione di contenuti. Ma che ci siano delle potenzialitàè evidente.
A questo punto, perdurando lo stato di pandemia, i musei dovranno mettersi tutti in grado di lavorare in modo strutturato con il digitale. Ma se gli incassi non aumentano, quale puo’ essere il nuovo modello di business?
(E non si storca il naso a questa parola, un bilancio economico lo fanno anche i musei statali)
Per affrontare la sfida che questo cambiamento ci impone, non solo le istituzioni dovrebbero evolversi, dovrebbe farlo anche il pensiero generale: sarebbe fondamentale riuscire scindere i binomi cultura = volontariato, e cultura = gratis.
Non è infatti possibile concepire una ripartenza senza affidarla persone specificatamente preparate. Sono fondamentali al rilancio dell’idea stessa di museo. Infatti, uno dei fondamentali investimenti dovrà essere l’assunzione di figure formate e qualificate e non (solo) di tirocinanti che si improvvisano social media manager, fundraiser, assistenti alla vigilanza, segretari o addetti stampa.
Inoltre, e soprattutto, per liberarsi anche dell’associazione museo=luogo chiuso e ammuffito, che vive nell’immaginario di molti, il concetto di nuovo museo dovrà intrecciarsi con la comunità, essere un luogo di identità locale dove le persone possono incontrarsi e partecipare ad un evento, non solo luoghi dove si ammirano capolavori.
Ma naturalmente questo implica una rivoluzione, e ha un costo. Come affrontarlo?
I musei non se la passano bene neanche nel resto del mondo, dove sono spesso privati, e a corto di fondi. Ad esempio c’è stata una forte polemica, seguita da una petizione, per la messa all’asta di opere d’arte da parte del MET. Il New York Times ha riferito che il Met, di fronte a un deficit di $ 150 milioni, ha contattato le case d’asta e i suoi curatori per potenziali vendite di opere d’arte. La posta in gioco è importante. Il museo newyorkese, non è il primo, ma visto il peso dell’istituzione, potrebbe definitivamente sdoganare questa pratica, spingendo altri musei a seguirne l’esempio, in America, ma anche nel resto del mondo.
Meno arte per tenere in vita i musei?
Al MArTA di Taranto hanno trovato un modello alternativo, nuovo e avanzato, che ci piace moltissimo e che ha pure permesso di raddoppiare il fatturato. Il FabLab, un laboratorio di artigianato digitale creativo istallato all’interno del museo, un tour virtuale 3D dell’intero percorso museale e il coinvolgimento del pubblico remoto hanno permesso di attivare un circuito virtuoso che ha visto contribuire spontanemente, anche per il sostegno economico, un sempre maggior numero di visitatori
Bellissimo!
Speriamo che in Nuovo (!) Ministro della Cultura italiano prenda spunto!
La Madonna del latte di Bartolomè Esteban Murillo, datata intorno al 1675, può annoverare tra i suoi numerosi estimatori Gustave Flaubert che, dopo aver compiuto un viaggio a Roma nel 1851, ne parlava in questi termini: «Sono innamorato della Vergine di Murillo della Galleria Corsini. La sua testa mi perseguita e i suoi occhi continuano a passarmi davanti come due lanterne danzanti». Lo scrittore francese aveva colto la grande intensità di una composizione apparentemente semplice ma di grande forza espressiva. Ciò che non aveva potuto cogliere è invece quello che solo le attuali indagini diagnostiche possono cogliere! In occasione del recente restauro il dipinto è stato sottoposto per la prima volta a studi scientifici che hanno rivelato la presenza della figura di un Santo, quasi certamente San Francesco in preghiera, al di sotto della figura della Vergine. Il riuso delle tele di per sé non rappresenta una novità, anzi, sia in pittura che in scultura la consuetudine del “riciclo” di materiali e supporti si perde nella notte dei tempi. Ma qui avviene qualcosa di eccezionale, ovvero le parti del disegno precedente sono impiegate come base per una nuova figura, le pieghe del saio del Santo vanno a formare il panneggio della gamba della Madonna. Le sorprese che le opere ancora non indagate potrebbero rivelare, sono così tante da non essere quantificabili! Attendiamo intanto con curiosità la presentazione della Madonna del latte restaurata che è prevista per aprile!
Diciamo la verità, a circa un anno dall’inizio della pandemia non vediamo l’ora di tornare a viaggiare. Manteniamo allenate le lingue guardando le serie originali, cuciniamo ricette di latitudini lontane dalla nostra, scriviamo una mail nostalgica agli amici dell’Erasmus, e archiviamo sospirando le newsletter delle compagnie aeree. Ma. Ma quando succede qualcosa di bello a Firenze, e per fortuna di cose ne succedono spesso!, un moto fieramente campanilista ci scuote! Si avvia alla conclusione la grande opera di restauro dei mosaici del Battistero di Firenze che torneranno ad essere presto fruibili dal pubblico in tutta la loro bellezza insieme alle scoperte che sono emerse a proposito della storia del monumento e delle tecniche artistiche impiegate. Anche Art-Test ha avuto il piacere di lavorare proprio nel “nostro” Battistero qualche anno fa: abbiamo condotto un’indagine termografica che ha interessato il mosaico nel matroneo raffigurante San Filippo per verificare il successo del consolidamento innovativo messo a punto dai restauratori dell’Opificio Delle Pietre Dure.
Le mappe termiche possono fare molta chiarezza sulla vita di un’opera, sui materiali di cui è composta e sui rifacimenti a cui è stata sottoposta. Con quante informazioni interessanti possiamo arricchire la vista dei tesori artistici…”nostri” e non!
Siamo stati estremamente onorati nel sentire la dottoressa Maria Matilde Simari parlare, durante le seguitissime dirette Facebook delle Gallerie degli Uffizi, della scoperta di Art–Test sul Bacco del Caravaggio.
Bacco, Caravaggio Riflettografia Multispettrale Art-Test Particolare
Un piccolo ma straordinario autoritratto letteralmente venuto alla luce grazie alle indagini multispettrali da noi condotte nel 2009, quando il dipinto era ancora ricoperto da depositi e vernici.
Ora il restauro l’ha riportato in vista ed è divenuto un’attrazione nell’attrazione, per i turisti di tutto il mondo. “Specialmente per i Cinesi”, dice la dottoressa Simari, chiosando: “chissà perché”.
Qui il video integrale della lezione, che approfondisce moltissimi aspetti di questo famosissimo dipinto: dalla storia della critica al rapporto che lo lega a Firenze e ai Medici.
Rimaniamo incantanti a guardarlo e sentirne la storia, orgogliosi di aver contribuito a fare un po’ di luce sul dipinto e sul pittore.
Il 3 Febbraio 1865 Firenze diventa Capitale d’Italia. Lo sarà fino al 1871 La notizia, che dovrebbe inorgoglire i fiorentini, al contrario non li entusiasma affatto. Bettino Ricasoli, che fu anche Primo Ministro, in previsione di grandi problemi e altrettanto dispendio di denaro, definisce il trasferimento una “tazza di veleno” per la città.
L’urbanistica fu in parte modificata in nome della necessaria modernizzazione e dell’esigenza di ospitare “i torinesi”. Furono tracciati “i viali” sventrando il quartiere medievale, abbattendo le mura di Arnolfo di Cambio. I palazzi storici della città diventano le sedi del potere politico. Il Re prese alloggio a PalazzoPitti, il presidente del Consiglio a PalazzoMediciRiccardi. La Camera dei deputati venne ospitata nel SalonedeiCinquecento.
Politicamente gli anni della capitale fiorentina furono abbastanza turbolenti: 8 governi e 5 presidenti del Consiglio.
Il buongiorno si vedeva dal mattino!
In foto un dipinto inedito attualmente in studio nel nostro laboratorio: Carlton Alfred Smith (British, 1853–1946) “Piazza del Mercato Vecchio a Firenze”, distrutta per fare spazio a Piazza della Repubblica. Sulla sinistra la Loggia del Grano, ora in Piazza dei Ciompi
Era il 30 gennaio 1518, quando Leonardo Buonafede, “spedalingo” ovvero rettore dell’ospedale di Santa Maria Nuova di Firenze, commissionò a Giovan Battista di Jacopo di Gasparre, promettente artista di umili origini, senza un vero cognome e detto il Rosso Fiorentino (Firenze, 8 marzo 1494 – Fontainebleau, 14 novembre 1540) una Sacra Conversazione con la Madonna e il Bambino circondati da Santi: san Giovanni Battista, sant’Antonio abate, santo Stefano e san Girolamo. La consegna era prevista per giugno dello stesso anno e la cifra pattuita era 25 fiorini d’oro larghi.
Vasari ci narra che però lo Spedalingo vedendo la tavola abbozzata rimase fortemente deluso: stabilì che i Santi sembravano piuttosto “diavoli”, e così”fuggì di casa e non volle la tavola, dicendo che [il Rosso] lo aveva giuntato [cioè preso in giro]”. Ma tutto ha un prezzo: la controversia venne risolta con il decurtamento di 9 fiorini del compenso per il pittore, quasi il 40% di sconto.
La pala tuttavia non raggiunse mai la Chiesa di Ognissanti. Era comunque troppo inquietante, nonostante, probabilmente, qualche correzione alle espressioni dei volti che, secondo Vasari, il Rosso all’inizio faceva sempre “crudeli e disperate”, addolcendole poi prima della consegna.
Lo Spedalingo ritenne fosse meglio inviarla in una chiesetta di proprietà dell’ospedale, dedicata a Santo Stefano, tra le montagne del Mugello.
Nel dipinto venivano di fatto introdotti molti elementi innovativi, primo fra tutti è l’eliminazione di ogni forma gerarchica fra la Vergine e i Santi: la Madonna non è posta in alto in una posizione dominante, ma sta al pari dei Santi, e le figure sono compresse in uno spazio ristretto, senza la cornice elegante di una architettura o un paesaggio paradisiaco a creare l’atmosfera.
I rilievi di Donatello nei pulpiti della Passione e della Resurrezione in San Lorenzo probabilmente ispirarono il Rosso nella creazione degli effetti spigolosi e scabri usati per la raffigurazione dei corpi maschili. Questi hanno i volti incupiti, ombreggiature profonde e scavate nelle carni, con sguardi inquieti e inquietanti, accentuati una marcata gestualità. Del resto, queste caratteristiche di esasperata espressività dei visi, si ripresenteranno anche in opere successive del Rosso.
Tuttavia, dobbiamo fare attenzione: l’accentuazione delle ombre sotto gli occhi in Gesù, così poco naturale, è in realtà dovuta al riemergere di un pentimento, corretto probabilmente quando furono modificati i Santi. Si riscontrano anche altri ripensamenti in corso d’opera: ad esempio nel volto del Bambino sono visibili ben 4 occhi.
Non si può rimanere indifferenti a questo dipinto, di fronte a questi corpi scarnificati ed allungati, con volti quasi grotteschi, e che però sono accompagnati dalla dolcezza dei piccoli angeli in primo piano e dalla grande ricchezza cromatica con tinte brillanti e cangianti.
Nonostante lo sdegno dello Spedalingo, quest’opera è oggi una delle più importanti dell’arte fiorentina del Cinquecento, ed è oggi conservata agli Uffizi e i piccoli angioli lettori tra le immagini più incantevoli di tutta l’arte occidentale.
Art-Test ha indagato un’altra piccola deliziosa opera del Rosso degli Uffizi: Ritratto di Giovinetta, ma chissà cosa non si scoprirebbe sotto la pittura della Pala!
Il “Ritratto di un giovane con rondella”, di Sandro Botticelli, fu offerto per l’ultima volta all’asta da Christie’s Londra nel dicembre 1982 con il titolo “Ritratto di Giovanni de Pierfrancesco de ‘Medici” e fu venduto al magnate immobiliare di New York Sheldon Solow per l’allora cifra record di £ 810,0000 ($ 1,1 milioni oggi).
Alcuni eminenti studiosi dell’epoca, tra cui il consulente del dipartimento di arte antica di Christie’s, però nutrirono forti riserve sull’attribuzione a Botticelli e preferirono darlo al contemporaneo, ma meno noto, Francesco Botticini.
Come si legge su The Art Newspaper, Solow, per essere rassicurato sulla paternità del dipinto, chiese a uno storico dell’arte di andare all’esposizione per poi riferirgli. Lo studioso riportò che in effetti non sapeva se fosse un Botticelli o un Botticini, ma che secondo lui era l’epitome di un grande ritratto rinascimentale. Solow quindi si decise a comprarlo nonostante tutto e il giorno seguente se lo aggiudicò.
All’ultima asta il dipinto era sostenuto da un dossier di esami scientifici approfonditi, inclusi raggi X, riflettografia IR, fluorescenza XR e altro, il nome Botticini è scomparso e il Botticelli è stato venduto a un prezzo quasi 9 volte superiore rispetto al 1982.
La notte tra il 26 e il 27 gennaio 1601 non deve essere stata così serena.
Un violentissimo fulmine colpì la palla del Verrocchio che sovrasta la cupola del Duomo di Firenze, la sbalzò e la fece cadere dove una lapide ancora ricorda il punto di impatto. L’impressione fu enorme. Si pensò alla fine del mondo.
Ma i lavori di ripristino seguirono immediatamente: la lanterna venne restaurata, la palla ricollocata il 21 ottobre 1602. Tempi strettissimi, considerando che i lavori non dovevano essere banali, dato che l’elevazione totale dell’intera struttura è di 116,50 metri, e la palla pesa 18 quintali.
Prima della messa in opera di un parafulmini, nel 1859, la cupola di Santa Maria del Fiore era stata colpita ben 27 volte, con una media di una volta ogni 15 anni. E tali occorrenze, come si può immaginare, spesso comportavano danni alla struttura della lanterna.
Dettagli su come si faceva ad intervenire a volte emergono dove non te l’aspetti. Ad esempio nel “Assunzione della Vergine”, di Santi di Tito, conservata presso la Chiesa del Carmine di Pisa.
Nel disegno preparatorio,visibile nella riflettografia realizzata da Art-Test, si nota infatti una sorta di gru disegnata sul lato destro della lanterna, gru che poi sparisce nella pittura. Quindi la gru era visibile al momento della realizzazione del disegno ma non quando si passò alla pittura. Questo dettaglio potrebbe dunque aiutare la datazione del dipinto, sia per quanto riguarda la sua ideazione, e quindi la realizzazione del primo underdrawing, che per quanto riguarda la pittura finita.
Ma la gru che vediamo potrebbe essere quella presente sulla lanterna in seguito al fulmine del 1601? I dettagli riconoscibili della gru disegnata nel dipinto in esame, non permettono di riconoscerne con esattezza la tipologia. Sappiamo con certezza che macchine con argani e carrucole erano già conosciute e utilizzate al tempo della costruzione della cupola.
Nonostante Brunellleschi non abbia lasciato descrizioni delle macchine da lui adoperate, (che furono in molti casi inventate e realizzate ad-hoc), molti disegni (tra cui vi mostriamo quello di Leonardo) mostrano come avesse fatto utilizzo di gru, e come queste siano state utilizzate, anche dopo la sua morte, dalle maestranze che portarono a compimento il progetto. Si sa anche che era stata progettata ad esempio una gru appositamente per la lanterna. Ma il disegno eseguito da Gherardo Mechini nel 1601 mostra una grande impalcatura che circonda tutta la struttura. Quindi o la pala del Carmine è stata realizzata quando ormai l’opera di restauro era al termine, o si tratta di un’altra quasi fine del mondo.
Gran parte di quello che sappiamo su Van Gogh deriva dalla sua corrispondenza, specialmente con il fratello Theo, raccolta e pubblicata postuma da Johanna van Gogh-Bonger, vedova del fratello. In una delle lettere, datata 22 Gennaio 1886, composta mentre studiava ad Anversa all’Accademia, Vincent scrive anche ” … questa settimana ho dipinto una cosa grande con due a torso nudo … due pugili”, un esercizio probabilmente.
Questa annotazione ha cambiato la vita al dipinto “Vaso di fiori”, che gli esperti sostenevano non potesse essere di Van Gogh, nonostante la firma, perché troppo grande e troppo.. affollato. Anche la firma era in una posizione inusuale, nell’angolo in alto a destra. Il dipinto e’ stato appeso per decenni in un museo olandese con una attribuzione errata prima che con la Radiografia si scoprisse che sotto nascondeva un soggetto completamente diverso: un incontro di boxe, e grazie alla lettera, solo nel 2003, se ne riconoscesse l’autografia a Van Gogh.
Volete divertirvi ad accoppiare radiografie e dipinti? Questa coppia ed altre sono nel nostro gioco:
La cultura non solo non isola, ma fa vincere l'isola!
Procida Capitale delle Cultura Italiana sembrava quasi essere un ossimoro. Un’ isola, un territorio seppur pieno di storia, tradizione, piccolissimo e per lo più in mezzo al mare. Candidarsi sapendo che non sarebbero bastate le belle cartoline che da anni vengono utilizzate dai brand più rinomati per mostrare i colori e gli scorci resi particolari dalle luci delle albe e dei tramonti pareva un azzardo. Anche perche’ il bando non richiedeva di snocciolare esclusivamente le proprie virtù e la propria dote, ma imponeva di andare oltre. Di proporre una visione di cultura che fosse più attenta all’evolversi dei rapporti umani e dell’ambiente. Il project manager, Agostino Riitano (già alla guida della candidatura di Matera a Capitale della Cultura Europea) si così espresso subito dopo l’annuncio: “È stata una vittoria epocale perché la commissione ha compreso che il progetto di Procida incorpora un cambio del paradigma della cultura nel nostro paese, non solo grandi città d’arte ma anche e soprattutto lo straordinario patrimonio culturale diffuso nei piccoli centri. Siamo convinti che il concetto di “minore” contenga il senso della profezia del cambiamento delle politiche culturali del Paese. Durante l’audizione tenutasi il 15 gennaio scorso, visibile a tutti sul canale youtube del MIBACT, la proposta della piccola isola è stata descritta come “dal luogo più piccolo arriva il progetto più grande”. Cose come queste non accadono per caso, non basta solo avere il professionista migliore, ma bisogna avere una visione del futuro del proprio territorio che sia a lungo termine, che veda coinvolta almeno una generazione. Forse è per questo motivo che la somma che il MIBACT mette a disposizione (1mln) non è tale da coprire tutti costi che servono a coprire tutto il progetto. Viene anche valutata la capacità, da parte della città, di rendere sostenibile il tutto, che è indispensabile.
Cosi’ Franceschini, il Ministro Italiano della Cultura: “Il progetto è (…) capace di trasmettere un messaggio poetico, una visione della cultura che dalla piccola realtà dell’isola si estende come un augurio per tutti noi, al Paese nei mesi che ci attendono”.
Ancora oggi, a quasi un anno dall’inizio della pandemia, la cultura non si arrende e continua a stringere i denti pazientemente. Le programmazioni online di fondazioni e musei continuano incessanti, le attività culturali sui social e nei vari siti sono sempre più numerose. La speranza è quella di mantenere vivo l’interesse, e accorciare sempre più le distanze imposteci dalle restrizioni anti-contagio. I musei, anche quando sono chiusi al pubblico, non sono mica deserti! Al loro interno la ricerca continua fremente, così come gli studi, i restauri e tutte le altre attività.
Il ministro Roberto Speranza, ha annunciato, che i musei situati nelle regioni in zona gialla, possono riaprire. Ha illustrato le misure contenute nel nuovo dpcm entrato in vigore il 16 gennaio scorso. Le aperture sono facultative. Una decisione autonoma di aperture e le chiusure in maniera sartoriale, mette i direttori in grado di gestire il “proprio” museo, dal momento che ognuno di essi è diverso ed ha esigenze diverse. In questo modo chi se la sente sia dal punto di vista economico che della sicurezza può aprire, assumendosi le responsabilità del caso, chi, al contrario ritiene opportuno che non sia il caso, aspetta. Del resto ogni museo è diverso, non tutti sono gli Uffizi, ci sono anche piccoli musei cittadini con i propri equilibri, neanche troppo stabili. Un’apertura azzardata potrebbe comprometterne l’esistenza. Infatti i musei, durante gli anni, sono stati tarati per funzionare e durare con un determinato flusso di pubblico, di eventi, che sono una delle principali fonti di reddito, come lo è la clientela proveniente da altre fonti aggiuntive (ristorazione, librerie, visite guidate). Se i il numero minimo di visitatori viene a mancare,, questa macchina rischia di malfunzionare generando costi aggiuntivi e anomalie insostenibili.
Forse la chiusura dei musei non è un complotto o una cattiveria contro il mondo della cultura, ma solo un modo per tutelarla.
Il 1° gennaio sancisce non solo l’inizio del nuovo anno, che si spera sia migliore del funesto 2020, ma anche l’inizio di una nuova era per la Gran Bretagna che, dopo 47 anni, ha lasciato l’Unione Europea. Questo significa che il Regno Unito è a tutti gli effetti un paese terzo per l’EU.
Nonostante l’accordo stipulato tra Londra e Bruxelles é quindi stato necessario introdurre un gran numero di adempimenti, come dichiarazioni doganali, licenze speciali, certificazioni, controlli e test di conformità.
I primi problemi si sono presentati, appena terminato il periodo transizione in cui per sei mesi, la Gran Bretagna, ha sospeso l’introduzione dei controlli provenienti dall’Unione Europea -una decisione unilaterale che il vecchio continente non ha ricambiato.
Le procedure da seguire non sono infatti ancora state chiarite, come anche i prezzi delle spedizioni.
Quel che é certo é che a differenza di quanto avvenuto finora, le merci che si spostano tra la Gran Bretagna e l’Ue subiranno controlli doganali più accurati, normativi e di sicurezza, con procedimenti burocratici più lunghi e ovviamente grandi rallentamenti.
Questo ha causato grandi problematiche che si sono incontrate fin da subito anche con il trasporto aereo di opere d’arte, in molti casi, infatti, non è più sufficiente la certificazione che dichiara il contenuto dell’interno della cassa, ma queste vengono esaminate e radiografate non appena entrano in territorio inglese, o peggio ancora, aperte da funzionari senza alcuna esperienza nel maneggiarle. Un problema non da poco visto che in alcuni casi il contenuto ha un grandissimo valore e il danno potrebbe essere irreversibile.
Molti galleristi sono stati previdenti, e per evitare questi disagi si sono tutelati fatturando e spedendo tutte le opere nel Regno Unito prima della fine dell’anno. Ma é indubbio che l’attuale blocco sulla circolazione delle merci avrà un forte impatto economico sul medio e lungo termine, sul trasporto, oltre che sull’economia e credo sia necessario trovare con urgenza soluzioni che garantiscano la corretta applicazione e interpretazione delle norme in tempi ragionevoli, se non si vuole che la Gran Bretagna passi da hub preferenziale a grande esclusa dal circuito.
Anche in questo caso, pare che Parigi si stia attrezzando per raccogliere il testimone.
“Storia della Pittura- L’Arte come non l’avete mai vista”, AA.V., Gribaudo, 2020
Oltre visitare musei ci piace gironzolare per le librerie.
Nella ultima visita alla Feltrinelli abbiamo trovato un libro che ha destato subito la nostra curiosità. La texture della rigida copertina richiama gli spessori delle pennellate di un famoso quadro espressionista, ma ancor di più il titolo è tanto intrigante quanto è stata vorace lettura delle 360 pagine de “Storia della Pittura- L’Arte come non l’avete mai vista”.
Si parte dalle pittura rupestre di Altamira per giungere alla “pittura digitale”. Un vero viaggio nella storia “del segno e del colore”. Così come sintetizzato nella prefazione, l’uomo ha visto la sua evoluzione attraverso tre cose: l’uso della parola, il comporre musica e creare immagini. Ed è proprio di questo che il libro ci illustra. Non solo CHI e DOVE ma sullo stesso piano il COME. I capitoli si snocciolano alternando la storia delle idee, dell’evoluzione tecnica, la storia dei colori, dell’industria, delle scoperte. Geograficamente sono abbracciati sia l’Occidente che l’Oriente.
Insomma un vero e proprio sussidiario che consigliamo di leggere a chi studia la storia dell’arte, a chi studia le tecniche, a chi è curioso, a chi, in particolar modo, vuole leggere qualcosa che forse già sa, ma in maniera differente. Art-Test per inizio di questo 2021, un anno tutto da scoprire, vi consiglia questo libro, a cura di Aliki Braine, ma con molti collaboratori.
Mai dipinti hanno suscitato più dubbi di autenticità quanto quelli attribuibili ad Amedeo Modigliani.
Anche quando sono firmati, con “provenance” illibate, il dubbio aleggia.
Per anni si è accettato come autentico un dipinto solo se accompagnato dall’expertise di pochissimi “connoisseur”, spessissimo senza alcun corredo scientifico o, se esistente, solo autoreferenziale.
Le opinioni pronunciate da questi “nomi”, anche con un fil di voce, potevano, e lo hanno fatto, decretare la fortuna o l’oblio di un dipinto.
I dipinti di Modigliani sono da anni oggetto di studi, a volte anche pseudo-matematici, sulle proporzioni dei volti o la precisa distanza degli occhi. Ma quali siano i parametri che stabiliscano un Modigliani autentico o meno ancora è ancora poco chiari o comunque considerato appannaggio di pochissimi. Si è voluto creare un monopolio che di tutto sa tranne che di trasparente e scientifico.
Ma, forse anche grazie ai tanti scandali, la situazione sta cambiando. Presto ci sarà un nuovo database da studiare, nuovi elementi da apprendere!
Per la prima volta le indagini su un numero consistente di Modigliani saranno presentate in una mostra, saranno condivise. Avremo una pietra di paragone certificata.
Grazie ad una poderosa campagna diagnostica eseguita dal C2RMF su 27 dipinti, tra i quali due copie, e tre sculture, tutti di collezioni pubbliche, saranno divulgati i segreti del pittore livornese. Potremo osservare tutto nella mostra che aprirà il prossimo febbraio (si spera) e ascolteremo con attenzione tutto quello che verrà esposto durante il Symposium del 17-18 marzo.
Iniziando da Antonia (nell’immagine un collage delle indagini)
Altro che anni bui! L'arte al tempo di Dante.. era a colori!
Abbiamo da poco salutato lo sfortunato anno dedicato a Raffaello nel 500° anniversario della sua morte e siamo pronti ad abbracciare il 2021 che in Italia e nel mondo sarà l’anno delle celebrazioni dantesche, a settecento anni dalla morte del sommo poeta. Sarà un anno ricco di mostre, produzioni teatrali, cicli di incontri, letture e convegni a cui sarà possibile partecipare on line se non dal vivo, che celebreranno Dante e l’arte del suo tempo. Per quanto sia diffusa la definizione scolastica di Medioevo come “periodo buio”, possiamo asserire con convinzione che l’arte a Firenze al tempo di Dante fu tutt’altro che buia, anzi! Fu sfolgorante nei colori e straordinariamente fiorente nelle sue tante declinazioni: dalla pittura su tavola alla scultura, dall’intaglio ligneo alla decorazione musiva, dalla miniatura all’oreficeria. Un’arte ricca di simbologie laiche e profane, dove la forma e il contenuto diventavano un tutt’uno per trasmettere i concetti attraverso le immagini. Art-Test ha avuto il piacere di partecipare allo studio del cenotafio di Guillaume Bertand de Durfort, conte francese di Artois, giunto in Italia come tutore militare e consigliere di Aymeric de Narbonne a servizio del re di Napoli Carlo II d’Angiò che cadde durante la famosa battaglia nella piana di Campaldino, a cui prese parte lo stesso Dante. Le spoglie del conte furono portate a Firenze e tumulate nella Chiesa della Santissima Annunziata, dato il legame spirituale tra il condottiero e il neonato Ordine dei Servi di Maria. L’opera, attribuita ad un artista di cultura bizantina, si caratterizza per il classicismo sobrio e pienamente assorbito, per un’ampia definizione del volto espressivo seppur impassibile e per l’eleganza delle cornici modanate. E, a proposito di arte sfolgorante nei colori, è interessante sottolineare che le indagini diagnostiche hanno rivelato che l’opera (nella foto prima del restauro) era originariamente policroma!
Se la Storia dell’Arte fosse un grande puzzle, tanti sarebbero i pezzi noti ed esposti nei musei, ma altrettanti quelli custoditi in collezioni private…e quelli da studiare e attribuire! Ogni nuova scoperta è una grande emozione! Parliamo in questo caso di un pezzo piccolo, ma soltanto nelle dimensioni! Si tratta di un dipinto raffigurante un “Gesù Cristo con la corona di spine e la croce” di proprietà di un collezionista privato catalano che si riteneva essere opera della bottega di El Greco o di uno dei suoi allievi. Lo studio condotto nell’arco di due anni dal Centro Studi dell’Arte di Epoca Moderna (Caem) presso l’Università di Lleida ha permesso di attribuire l’opera alla mano del maestro El Greco. Non abbiamo potuto fare a meno di pensare a un “pezzo” che Art–Test ha avuto l’onore di studiare: Il San Giovanni Evangelista e San Francesco d’Assisi degli Uffizi! Le analisi non invasive, ma comunque “approfondite”, hanno anche in questo caso permesso di attribuire l’opera al Maestro El Greco, come vi raccontiamo qui!
La recente scoperta del YInMn Blue, anche se oltremodo costoso (€148.52 per 40ml), è una gioia per artisti -sempre tra i primi ad accogliere le novità-, ma anche per i diagnosti!
L’analisi del tipo di pigmento usato è infatti da sempre molto utile per la datazione e la provenienza di un dipinto.
Il Lapislazzuli per esempio è un’invenzione medievale, Teofilo, che scrive nel 1120, non lo nomina: il suo blu è azzurrite. Mentre Cennino Cennini lo conosce bene.
Ma il Lapis perde la sua purezza nella pittura ad olio. Perde quindi anche parte del suo fascino ed il suo impiego si riduce via via che si impone il nuovo medium.
Fuori dall’Italia era comunque già usato pochissimo. In pochi, infatti, potevano permetterselo. Uno fu Dürer, che però si lamentò assai del prezzo (100 volte quello degli altri pigmenti)!
Per secoli gli azzurri restano comunque un articolo di lusso. Smaltino e blu Verditer erano economici, ma la sola, blanda, alternativa alla tonalità del lapis rimaneva l’Indaco.
La situazione cambiò verso il 1705, quando fu scoperto il Blu di Prussia. Ebbe un grandissimo successo, ma poteva ancora veramente sostituire il Lapis.
Nonostante nel 1802 fosse stato scoperto il Blu Cobalto, fu, incredibilmente, Goethe, a notare che nei forni per la calce italiani si trovavano depositi azzurri, e a suggerire che forse qualche procedimento simile poteva essere utile a sintetizzare un Lapislazuli artificiale.
Nel 1842 la Société d’Encouragement per l’industrie Nationale offrì un premio di ben 6000 franchi a chi l’avesse prodotto per primo. Trovata la formulazione, nel 1870 divenne il colore blu standard. Ma niente, anche se il 1935 portò con sé due nuovi pigmenti: il Monastral Blue e il Blu di Manganese, il blu perfetto ancora non era stato inventato.
Il pittore Yves Klein tra il 1945 e il 1955 circa si rivolse ad un produttore, convinto che si potesse fare di meglio. Brevettò così l’International Klein Blue, dove però la vera novità era il legante.
Adesso abbiamo il nuovo YInMn Blue. E la storia dell’arte continua ad andare di pari passo con quella della tecnica.
“Nel secolo passato, e ai primi di questo, occuparsi di Botticelli sarebbe sembrata una pazzia”, scriveva nel 1877 Symonds, grande storico del Rinascimento italiano. E nel 1895 seguiva, tra gli altri, Bernard Shaw: “oggigiorno dieci acri di Carracci, Giulio Romano, Guido, Domenichino e Pietro da Cortona, non comprerebbero un’oncia di Botticelli, Lippi o Giovanni Bellini”. E infatti fu solo a cavallo tra Otto e Novecento che ci fu un abbondante traffico di Botticelli, a prezzi via via crescenti -naturalmente anche di falsi, tra cui, documentati, di Joni.
Anche opere eccezionali furono (s)vendute. Ad esempio, la famiglia Bardi, eredi dei primi committenti si vendette la pala d’altare fatta per Santo Spirito, a Firenze.
Pala Bardi, Botticelli
Piacevano molto i primitivi, e si veniva in Toscana per ammirarli, studiarli e comprarli (il museo Horne, del resto è nato così).
Ma oggi? I Botticelli in vendita sono rarissimi. Ma sono sempre cosi’ desiderati? O il gusto è cambiato ancora?
E’ quello che vedremo il 28 gennaio all’asta Sotheby’s, dove viene battuto un dipinto assai intrigante. Il ritratto di giovane con rondella è infatti tutto un rebus. Chi è? Perché ha in mano questo piccolo ritratto ritagliato da un dipinto più vecchio di un secolo?
Il dipinto più simile di Botticelli che conosciamo è il Ritratto di Giovane con Medaglia degli Uffizi. Il medaglione è anche in questo un “corpo estraneo” incastonato.
Ritratto di Giovane con Medaglia di Cosimo, Botticelli
Le indagini sull’opera in vendita (piuttosto complete, con un dossier del tutto simile a quello che proponiamo ai nostri clienti) parlano di un adesivo insolito che si trova ai bordi della rondella, e quindi non si può dire con certezza che la composizione fosse originariamente così. Magari anche lui aveva in mano originariamente una medaglia?
Si tratta di un ritratto dei fratelli Botticelli che erano orafi, che mostravano i loro prodotti? Furono loro quindi a creare i medaglione con Cosimo?
Anche del Ritratto degli Uffizi, infatti, non si conosce il “sitter”. E, data la somiglianza con l’autoritratto di Botticelli della Pala con l’Adorazione dei Magi, l’ipotesi di un fratello è stata avanzata.
Se non fosse il fratello noi un’idea ce la siamo fatta. E’ un antenato di John Travolta.
Con un crescendo che ricorda pezzi musicali di Zimmer, in questi anni abbiamo sempre di più udito, letto e definito la parola: sostenibilità. In principio è sembrato essere quasi qualcosa di radical chic per poi rivelarsi esattamente il contrario dell’accezione elitaria che alcuni volevano far intendere. Ed allora cosa significa per noi sostenibile? La cultura dovrà o potrà essere sostenibile? Forse è giunto il tempo (parlare di tempo in questo periodo risulta un po’ strano in realtà) di affrontare questo argomento e cercare di capire quale sia una via perché la cultura possa essere parte dell’economia sostenibile. Ovvero di un’economia che salvaguardi le risorse terrestri.
Uno dei Goal indicati dall’Agenda 2030 dall’ONU è: “Fornire un’educazione di qualità, equa ed inclusiva, e opportunità di apprendimento per tutti, Goal 4 e su questo che vogliamo fare una breve riflessione.
Secondo noi, laddove una società riuscirà a rendere accessibile la cultura a tutti, questa sarà la pietra angolare per costruire un futuro popolato da persone capaci di contribuire attivamente alla sostenibilità globale. Solo se le si riconosce questo ruolo si potrà avere un circolo virtuoso che vedrà investimenti per la Cultura provenire da vari ambiti dell’economia, consapevoli che è lei l’humus di cui si nutre un futuro sostenibile. Sarà il moltiplicatore di ogni azione volta al benessere di una comunità. Se ci pensiamo bene questa riflessione è anche il pensiero primigenio che ha spinto alla creazione delle Città Europee della Cultura e delle Città Italiane della Cultura. I programmi culturali che di volta in volta vengono presentati sono la messa in atto di quel circolo virtuoso di cui si è parlato. La Cultura inizio e fine ultimo del vivere bene la comunità e quindi del contribuire all’evoluzione dell’economia del mondo, che sempre più è necessario che prosegua in modo sostenibile. In questi anni si sono avvicendate città italiane ed europee, per tutte la sostenibilità dei progetti è stata la parola chiave per la fattibilità di esso. Per tutte si è avuto un nuovo rinascimento.
Quella che ora vi raccontiamo è la storia di come la diagnostica sia, tra le altre cose, l’avamposto della tutela del patrimonio artistico. Ne parliamo solo oggi perché rispettosi dei tempi imposti dallo svolgimento delle indagini e dalla conclusione dei procedimenti.
Anni fa ci fu sottoposto un dipinto presentatoci come un Picasso autentico (e firmato). Durante il primo Condition Report Scientifico evidenziammo delle incoerenze, nonostante il dipinto avesse ingannato i membri della commissione dell’Ufficio Esportazione della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio di Torino. Ci fu chiesto quindi di approfondire l’analisi con una campagna diagnostica completa, sia con indagini non invasive che microdistruttive: analisi multispettrali, riflettografia infrarossa, radiografia, analisi del colore con XRF, che con analisi chimiche su microcampione. Tutti gli elementi del dipinto furono valutati, anche il telaio su cui era ancorato e le etichette apposte. Tutto naturalmente di concerto con lo studio sulla tecnica dell’artista e lo studio dei materiali da lui utilizzati. Capito che qualcosa non quadrava, era necessario infatti riconoscere quali fossero le prove inconfutabili che il manufatto fosse un falso intenzionale. Nel nostro mondo la parola “falso” ha molteplici declinazioni, sfumature e non sempre totalmente negative, ovvero un’opera può essere falsa/ non autentica di un dato autore ma essere comunque un’opera del periodo, allo stesso tempo si indicano talvolta erroneamente come falsi gli “esercizi di accademia”, meglio definibili come “copie”. Questa volta invece eravamo di fronte ad un “falso intenzionale”, ovvero un manufatto creato e immesso sul mercato con l’unico scopo truffare un possibile compratore. Il dipinto di cui parliamo è El Pintor, firmato “Picasso”. Questo dipinto ed altri, furono fatti circolare alcuni anni fa. In seguito al diligente lavoro del Nucleo di Tutela dell’Arma dei Carabinieri, il 2 agosto del 2019, fu resa nota l’indagine condotta. Indagine e processo che hanno portato individuare i responsabili. Natualmente il consiglio è sempre quello di procedere con le analisi prima dell’acquisto. Ed anche questa volta cade a pennello il nostro motto, di vinciana memoria “meglio una piccola certezza che una grande bugia”.
Ormai da marzo i nostri musei e i nostri teatri sono off-limits. Assimilati, ahimè, per ragioni insondabili a noi comuni mortali, a luoghi in cui sono possibili assembramenti.
E cosa faranno adesso, in questo periodo di vacanza che li vedeva protagonisti?
Durante i mesi passati hanno mostrato una resilienza ammirevole. Spettacoli, conferenze, visite guidate, presentazione di mostre, molto è stato online, usufruibile gratuitamente da casa, seduti comodamente in poltrona.
Nello specifico, per Natale è stato generalmente fatto ben poco.
Alcune mostre sono visitabili online, come la mostra su Tiepolo, presso Gallerie di Italia a Milano, che tenta un formato nuovo, specifico per questo tipo di fruizione.
Ci sono poi le conferenze programmate, ad esempio quelle degli Uffizi, che continuano in modalità web, ma nessuno sembra aver dedicato veri e propri eventi a questo periodo.
Forse non tutti hanno le professionalità per proseguire da remoto ad oltranza. Forse ci si aspettava di poter tornare alla normalità per le feste. Forse è comunque un modello non sostenibile economicamente sul lungo periodo.
Ma lo saranno le visite da remoto come “Natale a Casa con Monet” che Linea D’Ombra sta organizzando a pagamento?
Il mondo dell’arte sta ripensando se stesso, ed è un esercizio non solo necessario, ma anche interessante. Però indubbiamente a noi manca la fisicità della visita al Museo o alle Mostre. Sarà un Natale meno bello.
“Non si vede bene che col cuore. L’essenziale è invisibile agli occhi” disse la volpe al Piccolo Principe secondo la penna di Antoine de Saint-Exupéry. Ma l’”essenziale” protagonista della nostra storia è visibile e lo è non solo agli occhi, ma soprattutto alle indagini diagnostiche quali la riflettografia, la radiografia, la fluorescenza a raggi x e la dendrocronologia. Stiamo parlando de La Sacra Famiglia realizzata da Jacob Jordaens che è stata esposta per circa sessanta anni negli uffici dell’assessore all’urbanistica di Saint Gilles (uno dei 19 municipi che compongono Bruxelles) e considerata una copia. Quando nell’ambito della recente campagna inventariale promossa dalla Regione di Bruxelles il dipinto è stato staccato dalla parete, è stato possibile rilevare indizi mai osservati prima, primo fra tutti la presenza dei marchi di fabbrica della tavola. Gli storici dell’arte hanno dunque deciso di sottoporre l’opera a indagini scientifiche approfondite, con il risultato di poter attribuire l’opera alla mano di Jordaens e di fissare come data di realizzazione l’anno 1615. Si tratta della versione più antica di una composizione che il Maestro riproporrà in altri tre dipinti attualmente esposti al Metropolitan Museum di New York, all’Ermitage di San Pietroburgo e all’Alte Pinakotek di Monaco di Baviera. L’opera sarà restaurata e quindi esposta nella sezione Old Masters dei Musei Reali di Belle Arti di Bruxelles. Chissà quanti altri tesori ancora non riconosciuti, abbelliscono le sale d’attesa di uffici e palazzi? Che interrogativo stuzzicante!
Fino a 10 Dipinti con le loro Radiografie aspettano di essere accoppiati. Conoscete i loro segreti? Per ogni coppia azzeccata, vi comparirà la loro affascinante storia
Piacciono molto anche a noi i tour virtuali, le lezioni al museo, le conferenze a distanza. Ma vorremmo fugare un dubbio. Questi eventi online sono prodotti nel tentativo di rimanere visibili nonostante le chiusure forzate. Molti sono interessanti, alcuni illuminati, quasi tutti arricchiscono. Ma aver capito che con una piattaforma digitale è possibile attirare l’attenzione di un discreto numero di spettatori non significa aver trovato la soluzione all’endemica scarsa valorizzazione di questo settore. Pare che il Ministro Franceschini voglia varare una “Netflix della cultura” che raccolga il meglio dei concerti, delle produzioni teatrali, dei tour virtuali di musei e siti archeologici. Non entriamo nel merito degli spettacoli. Ma gli storici dell’arte, i restauratori, i diagnosti che si sono volentieri prestati a fare un po’ di show in questi mesi di fermo, vorrebbero continuare a fare il loro mestiere, e vedere che quello che fanno è riconosciuto e valorizzato. Per rimanere nel nostro ambito: lo stato, invece di inserire la diagnostica come obbligatoria nei protocolli di restauro, ad esempio, aumentandone la scientificità e la documentazione e creando un mercato per chi questo ha studiato, di fatto induce gli istituti di ricerca ad offrire servizi conto terzi per analisi spicciole, facendo concorrenza a chi di fatto ha formato. Con prezzi fuori mercato, perché appunto, i ricavi del loro conto terzi non devono pagare per intero né gli stipendi, né le spese di affitto, riscaldamento, luce etc.. Di fatto, chi si laurea in diagnostica e si mette in proprio, poi si trova a combattere per poche briciole contro corrazzate formate da network di istituti universitari e di ricerca che ricevono finanziamenti pubblici per fare le stesse indagini, gratis o a prezzi stracciati. E quello che è peggio, mentre sono occupati a fare servizi, i ricercatori non fanno ricerca, che è quello per cui tutti li paghiamo. E si è così di fatto persa quella che era un’eccellenza mondiale. Le innovazioni in questo campo ormai si fanno per lo più altrove. Magari si ricominciasse ad invertire questa tendenza invece di pensare di fare il mestiere di Netflix?
A partire dal 1 Dicembre ogni giorno alla mezzanotte una nuova storia d’ arte per ogni data dell’Avvento. Per aspettare in bellezza questo strano Natale
Una ottima opportunità per chi non è riuscito a partecipare all’evento.
Art-Test ha contribuito con un lavoro che apre la strada alla necessità di verificare in modo scientifico non solo l’autenticità delle opere, ma anche delle immagini diagnostiche che vengono utilizzate nel processo di attribuzione (Link alla pubblicazione,Link al video),
Dei molti contributi presentati, vi segnaliamo il lavoro di Pier Giorgio RIGHETTI- professore onorario del Dipartimento di Chimica, Materiali ed Ingegneria Chimica “Giulio Natta”, del Politecnico di Milano: “What Sherlock Sorely missed: The EVA Technology for Cultural Heritage Exploration“, che presenta i risultati di nuovo metodo investigativo. Si tratta di un film funzionalizzato che può essere utilizzato per catturare tutti i materiali presenti su una superficie senza danneggiarla in alcun modo.
Con questo nuovo metodo di indagine non invasiva si sono analizzati il manoscritto del Maestro e Margherita di Bulgakov, dove sono state ritrovate tracce di morfina, e la camicia che Anton Cechov indossava al momento della morte, dove sono stati trovati i batteri della tubercolosi.
Ma non solo. Sono stati anche analizzati i documenti sopravvissuti del lazzaretto della peste del 1630, e conservati nell’archivio storico di Milano. E anche a distanza di secoli sono stati ancora rinvenuti i batteri della Yersinia Pestis.
Un altro esempio è la lettera di George Orwell scoperta nell’archivio di stato russo, dove anche se scritta a macchina, erano ancora presenti i batteri della tubercolosi contratta a Barcellona.
Uno studio affascinante che sicuramente riserverà ancora molte sorprese!
Potrebbe essere la colonna sonora di questa news, O, per gli anglofili, “blue eyes, baby’s got blue eyes, like a deep blue see on a blue, blue day!” come cantava Elthon John nei primi anni Ottanta e ancora nell’abbonamento Premium di molti di noi Probabilmente pensavate di conoscerlo bene. Si studia alle scuole superiore e si approfondisce all’università, magari con un bel corso monografico dedicato. E’ il genere di artista che si rincorre per mostre temporanee e musei, che emoziona e mette tutti d’accordo. Possiamo, dunque dire di conoscerlo bene? No! L’arte non finisce mai di stupire e se spesso ringraziamo gli archivi e ritrovamenti, altrettanto spesso dobbiamo ringraziare le indagini diagnostiche che oggi ci raccontano un Raffaello “inventore” del primo pigmento artificiale della storia! Le cose sono andate così: in pieno “periodo romano”, tra una commissione per papa Gulio II e l’altra, Raffaello lavora per Agostino Chigi in quella che sarà poi nota come Villa Farnesina. Fermiamoci però al piano terreno, sull’affresco che rappresenta la ninfa del mare Galatea trionfante alla guida di un cocchio a forma di capasanta e circondata da un corteo di divinità marine e amorini. Ebbene, le analisi sull’opera ci dicono che l’immersione di Raffaello nella mitologia e nell’arte antica, che amava e conosceva profondamente, non solo lo ispirano nell’impostazione della scena, ma anche nello sperimentare la tecnica pittorica. Raffello ricrea infatti il cosiddetto “blu egizio”, pigmento che era scomparso sul finire dell’Impero Romano perché soppiantato dall’uso di lapislazzuli. L’uso che ne fa è larghissimo: lo troviamo nel cielo, nel mare e nei sognanti occhi della ninfa. A cinquecento anni dalla sua scomparsa sembra avere ancora molto da dire…per fortuna esistono le indagini diagnostiche……e la ricerca continua!
dove si parla di una copia fatta per un motivo alquanto sbalorditivo: un furto su commissione.. di un Cardinale!
Quando nel 1507 la Pala Baglioni di Raffaello venne posta sull’altare di San Matteo della Chiesa di San Francesco al Prato, a Perugia, nessuno mai avrebbe immaginato che circa 100 anni dopo il cardinale Scipione Borghese bramasse il suo possesso così tanto da commissionarne il furto.
Furto che, in seguito alla sommossa dei perugini, in pochi giorni divenne “donazione volontaria” da parte dei frati, subito ratificata dallo zio di Scipione, Papa Paolo V.
Sebbene di dimensioni uguali (184×176 cm) e pari all’originale, che oggi è nella collezione della Galleria Borghese a Roma, le copie perugine sono state eseguite in tempi e su supporti diversi.
Una copia su tavola fu eseguita nel 1554, quando l’originale era ancora nella collocazione iniziale, da Domenico Alfani, amico di Raffaello, in collaborazione con il figlio Orazio. La tavola era destinata alla chiesa di Sant’Agostino, sempre a Perugia. L’altra copia invece è su tela, attribuita al Cavalier d’Arpino, e datata 1609, perché commissionata dal porporato per risarcire la città della privazione dell’originale.
Su entrambe queste due copie Art–Test Firenze ha eseguito, in una due giorni perugina all’insegna della diagnostica, con lo scanner Vis-IR, la Riflettografia Infrarossa sulla totalità della superficie.
Grazie alla particolare duttilità della strumentazione, e ad un’ottima coordinazione con i restauratori e storici dell’arte della Galleria Nazionale dell’Umbria, abbiamo potuto progettare i due imponenti cantieri ed allestirli in modo che fossero completati in soli due giorni consecutivi. La campagna riflettografica, restituendo l’immagine del disegno preparatorio, servirà agli studiosi per poter approfondire il tema delle “copie”, valutando i metodi di esecuzione, tramite similitudini e differenze tra loro e con l’originale, anch’esso recentemente indagato e restaurato.
Tutto era destinato ad essere disponibile per la mostra, attualmente cancellata per il periodo di chiusura dovuto al COVID19, dal titolo “La fortuna della Pala Baglioni di Raffaello attraverso le sue copie”, che non sappiamo ancora se sarà riprogrammata.
Attualissimo il caso del Museo Ludwig di Colonia che ha inaugurato lo scorso 26 settembre la mostra “Avanguardia Russa al Museo Ludwig: originale e falsa. Domande, ricerca, spiegazioni”, che vede l’esposizione di opere certificate come autentiche (ad esempio di Kazimir Malevich e di Natalia Goncharova) accanto ad altre la cui attribuzione è stata respinta dai ricercatori del museo stesso, a seguito di una campagna di indagini diagnostiche svolta opera per opera.
E’ interessante notare la partecipazione di altre istituzioni museali, come il Museo Momus di Salonicco e il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid che hanno prestato alcune opere delle proprie collezioni.
L’emergenza da Covid-19 ha portato purtroppo alla sospensione fino al 30 settembre della mostra, che resta per il momento programmata fino al 3 gennaio 2021.
“Nella routine della vita quotidiana, il sensazionale, lo spettacolare e il soprannaturale sono una dolce seduzione. Ci permettono di sfuggire all’ordinario. Ma il gioco dell’inganno è divertente solo quando lo abbiamo accettato. Quando siamo deliberatamente ingannati, siamo dalla parte dei perdenti sotto molti aspetti, perdendo i nostri soldi, credibilità, integrità o persino la nostra esistenza”.
Ci auguriamo sia possibile tornare presto a visitarla e presto e che rimangano comunque come un bellissimo esempio di ricerca storica-artistica e tecnico-scientifica finalmente “esposte” insieme!
Va da sé che la certezza di autenticità è un indispensabile prerequisito per un’opera d’arte ed è ciò che permette al collezionista, in certi casi insieme a una certa quantità di valeriana, di dormire sonni tranquilli.
Possiamo solo immaginare quanto sia stato brusco il risveglio dell’acquirente che, a dieci anni dall’acquisto di un arazzo di Alighiero Boetti (1940-1994) su Telemarket Spa, ha scoperto di avere tra le mani un falso!!
Prima che cominciate a guardare con sospetto il ritratto di gentiluomo che avete esposto in sala e a dubitare dell’Uovo Fabergé che custodite nello stipo, vi informiamo che può esserci un lieto fine, almeno dal punto di vista della rivalsa sul falsario o rivenditore, come è accaduto in questo caso.
Il consiglio che non ci stancheremo mai di darvi è di richiedere una autenticazione valida e una cartella diagnostica completa prima dell’acquisto!
Una bella soddisfazione per la casa d’aste, e un buon momento per l’arte antica, anche se è bene considerare che il prezzo di vendita è tuttavia sempre circa 1/6 rispetto, ad esempio, ai 5 milioni di euro realizzati per “Black Ground (Deep Light)” dell’ artista contemporanea Julie Mehretu.
(Non la conoscete? Appunto)
Il dipinto di Vasari, sulla cui autografia non vengono avanzati dubbi, è corredato di certificato di libera circolazione ed è stato aggiudicato ad un collezionista privato. Non sappiamo dunque se rimarrà in Italia.
Il dipinto è identico per soggetto e dimensioni a quello esposto presso la Galleria Palatina di Firenze, che Art–Test ha studiato nel 2010, in occasione del restauro.
Data la pressoché perfetta sovrapposizione della versione andata in asta con quella in collezione pubblica, sarebbe stato interessante uno studio comparativo, un’indagine riflettografica, ad esempio, per stabilire quale delle due versioni sia stata la prima, e per indagare l’aderenza ai metodi esecutivi in cui Vasari eccelleva.
Art-Test ha, infatti, avuto il piacere di lavorare su molti dipinti di questo straordinario artista, e ammirare, oltre alle sublimi invenzioni, la straordinaria abilità tecnica sua e del suo atelier.
Trump lascerà la Casa Bianca e si spera stia impacchettando le sue bugie e il suo atteggiamento anti-scientifico.
E la sua arte? I suoi falsi?
Trump è noto per avere un falso Renoir nel suo appartamento (precedentemente sul suo aereo) e per aver fatto un raid nella residenza dell’ambasciatore americano in Francia sottraendogli un busto di Benjamin Franklin, un ritratto di Franklin e una serie di statuette di personaggi mitici greci.
Tuttavia, anche questi falsi. Le statuine risalgono agli inizi del XX secolo e sono state realizzate dall’artista napoletano Luigi Avolio, in stile settecentesco.
Dopo che i curatori d’arte della Casa Bianca hanno esaminato i pezzi, anche il busto di Franklin è risultato essere una replica. Così come l ritratto di Franklin sottratto a Parigi era anche una copia di quello di Joseph Siffred Duplessis dipinto in Francia nel 1785, che ora è appeso nello Studio Ovalel.
Trump invece, non ha voluto, al tempo, comprare un Andy Warhol originale, che l’artista pop art aveva realizzato per la Trump Tower: i colori non erano intonati col resto della decorazione.
Abbiamo pensato, quindi, che potesse essere il momento giusto per offrirgli questo autentico capolavoro.
Armine Harutyunyan e’ stata recentemente apostrofata come la modella “brutta” di Gucci e violentemente attaccata.
Non era certo questo il giudizio che riceveva cinque secoli fa Laura Battiferri .
Il naso importante non spaventò il Bronzino quando volle ritrarla, e nemmeno lei, evidentemente, se ne faceva un problema.
Il profile la avvicinava, lei poetessa, al sommo Dante. Così come il libro che tiene elegantemente tra le mani, rimandava a Petrarca (e al suo nome di battesimo).
Laura Battiferri, infatti, figlia legittimata di un nobile prelate urbinate, aveva ricevuto un’educazione umanistica e, al momento del ritratto, era un’apprezzata letterata, con accesso ai circoli colti della Firenze rinascimentale.
Sposata una prima volta e rimasta vedova, si risposo’ nel 1550 con Bartolomeo Ammannati, apprezzato scultore e architetto (sì il “Biancone di piazza della Signoria è suo, ma è suo anche il ponte Santa Trinita). Frequentava assiduamente Michelangiolo, Benvenuto Cellini, Benedetto Varchi, Annibal Caro e gli altri intellettuali fiorentini, ed era in corrispondenza con altre poetesse, come la bolognese Lucia Bertani e la napoletana Laura Terracina. Non ebbe mai figli, ma un matrimonio riuscitissimo.
Laura pubblica il suo primo volume con i tipi Giunti nel 1560 e viene ammessa nella prestigiosa Accademia degli Intronati di Siena. La sua fama varca i confini ed è conosciuta da Madrid a Praga.
Il ritratto che le fa Bronzino è di una bellezza struggente, ma non è l’unico. Ce ne è un altro di Alessandro Allori in San Giovannino degli Scolopi a Firenze.
Mentre stava raccogliendo tutti i suoi versi per il terzo libro Rime, Laura muore, a quasi 66 anni di età. Fu sepolta nella chiesa di San Giovannino, in via Martelli, a Firenze. Bartolomeo chiese al pittore di fare un dipinto da mettere nella loro cappella. In “Cristo e la Cananea” Allori rappresenta Bartolomeo Ammannati come San Bartolomeo e, al lato destro della donna cananea, si vede Laura come matrona anziana, questa volta con un volume religioso tra le mani.
Il dipinto di Bronzino, invece, è conservato presso il Museo di Palazzo Vecchio a Firenze, dove è esposto assieme a tutte le opere della donazione Loeser (ovvero il lascito al comune di Firenze dallo storico dell’arte statunitense Charles Loeser).
Vi siete mai chiesti se l’arte oggi sia davvero libera, se sia davvero democratica e se non faccia distinzione di sesso?
Il lavoro dell’artista è con ogni probabilità uno dei più antichi, la presenza delle donne in questo ambito è documentata da molto tempo, sicuramente da secoli. Nonostante questo, solo di recente le artiste possono liberamente firmarsi come tali. E solo negli ultimi anni hanno ricevuto dei riconoscimenti, vien da dire più che meritati ma ancora non commisurati alla reale presenza femminile. Perché dobbiamo faticare così tanto per vederci riconosciuto ciò che ci spetta?
La discriminazione è un problema reale, chiediamoci come sia possibile che, ancora oggi, in questa società, ci siano discriminazioni di genere. Quel che è certo è che investire su una donna è un azzardo e i dati parlano chiaro: la presenza femminile nel mercato dell’arte ha numeri tutt’altro che confortanti, basta dare un’occhiata a The French Culture dalla Morineau: “In passato le donne sono state prese in considerazione dalle gallerie molto meno rispetto agli uomini. Nel XX secolo, la maggior parte di esse non aveva una galleria che la rappresentasse e, ancora oggi, le opere che portano una firma femminile hanno un valore molto più basso rispetto a quelle degli uomini (tra il 16-30% in meno)”. Se andate a visitare un museo, vi renderete subito conto che per la maggior parte, le opere esposte sono di autori maschili: secondo quanto riscontrato nel 2019, da Public Library of Science, nelle collezioni permanenti di importanti musei statunitensi solo il 13% appartengono ad autrici femminili.
Sempre con i dati alla mano emerge che, nel mercato primario, le artiste donne rappresentano solo il 44% degli artisti esposti nelle pareti delle gallerie, è frustrante, se si considera che il numero delle diplomate alle scuole d’arte supera di gran lunga quello maschile. Per quanto riguarda il mercato secondario la situazione è ancora più disastrosa, nel 2019 le opere di artiste vendute in asta, rappresentavano solo il 7% del totale dei lotti venduti e il 6% del fatturato totale. Forse qualche domanda sarebbe necessaria.
Sono stati fatti numerosi studi al riguardo, “Glass ceilings in the art market” (2018, Bocart, Gertsberg e Tilburg) evidenzia le enormi difficoltà che le artiste devono affrontare per affacciarsi sul mercato secondario, evidenziando che il top 0.03% del mercato dell’arte (che corrisponde al 40% del valore complessivo delle vendite) risulta essere completamente inaccessibile alle donne. Giusto per avere un‘idea grazie ai numeri: nel 2019, solo il 7% supera la cifra di 1 milione di dollari ed ancora più bassa al 5% è la percentuale di opere che supera i 10 milioni di dollari.
È fondamentale riflettere su quanto sia necessario rivalutare il ruolo femminile nel mondo artistico. Il primo passo per evitare di trascurare la questione della differenza di genere è riconoscere che questa è ancora presente.
Ma quali sono i motivi di questo divario? Perché nel mercato, soprattutto secondario, l’uomo è favorito rispetto alla donna?
Ben vengano le iniziative che sono un mezzo di educazione all’inclusione non solo nel mercato dell’arte ma in tutti gli ambiti, perché alla fine, come sempre l’arte è uno specchio della società, e un’arte che discrimina le donne, non può dirsi né libera né democratica, né così può dirsi la società di cui l’arte è il riflesso migliore.
Avete mai provato a immaginare la vostra vita senza arte?
Quella cosa che avete sempre pensato fosse frivola, superficiale e superflua. Quella cosa che non è il vostro core business, che è un po’ una perdita di tempo, quella cosa che magari leggo dopo, adesso non ho voglia, non è importante.
Quella stessa cosa che però vi rende persone migliori, belle, colte. Che vi spinge ad andare al museo, e in città lontane, che vi fa tirare fuori il cellulare per scattare un centinaio di foto (che puntualmente rovinate con faccioni con espressioni improbabili). Quella che vi fa rimanere a bocca aperta e vi fa venire un tuffo al cuore, quella che vi fa rimanere a testa in su con l’espressione inebetita.
La stessa arte che alcuni ancora snobbano, è quella che durante il terribile e interminabile lockdown scorso ci ha salvato, tutti incollati agli schermi ad aspettare una nuova pillola di cultura. E adesso? Adesso niente… I musei rimangono aperti anche con quest’ultimo DPCM, ma l’arte è caduta nel dimenticatoio: mostre, esibizioni, musei, fondazioni e molti altri nel settore stanno faticando, rischiano in alcuni casi la chiusura.
Il fenomeno non riguarda solo l’Italia, ma ha portata mondiale. Il museo di Brooklyn si è trovato costretto a vendere ben 12 opere della collezione.
Se occuperà la casa d’asta Christie’s. I dipinti messi in vendita vedono la firma di Donato de’ Bardi, Lucas Cranach Il Vecchio, Gustave Courbet, Jean Baptiste Camille Corot, Miro’.
Che fine faranno? Probabilmente in mano privata. Qualcuno li avra’ solo per se’. E saremo (quasi) tutti un po’ più poveri.
L’arte è solo una faccenda da signorine di buona famiglia o da spregiudicati falsari ? Il racconto che si fa del mondo dell’arte in molti dei media è polarizzato attorno a questi due scenari, che si ritrovano puntualmente anche nella pellicola di Christopher Nolan, che stupisce ancora con effetti speciali ma riempie il film di sparatorie inutili e ancora più inutili stereotipi sul mondo dell’arte. E poi il film non passa il test BECHDEL. Per passare il test ci devono essere almeno due donne che parlano tra di loro e di qualcosa che non sia un uomo. Sembra facile, niente affatto. Non sono proprio molti i film che passano questo test. Provate a nominarne tre.
Le eredità non lasciano mai indifferenti: si accompagnano inevitabilmente a un trapasso, portano con sé riflessioni esistenzial/geografiche (chi siamo, da dove veniamo, dove andiamo…etc etc), deludono i venali quando non vedono soddisfatte le loro aspettative, (soprattutto se da condividere con il cugino con cui non parlano da un decennio).
Non sappiamo esattamente quali emozioni ci siano dietro la storia che vi stiamo per raccontare, ma certamente sarà stata una bella sorpresa riscoprire in una casa nel dipartimento francese di Ain un’opera di Alfred Sisley !
L’opera, firmata e datata 1892, rappresenta una veduta di Rue des Fossées a Moret- sur- Loing, dove l’artista ha vissuto, ed è rimasta per circa 130 anni nella casa di una famiglia discendente di Alfred Ernst, critico d’arte e musica, a sua volta parente dell’artista Charles Cottet che aveva esposto con Sisley nel 1890. Autentificato in occasione di una successione, il dipinto è stato battuto all’asta per 250.100 euro. Sarà inoltre inserito nel catalogo ragionato dell’opera di Sisley di François Daulte, di prossima pubblicazione. Certamente la firma e il luogo di ritrovamento sono elementi chiave nello studio e nell’attribuzione di un’opera, ma altrettanto certamente è l’analisi diagnostica ad aiutarci a completare…..il quadro! (Federica Fani)
All’atteso Convegno Florence Heritech, Art-Test in collaborazione con due dipartimenti dell’Università’ di Firenze, con S.T.Art-Test, e con l’Istituto Nazionale di Ottica del CNR presenterà “Forensic Imaging for Art Diagnostics. What evidence should we trust?”. Il lavoro presenta i primi risultati sul lavoro di analisi dell’integrità delle immagini diagnostiche, ed in particolare radiografiche, condotto dal team di ricercatori. Un aspetto importante visto che sempre più spesso queste immagino sono, giustamente, utilizzate per sostenere o rigettare un’attribuzione. Si tratta di un tema totalmente nuovo che viene affrontato per la prima volta nella letteratura scientifica. Per quest’anno la conferenza si terra’ on-line dal 14 al 16 ottobre, e gli atti, sottoposti a rigorosa revisione da parte di esperti, verranno pubblicati da IOP Conference Series: Materials Science and Engineering, rivista indicizzata, e come sempre, in modalità Open access, quindi accessibili a tutti. Ci mancherà l’interazione diretta con gli altri congressisti ma speriamo che questo formato consenta a un buon numero di persone di seguire da remoto. Non mancate! Il calendario verrà reso noto il 14 Ottobre qui. (A P)
E’ chiaro a tutti noi che per arginare il più possibile la possibilità di contrarre il COVID19 il distanziamento sociale sia la prima arma. Dobbiamo rimanere a casa. Non dobbiamo vedere questo come un limite ma la possibilità data per stare bene. Dobbiamo cambiare prospettiva. Però nessuno ci vieta di andare a trovare, virtualmente, un vecchio amico. Per questo motivo da oggi vi inviteremo presso le case di amici comuni, andremo a casa degli artisti. Siamo in primavera, i fiori ci ricordano le sfumature dei colori dell’arcobaleno e per questo motivo la prima casa che vogliamo visitare con voi è quella di Monet a Giverny, a 70 Km da Parigi. In questa casa Monet visse per ben 43 anni, dal 1883 al 1926. Curò il suo giardino al punto che divenne la sua più grande musa. I quadri delle “ninfee”, qui ritratte, oggi sono conservate presso il Museè del’Orangerie a Parigi. In questa casa era racchiusa anche la collezione privata di Monet, dipinti di pittori impressionisti come Renoir, Sisley, SIgnac.. Questa collezione fu successivamente donata al museo Marmottan Monet ( http://www.marmottan.fr/)
Un tuffo nella Madonna del Cardellino, per scoprire la tecnica di Raffaello
Raffaello ancora giovane dipinge uno dei quadri che rimarranno nell’immaginario di tutti. Volete vedere come ha fatto? Con la Riflettografia Multispettrale possiamo visualizzare tutti i passaggi che sono stati necessari per arrivare a questo capolavoro!
Vediamo che, come prima cosa, Raffaello ha usato il metodo di riporto da disegno preparatorio tramite spolvero, di cui sono visibili i puntini tracciati sui contorni (cfr ir7).
Poi ha “unito i puntini” e tracciato la composizione con una matita, rifinendo e in alcuni casi cambiando i dettagli (crf ir7+ir5, e soprattutto il cerchio rosso).
La riflettografia infrarossa metodo multispettrale consente anche di vedere un passaggio che altrimenti (ad esempio con una acquisizione infrarossa a scansione a banda larga) non sarebbe visibile. Ovvero la parte di definizione dei volumi con un medium liquido a pennello. Vedete ad esempio l’ombreggiatura della torretta , che costruisce il volume (cfr ir1+ir5+ir7 nel cerchio blu).
L’ultimo passaggio è l’applicazione del colore, per questa è sufficiente una buona fotografia!
Tante altri dettagli sono visibili in queste immagini diagnostiche. Se volete saperne di piu’ contattateci o seguite uno dei nostri corsi!
Se poi volete applicare questa tecnica ad un vostro dipinto, siamo a vostra disposizione!
Oggi, in occasione del #RaffaelloBday vi raccontiamo il nostro emozionante incontro con questo grande artista. Tutto ha avuto inizio con il ritratto di una donna rimasto dimenticato per decenni in una stanza di un palazzo del Nord Italia Il ritratto fu posto negli Anni Settanta in un magazzino del Palazzo Ducale di Sassuolo vicino Modena, un tempo una delle roccaforti della dinastia d’Este, i duchi di Ferrara, Modena e Reggio Emilia che furono tra i mecenati di Raffaello. All’epoca gli esperti dissero che si trattava probabilmente della copia del XVII secolo di una pittura della scuola di Raffaello, ora conosciuta come la Madonna della Perla del Museo del Prado di Madrid. Durante gli anni in cui Mario Scalini era Sovrintendente per i Beni Artistici di Modena e Reggio Emilia, questi notò il dipinto durante l’inventario del magazzino: “La prima intuizione l’ho avuta notando l’altissima qualità del dipinto, ma ciò che veramente mi ha portato sulla giusta strada è stato guardare da vicino alla cornice, una superba cornice seicentesca. Sarebbe stato veramente insolito riservare una cornice così prestigiosa per un’opera che fosse considerata di poco conto”. Dopo alcune ricerche trovò le annotazioni di un antico inventario che parlavano di un ritratto di donna opera di Raffaello appartenente alla collezione della famiglia D’Este L’opera (dimensioni 30×40 cm) fu inviata ai laboratori di Art–Test di Firenze dove, grazie all’esclusiva analisi stratigrafica con metodo brevettato Multilayer (brevetto Art–Test) è stato possibile scoprire ciò che era rimasto coperto da strati di ridipinture. Le analisi hanno rivelato la presenza di tre strati sottostanti, dovuti a interventi di restauro effettuati nei secoli XVI e XIX, compreso il disegno preparatorio dell’artista originale. La diagnosta di Art–Test Firenze, Anna Pelagotti, ha detto: “E’ stata una bella emozione, siamo rimasti a bocca aperta”. La restauratrice Lisa Venerosi Pesciolini ha osservato come i seguenti ritocchi, dal XVII al XIX secolo, abbiano “ammorbidito” l’opera originale per avvicinarla al gusto dei contemporanei. E’stato possibile giungere al disegno originale sotto gli strati, comprovando l’intuizione di Mario Scalini. Grazie alla collaborazione dei direttori del settore conservazione del Museo del Prado, Carmen Garrido e Rafael Alonso, è stato possibile confrontare le dimensioni fisiche e il disegno della famosa Madonna con il dipinto in esame: le due opere sono perfettamente identiche per dimensioni e disegno. Gli esperti sono ora del parere che il dipinto di Modena sia la prima versione. Il motivo per cui chi l’ha studiata precedentemente non è stato in grado di notare la somiglianza è che l’opera è stata modificata per adattarsi al gusto post Rinascimentale, ma ora, grazie alla strumentazione di Art–Test, è stato possibile riportare alla luce la storia di questo magnifico ritratto. Art–Test ha contribuito, con analisi multispettrali (XR, IR, VIS, UV), macrofoto e analisi XRF al ritrovamento di un perduto dipinto di Raffaello. I dettagli di questa affascinante scoperta e l’evidenza provata delle analisi sono stati pubblicati nel libro: “La Perla di Modena: un Raffaello ritrovato“.
In foto Immagini Multispettrali e Metodo Multilayer: Visibile RGB, UV RGB calibrato, Layer 1, Layer 4, Layer 5, Layer 7, IR850nm, IR1050 nm, IR Scanner 1700nm
Nel Cinquecentenario dalla morte di Raffaello, attribuzioni o presunte tali hanno visto un incremento come mai prima. Diciamoci la verità chi non vorrebbe possedere un capolavoro, a chi non piacerebbe trovare nella propria soffitta un Raffaello perduto?
A giocare un ruolo fondamentale sono le aste, infatti nell’ultimo anno, sono stati battuti molti fra dipinti e disegni attribuiti, almeno inizialmente, probabilmente a fare da specchietto per le allodole, a Raffaello. L’ultimo non più tardi dell’ottobre 2019 dalla casa d’aste Dorotheum, una Madonna con Bambino, che ha raggiunto una cifra di oltre 1 milione e 600 mila euro circa. L’opera è stata sottoposta ad un esame storico-artistico e di laboratorio nel tentativo di stabilirne la paternità. La riflettografia infrarossa mostra un disegno soggiacente, eseguito sulla superficie preparata della tavola lignea. È stato visto un disegno paragonabile al primissimo stile raffaellesco. Tutti ben sappiamo, che quando il pittore era ancora in vita, era molto stimato e soprattutto imitato, molte erano le copie realizzate da artisti contemporanei. Siamo anche consci di quanto fosse oberato di lavoro, molto spesso delegava i compiti alla bottega e agli assistenti più fidati e capaci, non prima di aver realizzato il disegno preparatorio. Non è quindi facile stabilire, con una semplice analisi visiva, quale sia un dipinto eseguito da Raffaello e quale no. Quel che è certo è che una campagna diagnostica approfondita aiuterebbe la casa d’asta, ma soprattutto l’acquirente a non prendere sviste.
Oggi vogliamo parlarvi degli strumenti utili per l’attribuzione, quelli del passato e quelli contemporanei, e di come una lettura corretta di tutte le informazioni possa essere il curriculum perfetto per un’opera.
Fin a non troppo tempo fa lo studio per l’attribuzione di un’opera d’arte si è basato su considerazioni stilistiche e fonti documentali sulla sua provenienza. Conseguentemente, su queste basi soltanto se ne è determinato il valore commerciale, causando talvolta la fortuna di una versione a discapito di un’altra. Negli ultimi anni si sono aggiunte le analisi diagnostiche, che hanno favorito efficacemente la conoscenza approfondita dei modus operandi degli artisti, con dati scientifici sulla tecnica e sui materiali utilizzati. Per le singole opere, i risultati possono in prima battuta evidenziare anacronismi, e, in generale, sono materiale di confronto con la produzione dello stesso presunto artista. Quando tutti i dati non presentano incongruenze e anzi sono in linea con quanto documentato su opere certe, si arriva a supportare scientificamente l’attribuzione. Con lo scopo di approfondire la conoscenza di alcuni artisti, sono state progettate campagne diagnostiche, con un protocollo prestabilito, su un congruo numero di opere, unanimemente considerate autografe, per creare database sia pubblici che privati. Questi database permettono l’accesso ad informazioni organizzate secondo la tipologia di analisi e/o fonti documentali. Anche Raffaello ha il suo database online! Infatti, alla copiosa letteratura scientifica pubblicata in atti di convegni e studi privati, si è aggiunto negli ultimi anni un database, pubblico, sponsorizzato dalla National Gallery of Scotland e da The Royal Collection. Il database fornisce sia informazioni documentali che tecnico scientifiche, dati utilissimi perché pubblici, mentre la bibliografia scientifica spesso è accessibile a pochi studiosi.
Il Raphael Project è tra i pochi creati per artisti che sono pietre miliari nella storia dell’arte. Auspichiamo che presto molti altri siano realizzati e condivisi.
Navigate in questo database, potrete scoprire tante cose sulla tecnica di Raffaello!
Nel Rinascimento il disegno fu considerato l’arte per eccellenza, fino ad essere indicato come una forma d’arte autonoma. Raffaello è stato un artista dal segno espressivo e immediato.
Brandi, nel suo “Disegno della pittura Italiana” così definisce il disegnare di Raffaello: […] Fra Bartolomeo fu anche tramite fra Leonardo e Raffaello, il quale, venuto a Firenze, non fu mai leonardesco in senso proprio, ma con quella stupefacente capacità di ricezione immediata e di immediata spontanea elaborazione, assorbì da Leonardo quello che, per lui abituato ai ritmi rarefatti e lineari del Perugino, rappresentava la sostanziale novità: l’interiorizzarsi alla figura di uno spazio infinito, che, nella costruzione piramidale si ricostruiva in una finalità diversa da quella della figura singola, e che nella torsione michelangiolesca come attivazione dinamica trovava invece la clausola finale, nono già statica ma catartica. […] […] Grandissimo disegnatore Raffaello, anche nella linea mantiene quel riserbo sovrano, la malleabilità, la duttilità che non fanno mai sentire lo studio e lo sforzo. La sua pittura sembra nata di getto, e gli studi per essa risultano altrettanto completi e definitivi come se fossero fine a se stessi.
Per i diagnosti come noi, i disegni preparatori di un’opera, se esistenti, sono da considerarsi come una fonte documentale, facente parte di una bibliografia scientifica che verrà studiata ed utilizzata per la comparazione dell’underdrawing, fondamentale nello studio di dipinti inediti o di incerta attribuzione. Ma ancor più per delineare uno studio della tecnica sempre più approfondito.
Photo Credits: Madonna del Cardellino: Foto in luce diffusa (da web); Disegno: disegno preparatorio, 1506, inchiostro su carta, 23×16,3 cm, Oxford, Ashmoleon Museum, Inv WA1846.160; Riflettografia Infrarossa:@INOA-CNR Scanner IR 1700nm
La mostra dedicata a Raffaello, così come vi abbiamo detto ieri, è godibile virtualmente. Ma questa mostra ha portato a galla un’annosa problematica, l’opportunità del prestito di opere spesso iconiche per un museo che per il periodo della mostra se ne vede privato. Altra considerazione che è giusto da tenere presente per quanto riguarda i prestiti è lo stato conservativo di un dato dipinto. Abbiamo affrontato questa tematica nella nostra ultima newletter e vi riproponiamo qui il nostro articolo:
Questo non è certo un periodo semplice, a quanto pare neanche per l’arte. A smuovere gli animi e a renderli inquieti prima di questo CoronaVirus, sono stati i prestiti museali: da una parte si è discusso sulla liceità del prestito del Leone X concesso da parte degli Uffizi alle Scuderie del Quirinale e dall’altra si discute sul maxi prestito di Capodimonte [… ]
This is certainly not a simple period, apparently not even for art. Museum loans have created some uneasiness before this CoronaVirus: on the one hand, questions about the legitimacy of the loan of the “Leo X” granted by the Uffizi to the Scuderie del Quirinale, and, on the other, the maxi loan granted by Capodimonte.[…]
-5 giorni al compleanno di Raffaello, visitiamo la mostra-evento
Il 2020 è l’anno di Raffaello. Oggi -5 giorni al suo compleanno. Esploriamo insieme la mostra-evento alle Scuderie del Quirinale.
Raffaello Sanzio è stato uno dei più grandi artisti di ogni tempo. Pittore e architetto, è diventato un modello per secoli e generazioni a venire. Morì a Roma il 6 aprile 1520, esattamente nel giorno del suo compleanno. A cinque giorni dal suo anniversario iniziamo un conto alla rovescia. Oggi vogliamo ricordarvi la possibilità di un tour virtuale nella più grande mostra mai organizzata negli ultimi anni in suo onore: “Raffaello 1520-1483”, allestita presso le Scuderie del Quirinale. Anche se chiusa a causa del covid19, attraverso il sito https://www.scuderiequirinale.it/pagine/photo-video e i canali social è possibile infatti seguire video-racconti, approfondimenti e curiosità dal backstage e vedere le più belle opere esposte, anche in dettaglio. Per rimanere sempre aggiornati sui racconti dei curatori, e per partecipare virtualmente agli incontri è necessario utilizzare l’hashtag #RaffaelloOltreLaMostra. Pillole video approfondiranno inoltre le opere e la vita di questo artista immortale. La serie, introdotta dalla curatrice Marzia Faietti con “Qualche ragione, tra le tante, per amare Raffaello“, partirà con Matteo Lafranconi, curatore e direttore di Scuderie del Quirinale, con “La morte di Raffaello“. A seguire, i co-curatori Francesco Di Teodoro e Vincenzo Farinella approfondiranno la “Lettera a Leone X”, “il progetto di Villa Madama“, “Il rapporto di Raffaello con l’antico, con i suoi committenti” e “Gli anni della gioventù“. Infine, lo studioso Achim Gnann presenterà una riflessione su “Raffaello e Giulio Romano”. Sarà invece l’hashtag #RaffaelloInMostra a mostrare le proposte di video-passeggiate nelle sale espositive, accompagnate da dettagli e curiosità sulle opere per ammirare, anche a distanza, lo splendore dell’arte di Raffaello e la grandiosità del progetto espositivo. MiBACTScuderie del Quirinalemuseitaliani
E’ sempre attuale l’annosa questione riguardante l’autenticazione delle opere d’arte, sia antiche che moderne. Ancora oggi non sono stabiliti protocolli scientifici condivisi su cui poter poi iniziare una discussione corretta su questo argomento. Non più tardi di ieri questa problematica è tornata evidente osservando l’andamento di un’asta.
Sono stati battuti in asta due dipinti dichiarati “FOLLOWER OF SIR PETER PAUL RUBENS, circa 1700”, che erano già stati venduti sei mesi fa dalla stessa galleria ma con diversa dicitura, ovvero “CICLE OF SIR PETER PAUL RUBENS”.
Cosa è accaduto negli ultimi sei mesi per poter portare i dipinti da essere di “bottega” ad essere “copia” del secolo successivo?
Le stesse due opere undici anni fa furono aggiudicati da un’altra grande casa d’asta per una cifra pari al doppio dell’ultima di aggiudicazione. Come può accadere ciò? Quali informazioni si sono aggiunte tra un’asta e l’altra?
I Condition Report pubblicati generalmente, e anche in questo caso, riportano solo le condizioni di conservazione, osservate piuttosto superficialmente. La provenienza solo raramente aggiunge informazioni decisive sulla autografia. Come del resto è il caso questa volta. Ci chiediamo come mai non venga espressamente dichiarato in catalogo se sulle due tavole sia stato eseguito un qualsiasi tipo di analisi che abbia fatto modificare opinione sull’attribuzione. Si potrebbe pensare ad analisi eseguite ed il cui risultato ha evidenziato un anacronismo nei materiali utilizzati, o un C14 sulle tavole. Un Condition Report arricchito da Radiografia, Riflettografia e analisi del colore avrebbe chiarito molte dubbi.
Soprattutto in un momento come questo dove le case d’asta offrono solo vendite online, sarebbe opportuno proporre opere con curriculum più particolareggiati, arricchiti anche da elementi che l’occhio umano non può percepire. Si potrebbe così offrire una trasparenza completa, un de-risking per l’investimento e quindi un incentivo all’acquisto. Chi compra a scatola chiusa?
Il day after sta per arrivare. Cosa cambierà nel mondo dell’arte?
Il Giornale dell’Arte dedica un inserto alla “riapertura”. 136 contributi da parte di direttori di museo, sovrintendenti, direttori di fondazioni ma anche galleristi, responsabili di case d’asta ed editori. Tutti consapevoli che il ritorno alla normalità non significherà ripristinare lo stesso status quo dell’otto marzo.
Vogliamo commentarlo insieme. Cosa è cambiato nel frattempo? Durante l’esplosione del Coronavirus il digitale ha avuto spazio. In questi quasi 70 giorni molti musei hanno offerto visite virtuali e contributi digitali. Anche per quanto riguarda il mercato dell’arte, che ha visto la cancellazione di fiere ed eventi, la risposta digitale è stata immediata. Le gallerie e le case d’asta hanno mutato gli appuntamenti fisici in appuntamenti digitali: aste online, e altri strumenti per i clienti più esigenti, con ambienti virtuali dedicati.
Il digitale continuerà ad essere massicciamente utilizzato anche dopo la fine della quarantena? Il Ministro Dario Franceschini, per esempio, ha parlato di un possibile portale, tipo Netflix, dove poter pubblicare contenuti originali, non condivisi liberamente su altri siti o pagine social. Prodotti culturali a pagamento.
Tutti d’accordo? Finora era tutto gratis. Si torna all’annosa questione di accesso alla cultura. Ma inutile nascondersi che l’idea di una cultura fruibile a tutti probabilmente non è sostenibile. Per un tempo ancora non definito, e definibile, il comparto cultura, saldamente legato al comparto turismo, avrà risorse ridotte. In particolar modo le piccole realtà. E non è che prima navigasse nell’oro. Ci teniamo però a ribadire che fare cultura non è a costo zero, neanche per quanto riguarda la parte digitale. Dietro qualsiasi contributo pubblicato in questi mesi, ci sono ore di lavoro di tante professionalità, interne agli enti ma anche esterne, che hanno volentieri investito nell’accelerazione della comprensione del linguaggio digitale con il loro lavoro. Ma che non possono lavorare gratis per sempre. Se questi contenuti digitali sono veramente la soluzione per attrarre e comunicare con i possibili visitatori, e ritornare in attivo, va riconosciuto loro il valore che hanno, evitando di pensarli come passatempi. O strumenti accessori nel migliore dei casi.
Ora è tempo davvero di creare un nuovo futuro per la cultura, e riconoscere alla creazione di contenuti per la fruizione digitale, lo spazio e le risorse che meritano. Un’opportunità di maturazione e crescita per il sistema culturale italiano.
Traffici illeciti di opere d’arte per finanziare il terrorismo, riciclaggio, finanziamenti occulti.
“Il crimine organizzato ha molte facce“, dice Catherine de Bolle, direttrice esecutiva diEuropol. “Il traffico di beni culturali è uno di questi: non è un business affascinante gestito da raffinati falsari, ma da reti criminali internazionali. Non si può considerare separatamente dalla lotta contro il traffico di droga e armi: sappiamo che sono coinvolti gli stessi gruppi, perché genera grandi capitali“.
Del resto anche nellaconsultazione della Commissione Europea per nuove azioni contro il riciclaggio, lanciata per raccogliere input da tutti i cittadini, ma soprattutto dai i soggetti più interessati, ci sono i commercianti d’arte nell’elenco degli implicati.
È evidente che per la compravendita d’arte si reputa necessario introdurre un maggiore controllo, per rendere il mercato dell’arte più trasparente. Ma il valore delle opere d’arte è inevitabilmente condizionato dalla loro autenticità, che incide sui profitti che se ne possono trarre. O sulla loro presunta autenticità. E l’assenza di protocolli condivisi di certificazione delle opere d’arte, lascia molto margine di manovra.
Ad un pittore forse prima di ora considerato quasi un minore, viene dedicata una mostra altamente scientifica, sia per il percorso museale allestito che per supporti mediatici che danno modo al visitatore e allo studioso di approfondirne la conoscenza.
La mostra scaturisce dall’incontro quanto mai felice tra la storica d’arte, Gail E. Solberg, massima specialista di Taddeo di Bartolo e il direttore della Galleria Nazionale dell’Umbria, Marco Pierini.
Una mostra resa particolare anche dal momento, con l’inaugurazione fatta necessariamente via web.
Mentre scriviamo, la mostra non è ancora visitabile, nel rispetto delle norme di sicurezza, ma noi tenteremo di raccontarvi cosa troverete appena la Galleria riaprirà i battenti.
È la prima mostra monografica incentrata su questo pittore. Un maestro itinerante attivo tra la Toscana, la Liguria, il Lazio e l’Umbria. Con committenze di prestigio, sia private che pubbliche oltre che religiose.
Una mostra che documenta in modo approfondito l’attività di questo artista, dalla prima opera datata e firmata passando per la pala d’altare bifronte per la chiesa di San Francesco al Prato di Perugia fino a piccole opere di devozione privata e stendardi.
Art-Test Firenze, insieme a Start-Test, ha eseguito una campagna diagnostica riflettografica e radiografica sui 13 elementi del grande polittico bifronte (purtroppo le grandi tavole originali furono resecate durante ad uno degli smembramenti dell’opera), oltre a due altre opere di cui una di grande dimensioni.
Le metodologie e la strumentazione utilizzate sono all’avanguardia.
La riflettografia Infrarossa e’ stata eseguita a 1700nm, grazie al nostro scanner che e’ particolarmente adattabile e permette di andare incontro anche alle esigenze conservative. In questo caso, ad esempio, per evitare una duplice movimentazione delle opere è stato richiesto di eseguire le indagini elevando lo strumento, che si muove con una precisione pari al quarto di millimetro, all’altezza delle opere.
Inoltre grazie alla strumentazione per radiografia digitale diretta, eseguita dalla Start-Test anche tutta la campagna diagnostica radiografica è stata eseguita in loco con plate radiografico AGFA DR 14e.
Se adesso non e’ possibile visitare la mostra, durante le acquisizioni abbiamo invece organizzato un laboratorio diagnostico aperto, a cui hanno avuto accesso anche i visitatori del museo. Ad alcuni dei gruppi abbiamo potuto illustrare il progetto, come richiesto dal Museo e far vedere i le immagini riflettografiche e radiografiche che in quel momento acquisivamo. Grande soddisfazione abbiamo avuto anche con un gruppo di studenti delle scuole medie.
Abbiamo già detto che questa è una mostra che include anche un esteso contributo scientifico all’interno del percorso espositivo grazie al contenuto degli apparati multimediali che sono stati inseriti nel percorso. Uno dei touchscreen a disposizione del visitatore contiene la campagna diagnostica effettuata.
Non meno importante è il catalogo della mostra, a cura di Silvana Editrice, in cui troverete illuminanti schede critiche, immagini diagnostiche e anche un nostro contributo, scritto in collaborazione con la Start-Test, dal titolo Taddeo di Bartolo: un laboratorio di diagnostica per immagini aperto al pubblico. Indagini scientifiche sul polittico di San Francesco al Prato, Annunciazione e Pentecoste conservati presso la Galleria Nazionale dell’Umbria.
Un’occasione unica, quindi, per scoprire questo artista e approfondire la sua conoscenza. Dopo non potrete che chiamarlo Maestro! Non lasciatevela sfuggire non appena l’emergenza sarà rientrata!
Selfie nel 2013 è stata eletta come parola dell’anno e non è più uscita dal vocabolario. I selfie non sono solo una moda effimera, e questo ormai è assodato, e poco importa se la prima assonanza é con selfish, che significa egocentrico. Essere è condividere e se non condividi non sei nessuno.
L’arte finisce spesso per essere solo uno sfondo. Più che del godere il momento, c’è l’ansia spasmodica di mostrare quell’attimo in cui ci troviamo davanti a quell’importante monumento. Opere d’arte e architetture più o meno famose si percepiscono spesso solo come impressionanti scenografie, e il tempo della visita si consuma in pochi veloci gesti: inquadrare, scattare, postare.
Si tratta, con tutta evidenza, di un momento transitorio, effimero: la condivisione del nostro selfie diventa la parte essenziale il luogo diventa secondario, per quanto affascinate o famoso, tutto si riduce a un paradossale e grottesco scatto in cui lo spettatore diviene parte integrante dell’opera d’arte, con il ruolo di protagonista.
Ciò di cui si ha bisogno è attirare l’attenzione e l’unico requisito dell’opera è che sia fotogenica, stupisca, insomma che sia “instagrammabile”. Ma questo ha anche un lato positivo. Infatti, questo sempre più imperante bisogno di far conoscere il luogo in cui siamo, alimenta la curiosità e sempre più “influencer” sono attratti dalla voglia di immortalarsi proprio davanti ad un’opera d’arte o monumento. Tutto ciò potrebbe essere un potente strumento di diffusione culturale.
Sempre più musei, che prima proibivano di scattare le fotografie, adesso propongono loro stessi di fotografare le opere d’arte, inventano hashtag per pubblicizzare e sherare la mostra o l’evento del momento.
Questo è un modo diverso di avvicinare sempre più persone all’arte. Sicuramente molto diretto ed efficace.
Che sia artistico o meno, dunque, oggi il selfie rappresenta un mezzo creativo e per trasmettere un pensiero, uno stato d’animo, una condizione sociale. Un’autorappresentazione di sé che si trasforma, molto spesso, in performance di dubbio gusto, ma che se ben utilizzato può divenire un grande mezzo di diffusione di bellezza e cultura.
“Era uno di quei tanti collezionisti di enormimezzi, accortissimi nella gestione delle loroimprese finanziarie o commerciali, che mai e poi mai si sarebbero arrischiati a comprare un brillante da appena venti milioni da altri che da Bulgari o Cartier, e che invece, quando si trattava di spenderesommeben più rilevanti per dei quadri, si fidavano solo di sé stessi, del proprio occhio niente affatto educato ma, a loro parere, infallibile.”
Federico Zeri uno degli storici dell’arte italiani più conosciuti nel mondo (anche per essersi dimesso dal Consiglio di Amministrazione del Getty di Malibu’ in seguito all’acquisizione di un Kouros in seguito dimostratosi falso), instancabile ricercatore e esimio divulgatore, che ha lasciato alla sua morte nel 1998 una gigantesca fototeca all’Università di Bologna, si è addentrato più volte sul tema del falso nel mercato dell’arte.
Ma è forse nel romanzo giallo, ambientato nella Roma bene, e pubblicato appena prima della sua scomparsa “F. Zeri-Carmen Iarrera, Mai con i quadri. Romanzo, Milano, Longanesi, 1997”) che si lascia andare ad una confessione senza peli sulla lingua: collezionisti ricchi ma arroganti, mercanti senza scrupoli e professori conniventi, grazie ad un mercato senza regole e senza controllo, dove pure ci sono transizioni per milioni. Ma anche analisi che non perdonano… per chi si affida a professionistiseri.
Ecco qua ancora qualche estratto sfacciatamente impudente, per chi sa già e per chi ancora sogna…
Per questo, fidandosi del proprio fiuto (e dell’antiquario che riusciva ad entrare nelle loro grazie), sganciavano senza battere ciglio, rarissimamente chiedendo il parere di un esperto, somme astronomiche, così, sull’unghia, soddisfatti di aver messo le mani su una crosta qualsiasi che consideravano qualcosa di unico, raro, prezioso.
Soddisfattissimi poi se gli si dava ad intendere che il quadro era stato custodito da secoli presso una famiglia di antico lignaggio che lo cedeva a metà del suo valoro solo perché’ pressata da spiacevoli, contingenti, ineluttabili necessità finanziarie.
Vecchia tecnica, quella di “appoggiare” un quadro. Bastava trovarne uno adatto, farlo restaurare se ce n’era il bisogno, trovare un esperto che l’attribuisse ad un pittore più o meno illustre e avere la complicità di qualche nobile decaduto che, dietro percentuale, giurasse che quel quadro proveniva dall’antica, famosa raccolta del nonno o che era stato rinvenuto per caso, dopo decenni di oblio, in una sua vecchia dimora gentilizia di campagna.
(…)
Il falso ex novo oggi è molto difficile. Nei quadri, intendo dire, perché per esempio nelle sculture è facile. Basta fondere delle monete antiche per fare un bel frammento greco o romano il cui bronzo, naturalmente, risulterà antico a tutte le analisi. Oppure si prende un busto di marmo di buona fattura, si salva il viso e si scalpella bene il drappeggio, copiando per esempio lo stile dei drappeggi di Donatello e lo si attribuisce a lui o alla sua scuola. Solo un occhio estremamente esperto, a quel punto, potrebbe stabilire che la scultura è stata manipolata. Per la pittura no. Per la pittura è diverso perché’ le lampade al quarzo o i raggi infrarossi non perdonano.
“Quindi non si può imbrogliare”?
(…) “Chi vuol imbrogliare imbroglia lo stesso. Prende un quadro sciupato, a volte anche una crosta e lo corregge per farlo apparire di un altro autore. Oppure lo manipola.
(…)
Le faccio un esempio. Esiste una scuola di Siviglia. Sono tutte nature morte, dipinte su quadri orizzontali oblunghi. In genere rappresentano tavolini con tre gruppi di oggetti. Un cesto di frutta, che so, dei pani, delle mele cotogne.
Se abbiamo un mercante disonesto questo prende il quadro, lo taglia in tre pezzi, prende il cesto con le pesche e lo spaccia per una natura morta italiana, meglio lombarda, per esempio di Fede Galizai o di Panfilo Nuvoloni, e ci guadagna un sacco di soldi”.
“E non si vede?”
“Certo che si vede, basterebbe andare a guardare i margini per scoprire che la tela è tagliata ma chi lo fa?”
“Gli esperti”
“Buoni quelli. Cioè naturalmente ci sono quelli onesti e competenti, ma ci sono anche i cosiddetti esperti che non sono né questo né quello.
(..)
La maggior parte dei cosiddetti esperti lavora in combutta con gli antiquari e promuove delle vere e proprie patacche attribuendole a questo e quello e fa delle perizie piene di lacune dove ad esempio non specifica mai, e per mai intendo mai, lo stato di conservazione dell’oggetto”.
(…)
“E non c’è un controllo?”
“No. Perché’ non c’è un albo. E chi fa una perizia praticamente non ne risponde. Al peggio dice che si è sbagliato. Ne va del suo prestigio, ma in galera non ci finisce. Basterebbe fare una legge in cui si stabilisca che chi ha fatto una perizia risponde della metà del valoro che ha attribuito all’oggetto e allora sì che ci andrebbero cauti. Invece così come stanno le cose chiunque si può mettere lì e scrivere che una crosta è un capolavoro. Ci sono certi professori universitari che non negano una perizia e nessuno, e il più delle volte non ci pagano nemmeno le tasse”
Parte del nostro lavoro è quello di visitare quante più mostre possibili. Per questo ci siamo recati a Livorno. La città che diede i natali a Modigliani, espone le sue opere non molto lontano dal luogo in cui furono ritrovate le famose “teste”. Burla goliardica che, forse, segnò il destino delle opere di Modigliani, ovvero il costante dubbio sull’autografia.
Appena prima dell’entrata troviamo il “libro dei commenti” e subito ci salta all’occhio l’ultimo, che esternava grande delusione sull’impostazione della mostra. Varcata la tenda cerulea che ci separa dal primo pannello di presentazione, troviamo una carrellata di artisti, che con Modigliani condivisero non solo alcuni anni di produzione ma anche, galleristi, Zborowski, che lo stipendiò dal 1915 e collezionisti come Netter. L’importanza della collezione Netter, nella storia del nostro artista è particolarmente evidente in questa mostra e ben fa comprendere la dinamica di mercato che coinvolse Modigliani. La nostra attenzione si ferma su “Hanka Zborowska”(matita su carta, 42 x 26 cm),
su come il foglio utilizzato potesse essere parte di un blocco su cui Amedeo disegnava. Osservando la carta in leggera radenza è possibile vedere un segno, dovuto alla pressione della matita sul foglio precedente, verosimilmente un ritratto. Lo spazio riservato a Modi’ è il più intimo, forse troppo, solo un quinto delle opere esposte. Usciti da questa area, ci ritroviamo nuovamente tra i suoi contemporanei conservati presso le due grandi collezioni menzionate nel sottotitolo della mostra, Netter ed Alexander.
Usciamo nuovamente dalla tenda cerulea e ripensiamo al commento letto circa un’ora prima. In realtà anche a noi è rimasto un senso di incompiuto: ci ritorna alla mente “300 franchi al mese per il materiale occorrente, tele, colori” citato in uno dei pannelli esplicativi.
Ecco avremmo voluto sapere quali tele, quali colori. Per l’artista che vanta copie di alta e bassa qualità, e per il momento che vive il mercato dell’arte, ci sarebbe piaciuto poter godere di alcuni elementi scientifici che aiutassero a capire la sua tecnica e quindi la sua poetica.
Al nostro occhio sempre attento a scovar pentimenti e ripensamenti su le opere in mostra, non sono sfuggiti alcuni particolari. Vi lasciamo con qualche curiosità che speriamo voi stessi vogliate verificare.
Moïse Kisling – La Femme au pull-over rouge, 1917 Ph Art-test – Dettaglio del ripensamento
A Parigi per queste vacanze e non avete ancora prenotato per visitare la mostra su Leonardo?
Forse non tutti sanno che in contemporanea alla Galerie Sud-Est du Grand Palais c’è una sorprendente mostra su El Greco. Pittore europeo per eccellenza (anche nel nome: mezzo in spagnolo e mezzo in italiano ma che si riferisce inequivocabilmente ad un … greco), Domenikos dopo varie peripezie e scontri a corte, finisce nella austera Toledo a esercitare una pittura consapevolmente stravagante, con una tecnica unica.
Art-Test ha avuto modo di indagare nel dettaglio, oltre a numerose copie o opere dell’atelier, l’unico dipinto di El Greco della collezione degli UffiziSan Giovanni Evangelista e San Francesco d’Assisi, recentemente presentato allaconferenza internazionale dal titolo “El Greco in terre d’Umbria” dove è stato acclamato come opera ricercata e sicuramente autografa.
El Greco ha ispirato visibilmente tanti artisti ed è stato una vera star in passato. Adesso sembra un po’ negletto e di questa mostra, ad esempio, non sembra parlare nessuno. Ma per chi è in cerca di vera arte, non c’è solo il sommo Leonardo. Anche El Greco vale una gita a Parigi. Scioperi permettendo.
In Italia per questa occasione, ahimè, si sono organizzate solo mostre ancillari, la parte da leone la sta facendo la grande esibizione del Louvre.
In terra di Francia, dove Leonardo passa in realtà solo un paio di anni, per di più gravemente malato, e, appunto, ahimè, muore, sono confluite molte delle opere del genio italiano. Si é organizzata una celebrazione in grande stile, una mostra la cui visita va spesso prenotata in anticipo. Una mostra però senza grandi novità, se non si considera che “coraggiosamente”, come scrive Carmen Bambach su The Art Newspaper (Dec 2019), per illustrare il processo creativo dell’artista, sono state esposte anche alcune riflettografie. Le indagine presentate sono relative sia alle opera in mostra che non, come la riflettografia della Madonna delle Rocce della National Gallery, che in contemporanea, a Londra, ha una mostra tutta per sé, dove le indagini vengono presentate in dettaglio, ma dove purtroppo lo studio del diagnosta viene confuso con uno studio di restauro.
The Art Newspaper (Dec 2019) riporta inoltre che questo è stato l’anno con il numero maggiore di pubblicazioni su Leonardo (più di 250!).
Ma cosa abbiamo imparato di nuovo? Cosa sappiamo ora in più rispetto ad un anno fa?
Scrive Renato Barilli su Artribune (Nov-Dic 2019) “nessuno ha raccolto la mia ammonizione di togliere dalle sue opera sicure quanto meno la Belle Ferronière, di cui non c’è notizia ai suoi tempi, oltre al fatto di contraddire in pieno tutti i caratteri stilistici che di solito si attribuiscono al genio di Vinci.
Si sarebbero potute confrontare ad esempio le radiografie della Gioconda, del Musico e della Bella Ferronière (simili per dimensioni e supporto) (tutte le radiografie sono state pubblicate)
Leonardo da Vinci – Gioconda Ph Museo del Louvre e analisi Rx pubblicateLeonardo da Vinci – San Giovanni Battista Ph Museo del Louvre e analisi Rx pubblicateLeonardo da Vinci – Musico Ph Biblioteca Pinacoteca Accademia Ambrosiana e analisi Rx pubblicate
invece niente
Leonardo da Vinci – La Belle Ferronière Ph Museo del Louvre e analisi Rx pubblicate
Aspettiamo ora le scoperte relative alla lettura dell’Uomo Vitruviano promesse in due volumi editi da Giunti – il primo a gennaio – e in una grande mostra che avrà luogo a Cagliari nel maggio 2020 organizzata da Polo Museale Statale della Sardegna, tutto con il titolo ”L’inganno dell’Uomo Vitruviano. L’algoritmo della divina proporzione”.
“Rembrandt ha scelto di non utilizzare un nuovo pannello di legno, e quindi costoso, ma ha invece riutilizzato un pannello di rovere e ha ridipinto sopra una piccola figura in piedi di un uomo con cappello o elmetto”.
La XXXI edizione della Biaf, Biennale Internazionale dell’antiquariato di Firenze, ha preso avvio il 21 settembre e terminerà domenica 29, una delle maggiori mostre-mercato di arte antica, che ha rivelato non poche sorprese. Ovviamente Art- Test non poteva mancare!
Varcando la soglia di Palazzo Corsini si viene accolti da due lampadari scintillanti, disegnati da Carlo Scarpa e realizzati in vetro da Venini, ad indicarci il percorso da seguire della mostra. La suggestiva e storica location, unita alla bellezza dell’arte sembrano introdurci in un vero e proprio Museo: 77 gallerie, più 5000 opere esposte, tra le cui molte di gran pregio, degne di essere nelle sale delle pinacoteche. Anche quest’anno, la ricchezza e la qualità delle opere presenti in mostra confermano l’importanza della biennale fiorentina. Art-Test ha visitato la fiera e fra new entry e vecchie conoscenze, non solo per quanto riguarda le gallerie, ne conferma il fascino.
Aggirandoci fra gli stand ci siamo subito rese conto che fra gli antiquari sembra esserci soddisfazione, a confermarcelo i numerosi bollini rossi alle pareti. Sono stati fatti acquisti importanti, tra cui l’indubbia “stella” della BIAF; un dipinto di Daniele da Volterra Madonna col Bambino, San Giovannino e Santa Barbara, acquistato dalla Galleria degli Uffizi. A darne conferma è lo stesso direttore, Eike Schmidt. Secondo quanto viene pubblicato dal quotidiano La Repubblica (edizione di domenica 22 settembre 2019) pare che l’acquisto sia avvenuto per una cifra che si aggira intorno ai due milioni di euro. Il direttore ha precisato “abbiamo tre delibere, una dal comitato scientifico del CdA degli Uffizi, e una del Ministero, quindi sarà un finanziamento misto”. La Madonna col Bambino, san Giovannino e santa Barbara, opera del 1548 circa di Daniele da Volterra è stato esposto dalla galleria antiquaria Benappi. L’opera apparteneva alla collezione della famiglia Pannocchieschi d’Elci, insieme all’Elia nel deserto…che La Galleria fiorentina acquistò lo scorso anno, sempre da Benappi. Le due opere sono in questo modo riunite, ma in un contesto pubblico. Un’ acquisizione, questa, che va a completare un percorso appena intrapreso, come dichiara lo stesso Schmidt. Non solo Daniele da Volterra per le gallerie fiorentine: è stato, infatti, presentato il restauro del “Perseo e Andromeda” un rilievo in bronzo di Benvenuto Cellini, conservato presso il Museo Bargello, a cura dell’Associazione Antiquari d’Italia. In conclusione molte le opere di grandi valore, non solo italiane, sempre nel rispetto, però, del criterio di promuovere l’arte italiana e il suo mercato: tutte le opere in esposizione sono infatti state realizzate da maestri italiani o stranieri, che hanno avuto la possibilità di lavorare o avere un forte contatto in Italia. Sembra che si stia destando un nuovo interesse per l’arte antica e l’antiquariato, forse una rinnovata fiducia in un bene rifugio, che puo’ essere garantito, oltre che da una sicura provenienza, anche dal concerto di analisi stilistiche e analisi scientifiche.
Molto interessante è stato l’ingresso dell’arte contemporanea che ha saputo fondersi armoniosamente con il contesto di arte antica.
Quando pensiamo all’arte molto spesso la si relega all’interno di un museo: potrebbe sembrare vero, ma non è così. Ad esempio l’arte ha spesso incrociato il percorso del cinema, scambiandosi le suggestioni, e contaminandosi l’una con l’altro. E attraverso il set cinematografico, il pathos e il fascino dell’opera d’arte possono venire raccontati.
Recentemente la Grande Arte al cinema ha destato un crescente interesse. Il 2018 ha visto oltre 500.000 persone entrare nelle sale per i cosiddetti film evento a tema arte (dato fornito da Nexo Digital). Eppure fino a non molti anni fa era impensabile immaginare che i film di cultura potessero attirare un pubblico così numeroso. Ma il cinema ha i suoi vantaggi: l’opera d’arte viene raccontata e mostrata nel dettaglio, vengono narrati aneddoti quasi sconosciuti che attirano la curiosità dello spettatore. Nell’ultimo anno sono stati proposti numerosi titoli fra cui: Degas – passione e perfezione; Tintoretto – un ribelle a Venezia; Il Museo del Prado – La corte delle meraviglie, prossimamente l’Hermitage e molti altri ancora. Oggi, mercoledì 2 ottobre, In occasione del Cinquecentenario della scomparsa di Leonardo da Vinci, esce nei cinema italiani Io Leonardo (prodotto da Sky con Progetto Immagine, è distribuito da Lucky Red). Luca Argentero vestirà i panni del genio e la voce narrante di Francesco Pannofino ci guiderà attraverso le sue varie vicissitudini. Il film, che dovrebbe restare più di quslche giorno nelle sale, vuole essere, come si legge nella presentazione: “un affascinante racconto alla scoperta dell’uomo, dell’artista, dello scienziato e dell’inventore che accompagnerà lo spettatore in un’esperienza inedita e coinvolgente nella mente di Leonardo da Vinci, con uno nuovo sguardo molto lontano dagli stereotipi”. Leonardo viene raccontato dal regista, Jesus Garces Lambert, in un modo non convenzionale, oltre la sua maschera: passione, creatività e genio, ma anche inquietudine, irrequietezza e fragilità. La pellicola ha ricevuto il Patrocinio del Comitato Nazionale per le Celebrazioni dei 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci e del Comitato Scientifico del Palinsesto Milano Leonardo 500, nonché il Riconoscimento dell’Anno Europeo del Patrimonio Culturale. Ha ottenuto anche i Patrocini del Comune di Firenze, del Comune di Milano e del Comune di Vinci.
Ma cosa spinge questo forte interesse per i film d’arte? Dal nostro punto di vista il cinema ha l’indubbio fascino di riuscire ad immergere lo spettatore nella conoscenza: a far ascoltare e vedere una dimensione e un tempo sono altrimenti più complicati da comprendere. Il cinema è rapido e ci proietta all’interno della narrazione, un metodo immediato che stimola curiosità e interesse. Se ben utilizzate, queste pellicole, potrebbero divenire un potente mezzo per incuriosire e avvicinare un sempre maggiore numero di persone al patrimonio artistico e culturale di cui sono circondate, spingendole a visitare i musei in maniera più approfondita. In fondo vanno di pari passo con la crescente offerta di mostre d’arte “virtuali”.
Mercoledì 2 ottobre 2019, presso la casa d’aste Pandolfini a Firenze, si è svolta ARCADE, l’asta di dipinti dal XVI al XX secolo. A stupire è stato il lotto 168. Un dipinto, olio su tela, raffigurante un cane con candela e gigli. La base d’asta partiva 5.000/8.000 euro ed ha raggiunto l’incredibile cifra di 247.000 euro. L’autore? Juan de Pareja, il servo di Velazques, che il pittore ritrasse nel famoso dipinto conservato oggi a New York al Metropolitan Museum, e che gli permise l’ammissione all’Accademia Nazionale di San Luca a Roma. È probabile che l’acquirente, e gli altri che hanno gareggiato con lui/lei, ci abbia visto qualcosa d’interessante. Potrebbe aver pensato che l’opera sia stata eseguita da Velazques ma lui lo abbia firmato in altro modo, o forse che non sia stata una sola mano ad aver eseguito il quadro. Tutti quesiti leciti e molto interessanti e probabilmente risolvibili con una campagna diagnostica. Ad incuriosirci però non è stato solo questo dipinto. Infatti, siamo rimaste stupite, ad esempio, dal poco interesse riservato alla Crocifissione dipinta da Jorge Manuel Theotocópuli, il figlio di El Greco. Partiva da una base d’asta di 8.000 euro e ha raggiunto la modesta cifra di 10.000 euro. Sfogliando il catalogo un gran numero di quadri avevano destato il nostro interesse, ma sorprendentemente sono passati inosservati. I risultati d’asta dimostrano che una grande quantità di opere, oltre la metà, sono state invendute. Non ha giovato la vicinanza con la Biennale di Firenze? Ad attirare i compratori sono solo i grandi nomi? È questa la stagione degli affari o l’arte antica è destinata al dimenticatoio? Ai posteri l’ardua sentenza.
Nel contesto delle fiere dedicate alla patrimonio culturale e alla sua fruizione, Lucca Beni Culturali (LuBeC), giunta alla XV edizione, si è ritagliata un ruolo specifico. La sua originale e originaria vocazione è partecipare al dibattito tra pubblica amministrazione e impresa e generare azioni concrete per una cultura che produca ricchezza non solo economica ma anche, obiettivo più arduo, sociale.
Il panorama della gestione del patrimonio culturale pubblico sta inevitabilmente cambiando e LuBeC mette a fuoco questa trasformazione in diversi ambiti.
La crescente digitalizzazione, con nuovi strumenti e modi di gestione e fruizione, è affrontata nel settore “digitalizzazione, archive e open data”.
Le riflessioni affrontate negli altri ambiti proposti, prendono in esame la necessità di adattarsi a questo cambiamento e gestirlo al meglio, garantendone la sostenibilità economica, sociale e ambientale e promuovendo la partecipazione pubblica alle attività culturali.
Diventa rilevante chiedersi quanto l’industria cultura potrà essere incisiva sugli equilibri di economici e sociali di una città ovvero quanto il voler rendere tutto “fruibile” al turista, soprattutto in alcune località già sature, comporterà per il cittadino di sentirsi estraneo al suo territorio. A questa riflessione si lega inevitabilmente la visione di museo come hub culturale e centro di formazione sociale e quindi luogo in cui formare la coscienza dei cittadini. Questo, in particolar modo, potrebbe essere la missione dei musei civici. La difesa del territorio e la sua valorizzazione passano infatti inesorabilmente attraverso la conoscenza della propria storia da parte dei cittadini. Un obiettivo raggiungibile utilizzando ad esempio anche nuovi strumenti come la gamification, di sicura presa, soprattutto sulle nuove generazioni.
Tutti i temi proposti in questa edizione sono, anche, in linea con L’Agenda Europea della Cultura. LuBeC contribuirà così al dibattito internazionale su quali possano essere le sinergie da mettere in atto per contribuire al buon funzionamento del cardine cultura come ingranaggio fondamentale del buona vita di una società.
Anche se il settore in generale appare un po’ in crisi, sono ancora abbastanza numerose le fiere che vengono organizzate sul restauro, in Italia e nel mondo. Nel nostro paese quest’anno ce ne saranno due a distanza di pochi mesi.
Del Salone Internazionale del Restauro di Ferrara, dal 18 al 20 settembre, salta all’occhio il progetto RESTAURO MADE IN ITALY L’obiettivo è quello di ottenere visibilità a livello internazionale e ribadire l’Italia come uno dei punti di riferimento mondiali. Un tentativo lodevole che d’altro canto la dice lunga sul colpevole declino che si è registrato negli ultimi anni. Nell’ambito della nuova strategia del Salone sarà anche inaugurata, dal 15 al 21 settembre, la prima edizione della Restoration Week, che vedrà il lancio dell’APT (Association of Preservation Technologies) – European Chapter. Una nuova esperienza di network europeo per il restauro e della valorizzazione dei beni culturali. Segnaliamo anche l’interessante convegno “The meaning and marketing of restoration in Italy and target Countries: an overview”, giovedì 19, dove verrà discusso il significato del termine “restauro” nelle accezioni dei vari paesi.
L’appuntamento con il Salone dell’Arte e del Restaurodi Firenze , è invece dal 13 al 15 maggio 2020, a Palazzo dei Congressi.
La 1° edizione di FLORENCE HERI-TECH – The Future of Heritage Science and Technologies, di due anni fa, ha accolto tra i maggiori ricercatori e studiosi da ogni parte del mondo, per presentare e discutere tecniche e tecnologie innovative. I contributi proposti furono ben 180, con il coinvolgimento di Istituzioni pubbliche, Università, Aziende e Musei. Nella scorsa edizione Art-Test Firenze, che da sempre partecipa attivamente alla ricerca, aveva presentato ben 4 articoli, ed è stata premiata “per l’impegno e lo studio costante nella ricerca di nuovi approcci scientifici” con il PremioPalazzo Spinelli sezione “Ricerca e Sviluppo di nuove tecnologie qualificate ai beni culturali” Stiamo ancora preparando il contributo per l’edizione 2020, e sapendo che Firenze diverrà il cuore internazionale del restauro e dei beni culturali, saremo orgogliosi di farne parte.
Il prossimo 21 settembre, a sessanta anni dalla prima edizione, in un contesto molto diverso da quello in cui i fratelli Bellini la fanno nascere, prenderà avvio la BIAF, Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze.
La città ospiterà per due settimane, facendo leva anche sul suo fascino, come in passato, mercanti d’arte e collezionisti provenienti da ogni parte del mondo.
Anche se il settore antiquario, e Firenze, non sono più quelli in cui ad esempio vive e muore (proprio l’anno della prima edizione) Bernard Berenson.
Le settantasette gallerie che partecipano quest’anno sono infatti specializzate in vari settori tra cui anche l’arte contemporanea. Impensabile ai tempi in cui “I pittori italiani del Rinascimento” del connoisseur lituano diventava un bestseller internazionale.
La peculiarità della BIAF rimane quella di promuovere l’arte italiana e del suo mercato.
I dipinti, le sculture, i disegni, le opere e tutti gli oggetti d’arte in mostra sono infatti realizzati da maestri italiani o da artisti stranieri che hanno avuto modo di lavorare in Italia.
I connoisseur come Berenson, che accesero l’interesse per l’alta epoca italiana, sessanti anni fa erano autorità incontrastate nell’attribuzione delle opere. Anche questo è cambiato oggi.
Le opere delle fiere internazionali più prestigiose, sono ammesse alla vendita dopo avere passato uno scrutinio attento, fatto anche con mezzi scientifici. Il cosiddetto “vetting”.
Anche la BIAF si è dotata di comitato di Vetting. Suddiviso in 3 commissioni: Pittura e i Disegni, Scultura e Mobili e le Arti Decorative e formato da restauratori e storici dell’arte di fama internazionale, con un’indubbia conoscenza e un’autorevole preparazione.
Dispiace constatare come tuttavia la diagnostica scientifica sembri ancora assente da questa procedura, indispensabile invece per garantire ai compratori la massima sicurezza.
Ma la diagnostica offre comunque più di questo. Come dice Maurizio Salomon, storico dell’arte e gallerista, in uno degli spot realizzati per promuovere la fiera #amolarteperche, il desiderio di fare una scoperta è la spinta che muove l’appassionato. Trovare un pentimento, un disegno preparatorio, dettagli che non sono visibili ad occhio nudo, ti fa innamorare. Poche occasioni al mondo consentono di avere questo tipo di sensazione, di speranza, di sogno. E questo è ancora uguale a di sessanta anni fa.
Non fare la diagnostica ti costa! I costi di una campagna diagnostica per l’autenticazione di un dipinto possono sembrare alti, ma sono sempre un buon investimento. Senza che un dipinto abbia passato positivamente una serie di test per determinare la compatibilità di metodi e materiali con il periodo o l’autore apparente, si rischia di incappare in una frode, che può essere milionaria e tranne in inganno anche case d’asta del calibro di Sotheby’s.
La possibile truffa che ha condotto all’arresto sia del pittore che del mercante e collezionista implicati, riguarda un totale di oltre 200 milioni di euro, ed autori notissimi e molto studiati, da El Greco a Frans Hals. Naturalmente non è né il primo né sarà l’ultimo raggiro, le cronache riportano sempre più frequentemente di casi simili. Di opere false in vendita è pieno il mercato. Contraffazione e ricettazione di opere possono però venire scoperti e hanno prodotto altri arresti recentemente a Bologna
Come fare per non rischiare l’incauto acquisto? Investire in analisi scientifiche, serie e presso un laboratorio qualificato e non coinvolto nel mercato. È un investimento, non un costo. Non costa la diagnostica, costa non farla!
Nel 2006 esce “Il Caravaggio perduto”, di J. Harr. Il volume parla del ritrovamento di un dipinto di Caravaggio di cui si erano perse le tracce da secoli. I protagonisti sono un grande storico dell’arte e una neolaureata romana, che scopre nell’archivio inaccessibile e dimenticato della famiglia Mattei, a Recanati, la prova che un originale di Caravaggio (la Cattura di Cristo: Gesù circondato da soldati e baciato da Giuda) era stato venduto nel 1802, con un’attribuzione errata, a un gentiluomo scozzese. Non è una fiction, è più o meno la cronaca di quello che è avvenuto qualche decina di anni fa.
E così la versione ora a Dublino, assurse ad originale, dopo essere entrata in collezione come Gerardo delle Notti. Un soggetto splendido di cui esistono numerosissime versioni.
Una ora è esposta a Palazzo Pitti, e un nuovo volume, La Cattura di Cristo da CaravaggioUn recupero per le Gallerie degli Uffizi, ed Sillabe, raccoglie gli studi, storico artistici e scientifici effettuati sulla tela precedentemente in deposito presso la Caserma Baldissera dei Carabinieri a Firenze.
Grazie alle accurate ricerche che costituiscono il cuore del volume, è stato possibile accertare la provenienza della tela dal castello lorenese di Commercy, non lontano dal Musée des Beaux-Arts di Nancy dove è custodita un’Annunciazione di Caravaggio probabilmente commissionata dal Duca di Lorena. Lo stesso castello da cui arrivarono a Firenze, nel 1737 quando gli Asburgo-Lorena presero la reggenza del Granducato di Toscana, anche altre opere destinate alle collezioni granducali fiorentine.
Le analisi scientifiche sul dipinto sono state realizzate da Art-Test e ci hanno riservato numerose interessantissime sorprese, a partire da una versione diversa del soldato, ora nascosta e rivelata dalla radiografia. Una cosa è certa, sentiremo ancora parlare di questo dipinto. Restate sintonizzati!
Come già annunciato nella scorsa newsletter, Art-Test sarà corpo docente del master TECNICHE DI ANALISI NON INVASIVE PER LE INDAGINI SUL PATRIMONIO CULTURALE: LE OPERE PITTORICHE organizzato dal Centro per gli Studi Criminologici. Vi siete chiesti come fare a indagare se un dipinto è autentico o un falso intenzionale? È il master che fa per voi. Vedrete tutto con occhi diversi. Quando andate ad una mostra o ad una fiera l’occhio vi cadrà su dettagli che non avevate notato prima e magari assumeranno significati diversi.
Il master vi guiderà ad un diverso approccio all’opera, spiegandovi quali sono le tappe fondamentali partendo da un corretto Condition Report, la cui redazione prenderà in considerazione l’analisi di tutti i componenti dell’opera ovvero il supporto (tela, tavola, carta), telaio e i materiali pittorici (preparazione, imprimitura, film pittorico, vernici, ritocchi da restauro). Redigere in maniera efficace questo tipo di documentazione, unitamente ad interpretare correttamente le problematiche che si propongono nell’indagare ogni opera specifica, saranno il punto di partenza di un progetto diagnostico sufficiente a rispondere a tutti gli interrogativi posti. Strumentazione scientifica di avanguardia e la conoscenza dei limiti e delle possibilità di ciascuno strumento, faranno il resto. Grande rilievo sarà dato allo studio delle fonti scientifiche e di letteratura artistica, ausilio indispensabile per la corretta lettura dei dati scientifici.
Concludiamo indicandovi qualche altro piccolo esempio delle domande che potremmo porci partendo dalla semplice osservazione di un’opera. Abbiamo preso spunto da alcune opere pittoriche, che ci hanno incuriosito, presentate all’ultima edizione di TEFAF, conclusasi pochi giorni fa.
Una nuova politica di verifica dell’autenticità delle opere la vera novità di questa edizione del TEFAF. Non sempre efficace.
Domenica 24 Marzo si è conclusa la 32 esima edizione del Tefaf Maastricht, che anche quest’anno si è confermata la fiera d’arte e d’antichità più prestigiosa al mondo. In Olanda era il primo irrinunciabile appuntamento – poi sarà il turno di New York Spring e New York Fall.
Non siamo ancora mai state alle edizioni americane, ma in tre siamo arrivate a Maastricht per 8 ore di visita senza pause. 279 espositori (38 sono le new entries) con capolavori e rarità provenienti da ogni parte del mondo. Con 97 espositori, la sezione di arte antica, rimane la più affollata. Ma la fiera mostra anche una maggiore e chiara apertura a nuovi partecipanti nella sezione dedicata alle ricerche contemporanee e accoglie per la prima volta nomi di gran calibro, tra cui Pace Gallery, Kamel Mennour, Almine Rech e Sprüth Magers.
TEFAF MAASTRICHT VETTING COMMITTEE
Il 2019 segna alcune novità di grande rilievo soprattutto per quanto riguarda la nuova politica di valutazione delle opere d’arte proposte, il vetting.
Fino allo scorso anno il comitato di selezione era composto da 189 esperti attivi in 29 categorie, che analizzavano le opere da esporre: veniva attuata una verifica qualitativa della provenienza e dell’attribuzione. I comitati si avvalevano dell’ausilio di tecnologie e apparecchiature: microscopi, riflettografia, radiografia. Con questa strumentazione, e con l’esperienza, i comitati si ritenevano in grado di valutare anche lo stato di “salute” delle opere. Fondamentalmente il vetting selezionava le opere in base a qualità, autenticità e condizioni e in caso di dubbio l’oggetto veniva rifiutato. È probabile che tutto questo non fosse abbastanza per garantire trasparenza e soprattutto per esprimere dei giudizi oggettivi di valutazione.
Il cambiamento è avvenuto con l’istituzione di un comitato per il vetting capeggiato da Wim Pijbes, direttore generale del Rijkmusem di Amsterdam dal 2008 al 2016, che al Tefaf arriva con il ruolo di Global Chairman. É previsto un quasi totale divieto d’accesso ai comitati di vetting per galleristi, mercanti d’arte, dealer e esperti di case d’aste; questi possono essere consultati, ma non hanno più diritto al voto nella fase di selezione. Gli advisors del Tefaf hanno infatti ritenuto opportuno che i comitati fossero del tutto esenti da qualsiasi tipo di interesse commerciale.
Gli esperti utilizzati quest’anno sono oltre 180, provengono da 114 istituzioni e 14 Paesi differenti. 5 provengono dall’Italia: Francesca Baldassarri, Università Di Padova; Prof. Dr. Riccardo Lattuada, DILBEC, Università degli Studi della Campania “L. Vanvitelli” Santa Maria Capua Vetere (CE); Prof. Dr. Mauro Natale, Università di Genova; Prof. Carlo di Fabio, Arte Medievale, Università di Genova; Enrico Colle, Direttore del Museo Stibbert, Firenze.
COUP DE COEUR
Visitando gli stand abbiamo avuto modo di vedere numerosissimi capolavori, tra cui abbiamo eletto, a nostro insindacabile giudizio, come più intriganti, un romantico e delicato dipinto di Pierre-Auguste Renoir Jeune Filles aux Lilas esposto da Richard Green allo stand 302;
Pierre-Auguste Renoir Jeune Filles aux Lilas
Olio su tela, cm 54,9 x45,7
1890 circa
Richard Green, Stand 302
proseguendo il nostro peregrinare, ad attirare i nostri sguardi è stato Luca Giordano con la sua Salomé, un’opera appartenente all’ impetuosa fase giovanile di sperimentazione, in cui la figura è immersa in un vigoroso chiaroscuro, proposta da Lullo-Pampoulides, stand 368.
Luca Giordano Salomé
Olio su tela, cm 101 x 75
1660-70 circa
Lullo-Pampoulides, stand 368
Siamo poi rimasti piacevolmente meravigliati dal ritrovare in fiera sia il disegno preparatorio, presentato da Arnoldi-Livie di Monaco (stand 339), che il dipinto (o almeno uno degli 8 conosciuti con medesimo soggetto) La Lecture (Deux Fillettes, bouquet des pivoines sur fond noir) di Henry Matisse esposto da Hammer Galleries di New York (stand 406).
Henry Matisse, La Lecture
Matita su carta,
Arnoldi-Livie di Monaco, stand 339
Henry Matisse, La Lecture (Deux Fillettes, bouquet des pivoines sur fond noir)
Olio su tela, cm 46×55,2
1947
Hammer Galleries New York, stand 406
Con molto piacere abbiamo ritrovato anche alcuni “vecchi amici”: opere analizzate da Art-Test in passato: ben più di dieci opere molto prestigiose.
La garanzia di autenticità rimane un fattore determinante per il commercio di opere di tanto valore. E riteniamo che la diagnostica scientifica, con analisi accurate e totale trasparenza sia il miglior veicolo per restituire fiducia al mercato.
Il mercato dell’arte è in perenne trasformazione. La maniera di collezionare si è evoluta in questi ultimi anni, allontanandosi dalla specializzazione verso una commistione di generi, alla ricerca di epifanie e corrispondenze di amorosi sensi.
La Bruxelles Art Fair (o BRAFA) 2019 recentemente conclusasi, ha pienamente colto questa tendenza.
Da sempre eterogenea, con venti specialità diverse, a coprire gli ambiti più vari, dall’archeologia ai nostri giorni, senza raggruppamenti in sezioni all’interno della mostra, (come invece al TEFAF, per esempio), alla BRAFA si era già visto l’anno scorso in nuce il concetto di Wunderkammer proposto dalla nuova arrivata (italiana, di Arezzo) Theatrum Mundi. Idea che quest’anno è stato la cifra più riconoscibile della fiera.
In un momento di rapida espansione degli orizzonti, grazie alle scoperte geografiche e scientifiche, raccogliere e mostrare le meraviglie naturali e artificiali era lo scopo degli studioli rinascimentali come dei gabinetti delle curiosità, che nei secoli XVI e XVII comparvero presso le casate altolocate, spesso un primo passo verso la costituzione di musei.
Dell’idea originale rimane la voglia di stupire, ma la spinta attuale sembra più la voglia di mescolare, di una sorta di globalizzazione, ma anche un reclamare il diritto a ribaltare la gerarchia dei valori classici e mettere in discussione la divisione in generi; forse un rifiuto ad accettare una visione ordinata del mondo che in fondo ha fallito.
La risposta all’eclettismo del gusto attuale si è vista in molti espositori che hanno declinato il concetto di Wunderkammer proponendo oggetti curiosi, anche per attirare un collezionismo nuovo, con prezzi abbordabili ma di gusto ricercato, diversi dalle opere di arte contemporanea a cui solitamente il pubblico più giovane si rivolge. Ma anche nella raccolta, in un stanza delle meraviglie, dei pezzi più prestigiosi mai trattati, proposta dalla Royal Chamber of Art Dealers of Belgium, per celebrare i 100 anni dalla fondazione.
L’altro aspetto notevole di questa edizione rimane il passaggio graduale ma inesorabile verso il contemporaneo. Le gallerie di arte contemporanea anche se ancora non più numerose di quelle di arte antica, sono più grandi e più visibili.
Il presidente di BRAFA sostiene che sia difficile rinnovare e ampliare la proposta di arte antica. Le candidature di qualità in questo settore sono numericamente inferiori a quelle di arte contemporanea e moderna. Unica eccezione è stata quest’anno la Galleria di Sandro Morelli (italiana di Firenze) nuova entrata con opere di arte medievale.
Nel report pubblicato sul sito si legge che Morelli ha venduto una cassaforte lombarda in legno tardo quattrocentesca, il cui prezzo era circa 120.000 euro. Interessante il confronto con le performance degli altri espositori e in generale il gran numero di vendite occorse, molte di alto livello qualitativo.
E se nell’epoca passata l’emozione della meraviglia era affidata spesso ai “famous Hoaxes” (falsi appositamente costruiti), adesso si cerca invece di evitare il rischio di falsi alla BRAFA con una commissione di 100 esperti a coprire le varie discipline.
Tuttavia in un solo caso si è riscontrato come i risultati delle analisi fossero esposti (un’analisi al C14 per confermare la datazione di una Madonna cinquecentesca).
L’attrazione per i piccoli oggetti curiosi può anche dipendere dal fatto che non si vuole rischiare grandi somme in beni di cui non si è in grado di stabilire con assoluta certezza il valore?
Pezzi da museo anche quest’anno alla BRAFA a Bruxelles. Lontani dalla spocchia di TEFAF, i Belgi continuano ad attrarre sempre più visitatori (64mila contro i 61mila dell’edizione 2017) e a proporre oggetti molto interessanti.
La star dell’esposizione è sicuramente un RUBENS, riscoperto recentemente, dopo essere apparso in asta da Christie’s a Parigi nel 2015, ma con una attribuzione a “Paul de Vos e atelier Rubens”.
Un occhio attento, e probabilmente una consultazione del “Corpus Rubenianum” dove il dipinto era presentato come van Thulden, hanno spinto Klaas Muller ad aggiudicarsi l’opera per 145.000 euro.
Le analisi e il restauro hanno poi fatto il resto. Numerosi pentimenti, il tratto sicuro di Rubens e il modus operandi che vede i migliori dell’atelier di Rubens lavorare secondo le proprie specialità: Rubens le figure, Paul Vos gli animali e Jan Wildens il paesaggio. Si pensa sia il pendant, realizzato per il nunzio papale in Olanda, Gian Francesco Guido di Bagno, del dipinto Caccia al cinghiale caledonio, tuttora disperso.
Non solo Rubens, ma anche Jacob Jordaens, e molti altri fiamminghi, insieme a arte moderna, tra cui spiccano diversi Leger (ne abbiamo contati almeno 6) in omaggio alla mostra che inizierà a breve a Bruxelles, e tanta arte contemporanea. Ma anche arte africana, gioielli da far girare la testa, archeologia e design. 10000 oggetti di tutti i prezzi dal migliaio di euro ai milioni. Aspettiamo adesso di sapere quanto sia stato il successo in termini di vendite.
La IV edizione del Master in archeologia giudiziaria e crimini contro il patrimonio culturale, con sede a Roma, inizierà a marzo 2018.
Questo corso, organizzato dal CSC, Centro per gli Studi Criminologici, giuridici e sociologici, di Viterbo, in collaborazione con Osservatorio Internazionale Archeomafie, vuole preparare figure professionali sugli obiettivi, modus operandi, strategie e dinamiche di organizzazioni criminali dedite al furto ed al traffico illecito internazionale di beni culturali. Dallo scorso anno Art-Test ha il piacere di far parte del corpo docenti del Master, che comprenderà sia incontri formativi, in aula e sul campo, sia lavoro individuale di formazione a distanza e ricerca.
Dalla II edizione, parte dell’insegnamento si incentra sulle tecniche scientifiche di valutazione e riconoscimento di opere d’arte; ed è qui che Art-Test contribuisce alla didattica di questo corso.
A gennaio e novembre 2017 abbiamo parlato delle tecniche scientifiche utilizzabili per la datazione di beni artistici ed architettonici, e dell’uso di analisi strumentali per l’individuazione di provenienza e il riconoscimento di falsi. Art-Test ha presentato numerosi casi studio, per dimostrare come suddette tecniche siano impiegate in situazioni reali. Abbiamo sottolineato l’importanza di una corretta e attenta interpretazione dei dati, che necessita sia di minuziose comparazioni tra i diversi tipi di analisi effettuate, sia della conoscenza e considerazione dei limiti di ogni tecnica scientifica. Fondamentale, inoltre, è la formulazione di un piano diagnostico step-by-step, accuratamente preparato in base ad ogni situazione.
A cosa servono le mostre? Ad allungare il CV dei curatori o ad offrire occasioni di approfondimento per tutti, dagli studiosi ai semplici appassionati?
Nel caso della mostra“La Strage degli Innocenti. Manifesto del Raffaellismo di Guido Reni”, inaugurata il 13 gennaio e aperta fino al 18 febbraio ad Aosta, non ci sono dubbi.
La mostra organizzata grazie alla sinergia del Polo Museale dell’Emilia Romagna e l’Assessorato alla Cultura della regione autonoma della Valle d’Aosta, ha un fine, come dichiarato dallo stesso Soprintendente dr Mario Scalini, didattico, nel senso più alto del termine.
Oltre alla possibilità di ammirare capolavori assoluti, viene proposto uno studio delle fonti a cui attinge il Guido bolognese, implicite ed esplicite, leggibili nel capolavoro di Guido Reni e nel confronto diretto con opere esposte insieme. Poche opere, ma ben spiegate.
Per comprendere e illustrare il raffaellismo di Guido viene infatti esposta (per la prima volta!) un’opera di Raffaello: “La Perla di Modena”. E questa è corredata dalla campagna diagnostica eseguita da Art-Test Firenze .
La piccola tavoletta, scoperta nel 2010 nei depositi della Galleria Estense di Modena, è stata indagata con metodi scientifici , e i risultati sono stati confrontati con quelli di altre opere dell’Urbinate e con quelli relativi alla Madonna della Perla di Madrid. Tutto questo è presentato con grande chiarezza e obiettività.Contro le mostre, quindi, come scrive Montanari? Assolutamente no. E se andate ad Aosta fateci sapere.
Negli ultimi 5 mesi Art-Test si è resa disponibile ad accogliere, a gruppi di 2-3, un’intera classe del Liceo Linguistico Carlo Livi di Prato, per il progetto di Alternanza Scuola Lavoro.
Leggere che molti studenti sono scesi in piazza, gridando contro questo “sfruttamento” da parte delle aziende, ci ha meravigliato e anche un po’ preoccupato.
Il progetto, nel nostro caso, è stato pensato per fornire agli studenti non solo un primo sguardo all’interno di una realtà lavorativa, ma anche una attività vicina a quelle che potrebbero essere le loro mansioni future in ambito lavorativo. Art-Test per i propri ospiti ha creato una rubrica social sulla propria pagina Facebook: “Ai quattro venti. Notizie dal mondo dell’arte in quattro lingue”.
Agli studenti è stato spiegato come si fa una rassegna stampa, come sia necessario controllare le fonti e come fare ad approfondire una notizia per rielaborarla e poter pubblicare un piccolo contributo, tradotto in 4 lingue, su uno dei nuovi mezzi di comunicazione.
Siamo sicuramente stati fortunati. Abbiamo per lo più incontrato ragazzi curiosi e disponibili ad imparare. Se ve ne sarà occasione ripeteremo questa esperienza perché ci richiede sì impegno ma riteniamo sia giusto offrire ai ragazzi queste opportunità; crediamo di aver trasmesso qualcosa e speriamo di aver gettato qualche seme. Senza sfruttare nessuno. Anzi.
Pare che nessuno della classe abbia scioperato. Meno male!
Il prossimo Salone dell’Arte e del Restauro di Firenze si terrà dal 16 al 18 Maggio 2018, presso il Palazzo dei Congressi. La novità di quest’anno è che, in concomitanza, si svolgerà la conferenza scientifica Florence Heri-Tech (deadline per la sottomissione degli abstract: 15 Nov 17). Un evento che richiamerà nella città d’arte scienziati di livello internazionale a discutere dei temi di ricerca legati alla conservazione, alla diagnostica e alla fruizione dei beni culturali. Un approccio mai veramente tentato prima, diverso dagli usuali eventi a corredo, con presentazione dei restauri o di nuovi dispositivi, e l’attenzione rivolta agli operatori. La conferenza Heri-tech darà l’opportunità ai restauratori e ai funzionari delle Soprintendenze, che solitamente frequentano il Salone, di confrontarsi con i risultati più all’avanguardia della ricerca, e ai ricercatori di entrare in contatto diretto con gli utenti finali dei loro studi. Ci auguriamo veramente che questa cross fertilizzazione avvenga, per il bene del settore che ha bisogno di visibilità e di scientificità vera, non solo di facciata. Il comitato organizzatore scrive di proporsi anche di “creare le condizioni per l’ingresso dei neo laureati nel mondo del lavoro”. Ma questo probabilmente non in Italia, dove la situazione è paradossale, grazie gli enti pubblici che prima formano e poi talvolta fanno concorrenza sleale agli operatori privati, offrendo servigi sottocosto, grazie al fatto che comunque non devono vivere di questo.
Un cinquecento fiorentino da brividi in mostra a Palazzo Strozzi a Firenze con alcuni capisaldi dell’arte occidentale, tra cui le enormi pale d’altare Deposizione dalla croce di Volterra del Rosso Fiorentino (1521), Deposizione di Santa Felicita del Pontormo (1525-1528) e il Dio fluviale di Michelangiolo (1526-1527) in terra cruda, anzi in argilla, terra, sabbia, fibre vegetali e animali, caseina, su anima di filo di ferro. Insomma una sorta di bozzetto, dove di nobile e ricercato c’è solo la straordinaria mano dell’inarrivabile Buonarroti.
La rassegna celebra una stagione unica e difficile, segnata da un lato dall’eredità dei maestri, con cui era impossibile competere, e dall’altro dagli esiti del concilio di Trento che impone nuove prescrizioni sull’assetto delle chiese, ovvero niente tramezzi, a dividere i laici dai religiosi, e nuovo assetto per le cappelle laterali, per le quali si commissionano nuove grandiose pale con episodi sacri facilmente comprensibili e personaggi in abiti moderni per l’immedesimazione dei credenti.
Nuovi linguaggi dei pittori e nuove tecniche, che purtroppo non sono state indagate in occasione della mostra. Le indagini diagnostiche citate sono per lo più datate e non vengono esibite. Allora Art-Test vi propone un dettaglio della riflettografia, realizzata in altra occasione, del Compianto su Cristo morto di PietroCandido (Pieter de Witte; Bruges 1548 circa-Monaco di Baviera 1628), ante 1586, olio su tavola, cm 298,5 x 183. Volterra, Pinacoteca e Museo Civico, ora in mostra. Un’opera splendida e visionaria di un artista nato nelle Fiandre, formatosi a Firenze, attivo a Volterra, e divenuto celeberrimo a Monaco, al servizio del Duca di Baviera. Pochissimo disegno preparatorio ma molti ripensamenti in corso d’opera. Intrigante, vero?
Se siete interessati all’intero o ad altre riflettografie da noi realizzate, non esitate a contattarci per verificarne disponibilità ed eventuale costo.
Il “Salvator Mundi” recentemente riscoperto e attribuito a Leonardo va in asta da Christie’s con una stima di circa $100M. Verrà venduto? Tornerà in Italia? Con tutti i riflettori del mondo dell’arte puntati su questo dipinto, naturalmente, si sono aperte le danze sulla validità dell’attribuzione. Un critico punta il dito sui presunti errori nella rappresentazione della sfera che il Cristo regge con la mano sinistra. La sfera non distorce l’immagine, come sarebbe in natura. Ma, a parte che esistono alcune copie che rappresentano una sfera simile, sembra non si tengano in considerazione i risultati tecnico scientifici, presentati da D. Modestini – che ha diretto il restauro – in occasione della grande esposizione monografica londinese. Durante l’intervento è stato illustrato come una parte notevole del dipinto fosse danneggiata e come nella zona della sfera siano andate perdute per la maggior parte le velature originali che la costruivano. La Modestini scrive nel volume “Leonardo da Vinci’s technical practice”, (edito da M. Menu, Hemann editori), che sono rimasti solo alcuni tocchi chiari, probabilmente relativi alle riflessioni di una luce esterna ora purtroppo fuori contesto. Scrive anche che le inclusioni tipiche del cristallo di rocca, rimaste visibili nella parte che copre la mano, sono dipinte con cura maniacale e portano sicuramente a Leonardo. Quindi proprio la tecnica adoperata per la sfera sosterrebbe l’autografia. Per quanto riguarda gli altri risultati scientifici, si sono indagati i materiali utilizzati, su ben 8 microcampioni prelevati, e si è riscontrata una doppia stratigrafia di gesso e colla per la preparazione, e poi vari tipi di nero, lapislazuli, lacca, bianco di piombo e cinabro per i carnati, e un bel po’ di vetro usato probabilmente come siccativo. Quinti tutto compatibile, come da Trattato della pittura. Una curiosità: il fondo probabilmente non era nero come adesso, ma verde. Le indagini ad immagine hanno poi mostrato qualche piccolo pentimento, ad esempio nella posizione del pollice della mano benedicente. Dati sufficienti per considerare originale il dipinto? Sicuramente più fondati di quelli relativi ai presunti errori stilistici nella sfera. Art-Test ha lavorato su diversi dipinti di Leonardo, come il Musico dell’Ambrosiana (i cui risultati diagnostici sono stati presentati alla stessa conferenza a Londra), la Scapigliata ed altre opere attribuite, come il Cristo Caprotti. A dirla tutta, ci saremmo aspettati un disegno preparatorio più complesso. Forse non siamo soli e forse per questo gli esperti di Christie’s scrivono di “molti cambiamenti, grandi e piccoli” e dello “spostamento drammatico” della posizione del pollice con un po’ troppa enfasi.Per un confronto con un’altra riflettografia cliccate qui.
Sarebbe comunque bello se tornasse in Italia. Ma non sembra ci creda nessuno.
Arte e scienza possono essere vicini in molti modi. Vi segnaliamo questa mostra: Elegance from the East, new insights from old porcelain (Indianapolis Museum of Art, fino al 22 Ottobre), dove si esplora la popolarità e la varietà di oggetti di porcellana cinesi prodotti per l’esportazione verso occidente nei secoli XVII e XVIII. Gli artisti cinesi hanno adattato forme e decorazioni tradizionali ai gusti commerciali europei e americani. In fondo le sensazioni e le motivazioni umane non sono poi così diverse oggi, secondo quanto illustrato da Shirley M. Mueller, che indaga gli aspetti legati in questo ambito alle neuroscienze.
Chi ha dipinto la “Pietà di Marcialla”? Se ne parla da molti anni, ma solo il 9 Maggio scorso sono state condotte le prime analisi sul dipinto conservato nella chiesa di Santa Maria a Marcialla, piccola pieve della provincia fiorentina.
Alcuni studiosi ritengono che il dipinto sia opera di Michelangelo Buonarroti e finalmente il Comune di Barberino Val d’Elsa ha deciso di fare chiarezza, promuovendo studi oggettivi, condotti con apparati scientifici. Art-Test Firenze, incaricata di analizzare il dipinto, ha preliminarmente confermato la presenza di molte incisioni sotto la pittura, dovute al riporto sull’intonaco del cartone preparatorio dell’opera e l’esistenza di alcuni pentimenti, come il braccio e la gamba sinistra di Cristo dipinti più in basso rispetto all’idea originaria. Da un primo attento esame del dipinto sono anche apparsi nuovi particolari, come il dettaglio di una città cinta di mura con torri, situato tra il buon ladrone e la Madonna.
Tuttavia molto rimane da indagare. In base alle analisi ad oggi eseguite, non è ancora ben chiaro neppure quale sia la tecnica pittorica utilizzata. Non si sa quante siano le mani che dipinsero, se si tratti di artisti verosimilmente coevi al genio fiorentino o meno. Questa prima campagna diagnostica è solo il primo atto, un primo approccio scientifico a questa pittura. Il Comune di Barberino Val d’Elsa, nella figura del Sindaco Trentanovi si è impegnato a sostenere i successivi studi di approfondimento per comprendere appieno la genesi dell’opera, la tecnica artistica utilizzata, la composizione materica del dipinto e soprattutto quali e quante revisioni abbia subito. Ne volete sapere di più? Anche noi! Vi terremo aggiornati!
Dal 15 giugno al 10 agosto il PALP (Palazzo Pretorio di Pontedera) ospiterà la mostra Goya e Guido Reni. Tesori d’arte al Palp. Due intensi autoritratti di Goya, uno del 1971 e l’altro del 1782 saranno mostrati al pubblico dopo anni di studio specialistico, corredati dalla campagna diagnostica condotta daArt-Test. I dati scientifici avranno ampia rilevanza e risultati saranno esposti al pubblico, che sarà così invitato a partecipare alla scoperta di queste intriganti opere d’arte.
Queste opere, al temine della preview toscana, verranno esposte, insieme ad altri dipinti del genio spagnolo, nella mostra che si terrà nel 2018 a San Pietroburgo presso il Museo dell’Hermitage. I due ritratti saranno anche affiancati da un dipinto di Guido Reni, Susanna e i vecchioni, opera dell’ultimo periodo del Maestro Bolognese
La Pietà di Marcialla è di Michelangelo? Art-Test chiamata a fare luce sulla questione
Chi ha dipinto la “Pietà di Marcialla”? Se ne parla da molti anni, ma solo il 9 Maggio scorso sono state condotte le prime analisi sul dipinto conservato nella chiesa di Santa Maria a Marcialla, piccola pieve della provincia fiorentina.
Alcuni studiosi ritengono che il dipinto sia opera di Michelangelo Buonarroti e finalmente il Comune di Barberino Val d’Elsa ha deciso di fare chiarezza, promuovendo studi oggettivi, condotti con apparati scientifici. Art-Test Firenze, incaricata di analizzare il dipinto, ha preliminarmente confermato la presenza di molte incisioni sotto la pittura, dovute al riporto sull’intonaco del cartone preparatorio dell’opera e l’esistenza di alcuni pentimenti, come il braccio e la gamba sinistra di Cristo dipinti più in basso rispetto all’idea originaria. Da un primo attento esame del dipinto sono anche apparsi nuovi particolari, come il dettaglio di una città cinta di mura con torri, situato tra il buon ladrone e la Madonna.
Tuttavia molto rimane da indagare. In base alle analisi ad oggi eseguite, non è ancora ben chiaro neppure quale sia la tecnica pittorica utilizzata. Non si sa quante siano le mani che dipinsero, se si tratti di artisti verosimilmente coevi al genio fiorentino o meno. Questa prima campagna diagnostica è solo il primo atto, un primo approccio scientifico a questa pittura. Il Comune di Barberino Val d’Elsa, nella figura del Sindaco Trentanovi si è impegnato a sostenere i successivi studi di approfondimento per comprendere appieno la genesi dell’opera, la tecnica artistica utilizzata, la composizione materica del dipinto e soprattutto quali e quante revisioni abbia subito. Ne volete sapere di più? Anche noi! Vi terremo aggiornati!
Nell’immagine la ricostruzione dell’arco di Palmira, distrutto dalle milizie del gruppo Stato Islamico nel 2015, e ricostruito prima virtualmente e poi “stampato” 3D.
L’opera è stata esposta di fronte a Palazzo Vecchio a Firenze in occasione del Vertice G7 per la cultura.
Firenze ha ospitato il primo G7 della cultura ovvero il vertice dei ministri della cultura dei cosiddetti 7 Paesi più sviluppati (Stati Uniti, Giappone, Germania, Francia, Regno Unito, Italia, Canada).
E’ infatti la prima volta (l’idea è stata proposta dall’Italia e dal governo Renzi) che in questo contesto ci si occupa anche di cultura e di patrimonio. I ministri dei 7 Paesi hanno sottoscritto laDichiarazione di Firenze, un “appello a tutti gli Stati affinché adottino misure robuste ed efficaci per contrastare il saccheggio e il traffico di beni culturali dal loro luogo di origine, in particolare dai Paesi in situazione di conflitto o di lotte intestine, identifichino e vietino il commercio di beni trafugati che siano stati illecitamente portati oltre i confini“.
Si e’ voluta anche sottolineare l’idea della cultura come strumento di dialogo e rinascita dello spirito europeo, con l’Europa che cerca di portare avanti i propri valori, anche contro tutte le spinte separatiste e fondamentaliste.
Noi di Art -Test crediamo profondamente in questi valori, e ci auguriamo che l’arte e la scienza aiuteranno la bellezza a salvare il mondo.
Non è, e non era, una prassi comune fare bozzetti a grandezza naturale. Ma si dice che siccome Giambologna era noto soprattutto per “piccole” cose, abbia voluto subito mettere tutti a tacere.
Come si facevano le cose “grandi” lo sapeva fare, et voilat la prova: un colosso alto 4 metri come modello. Ma come ha fatto? Quali tecniche e quali materiali ha usato?
Nel 2013 Art-Test Firenze, insieme ad enti di ricerca e altre ditte specializzate in diagnostica applicata ai beni culturali, fu coinvolta nella complessa campagna di analisi sul il modello del Ratto delle Sabine, ora presso la Galleria dell’Accademia di Firenze. Modello in terra cruda, di dimensioni pari all’opera definitiva in marmo, come si può ammirare oggi sotto la Loggia dei Lanzi in piazza della Signoria a Firenze. E’ possibile ora accedere a tutti i risultati delle indagini diagnostiche effettuate e alla storia del suo restauro grazie alla pubblicazione “Il ratto delle Sabine ed il suo restauro” edita da Sillabe . All’interno si trovano anche note sulla storia dell’opera e sull’intervento effettuato. Non è semplice sintetizzare la mole di informazioni contenute nel volume per cui vi invitiamo a leggerlo e scoprire come un semplice “bozzetto” in realtà sia un opera di raffinato ingegno tecnico. Jean de Boulogne sapeva davvero il fatto suo.
Come nascono i polittici delle chiese toscane? E’ l’icona bizantina che sale sull’altare o è piuttosto l’antependium? Perchè dal preparare la tela con la pergamena e due strati di gesso, si passa a ridurre le dorature alla cornice? Quali sono le strade seguite dalle icone e dagli oggetti d’arte nel passaggio da Est a Ovest? Come è stato recepito il concetto platonico dell’immagine bizantina in Europa, e come si è trasferito nella sfera più aristotelica della cultura medievale occidentale?
“Paths to Europe, From Byzantium to the Low Countries”, appena edito Bernard Coulie and Paul Dujardin, per i tipi di Silvana Editoriale, 53esimo volume della collana Biblioteca d’arte, cerca di dare risposta a questa e altre domande sulle relazioni tra icone bizantine e la pittura medievale europea, ed è anche il riassunto del convegno tenutosi al BOZAR di Bruxelles nel Gennaio 2015.
All’interno del volume, il contributo: “Under the Gold: a Database of Underdrawings and Material Analyses on Sienese Paintings. Connections and Dissimilarities in Painting Techniques across Centuries and Countries” presenta le peculiarità della pittura senese dall’XII al XIV secolo, i cambiamenti nello stile ma anche e soprattutto nella tecnica e nei materiali usati, come è possibile rilevare analizzando il database Art-Test di riflettografie, radiografie e analisi chimiche su 100 dipinti della Pinacoteca Nazionale di Siena. Da un modello immutabile ad un disegno preparatorio libero e spontaneo, dal fondo oro ad imitare l’oreficeria, e dai 7 colori del codice Palatino, ai rosa onirici della pittura senese, passando per le radiografie che svelano la funzione di una pittura su tavola, per illustrare come i cambiamenti nei materiali e negli aspetti tecnici sono sostanzialmente legati ad una evoluzione dello stile e alla ricerca di nuovi effetti artistici.
Nell’anno di Hieronimus Bosch (500 anni dalla morte) per vedere le sue opere si può andare, ad esempio, nella sua città natale, s’Hertogenbosch, (o, come dicono gli olandesi, Den Bosch), Olanda, oppure a Vienna, o Berlino, Venezia… Per comprarle invece, si poteva andare alla BRAFA, la fiera antiquaria con sede a Bruxelles, dove era in vendita l’opera di un suo seguage, Pieter Huys (circa 1519-circa 1581), e due tavolette di 28×38 cm ciascuna della sua scuola (Le tentazioni di San’Antonio, e un San Cristoforo), e un’incisione (“Il giorno del giudizio”) tratta da un suo dipinto.
Con 132 espositori da tutto il mondo, la fiera sta crescendo anno dopo anno, come qualità delle opere proposte e attrattività per i compratori. Qualcuno già la compara alla più nota, ma anche più velleitaria, TEFAF dei cugini olandesi, alla quale risponde con prezzi più “ragionevoli”, in qualche caso anche esposti nel cartellino. Se Bosch non è il vostro genere, c’erano anche un cassone dello Scheggia (1406-1486) , insieme a notevoli dipinti di alta epoca e ad una folta schiera di fiamminghi, due opere Le Courbusier, tre Renoir, quattro Chagall, Matisse, Pissarro, fino a Haring.
Ci ha fatto piacere notare che le analisi, soprattutto quelle ad immagine, sono sempre più presentate a corredo del dipinto, come ad esempio nel catalogo di Jan Muller Antiques, dove compaiono radiografie e riflettografie.
Ma ancora tante opere sarebbero da indagare, per confermare o smentire attribuzioni o anche semplicemente arrivare a meglio conoscere le pratiche delle varie botteghe. Ad esempio mettendo a confronto la tecnica del “Ritratto del Cardinale Bentivoglio” di Van Dijk, ora a Palazzo Pitti a Firenze, e la versione attribuita alla sua cerchia proposta a BRAFA, o l’esemplare di “Ercole che lotta contro il leone”, di cui un’altra copia esiste presso il MET di New York! Perchè comprare a scatola chiusa?
Sotto tre pale degli altari progettati fra il 1565 e il 1570 da Giorgio Vasari per Santa Maria Novella, per abbellire e ammodernare la chiesa domenicana di Firenze, sono stati ritrovati, in occasione delle campagne di restauro delle tavole cinquecentesche, una serie di pitture murali -datate dalla fine del ‘200 all’inizio del ‘500-, e che appartengono quindi alla fase più antica della storia della chiesa.
I risultati degli studi e dei restauri su questa clamorosa scoperta, sono stati presentati lo scorso 11 febbraio insieme a un volume edito da Mandragora, “Ricerche a Santa Maria Novella. Gli affreschi ritrovati di Bruno, Stefano e gli altri”, a cura di Anna Bisceglia, della sovrintendenza fiorentina. Art-Test ha lavorato su uno dei tre dipinti rinvenuti sui muri della chiesa, ovvero quello attribuito a Bruno di Giovanni, fratello di Buffalmacco, e raffigurante San Maurizio capitano della legione Tebea, insieme ai suoi martiri, in una scena concitata di grande intensità. I martiri infatti sanno che sono destinati a morire nel momento in cui si rifiutano di uccidere i loro confratelli cristiani.
Sono state acquisite immagini multispettrali nel visibile, in infrarosso e in fluorescenza UV, insieme ad indagini XRF, e a microfotografie, per determinare che si tratta in massima parte di pittura murale, a secco, sulla quale sono stati rinvenuti residui di adesivi per l’applicazione di foglia metallica, soprattutto sugli elmi e sulle armature. La scena doveva vibrare alla luce sulla parete della chiesa, con un effetto illusionistico che oggi possiamo solo immaginare. Oppure potremmo fare una ricostruzione virtuale da postare sul sito, che ne dite?
Il commercio dei falsi è un crimine. Ma cosa è un falso e come si riconosce?
Il 14 gennaio 2017, Art-Test Firenze ha tenuto una lezione dal titolo TECNICHE SCIENTIFICHE DI DATAZIONE DEI BENI ARTISTICI E ARCHITETTONICI, INDIVIDUAZIONE DELLA PROVENIENZA E RICONOSCIMENTO DEI FALSI TRAMITE ANALISI STRUMENTALI. Casi studio, all’interno del Master in Archeologia Giudiziaria e Crimini contro il Patrimonio Culturalepromosso da Centro per gli Studi Criminologi, giuridici e sociologi, dipartimento di Beni Culturali ed Archeomafie, in collaborazione con “Osservatorio Internazionale Archeomafie”, che si prefigge di fornire una adeguata formazione sulle dinamiche , strategie, obiettivi e sul modus operandi di chi in maniera criminosa è dedito al saccheggio, furto e traffico illecito di beni culturali e al contempo informare sulle tecniche scientifiche di riconoscimento e di valutazione delle opere d’arte e di identificazione dei falsi.
Ad un gruppo di studenti tra cui archeologi, storici dell’arte, avvocati e guide turistiche è stato presentata la molteplicità degli aspetti analitici che riguardano le opere non autentiche partendo dal concetto stesso di falso fino ad arrivare ad una carrellata di casi studio in cui sono state applicate le varie tecniche analitiche.
La terza edizione del Master prenderà il via il 25 Marzo 2017, per chi ha voglia di continuare ad imparare…vi aspettiamo!
Ormai è diventato una consuetudine, sul finire dell’anno, l’appuntamento con la rassegna scientifica e divulgativa organizzata dall’Associazione AIAr. Anche quest’anno Art-Test partecipa ad uno degli eventi. Questa volta saremo a Paestum!
Il Museo del Parco Archeologico ha ospitato una mostra particolarmente interessante dal titolo “Possessione”. In occasione della mostra, l’Associazione con i suoi soci istituzionali e le aziende che fanno parte del network, a cui Art-Test partecipa, ha realizzato una campagna diagnostica su numerosi reperti.
Il 2 dicembre, sempre presso il Museo del Parco Archeologico, si terrà una giornata di studi dal titolo: Possessione. Trafugamenti e falsi di antichità a Paestum. Le indagini archeometriche.
Art-Test presenterà insieme ai colleghi fiorentini dell’ICVBC-CNR i dati scientifici emersi dalle analisi di una tomba trafugata dal Parco Archeologico e riconsegnata al museo oramai qualche anno fa a seguito di un sequestro in terra elvetica. Vi aspettiamo, ne scoprirete delle belle (tombe)!
L’occhio non basta ma neanche una campagna diagnostica completa…
Gli occhi, specchio dell’anima, dicono essere la cartina tornasole per valutare l’essenza di una persona. Ma questi stessi occhi, quando devono scrutare un’opera d’arte possono rivelarsi uno strumento insufficiente, o essere ingannati.
Sempre più spesso si legge della “scoperta di dipinti falsi”.
E’ di poche settimane fa, ad esempio, la notizia della restituzione all’ignaro acquirente, da parte della casa d’aste Sotheby’s, di un ingente somma di denaro ricevuta grazie alla vendita di un presunto Frans Hals. E sembra che questo non sia l’unico dipinto di autore fantomatico che ha avuto la stessa sorte, il un lotto si comporrebbe infatti di 25 opere, tutte false.
Le cronache, nel caso specifico, riportano come, in realtà, questo dipinto non solo fosse stato dichiarato autentico dagli esperti della casa d’aste, ma anche dagli storici dell’arte da cui era stato studiato durante la fase di “richiesta di certificato di esportazione”.
Risulta che questo studio si sia avvalso anche di una campagna di diagnostica per immagini. Si legge che il dipinto è stato sottoposto ad analisi agli ultravioletti, infrarosso e radiografia. E allora come è possibile che se è veramente un falso sia passato attraverso le maglie di questo setaccio? Forse la campagna diagnostica non è stata sufficiente, o le immagini non sono state correttamente interpretate?
Art-Test suggerisce sempre di includere anche un’indagine dei materiali utilizzati per verificare se questi fossero effettivamente disponibili nel periodo in cui si suppone che l’opera sia stata realizzata e per valutare la compatibilità con il modus operandi dell’artista proposto.
Le analisi sono comunque sempre utili. Devono essere fatte a regola d’arte e con la massima trasparenza. E’ sempre di questi giorni la pubblicazione della riflettografia nel del catalogo della prossima asta Sotheby’s su pittura antica. E’ l’inizio di un nuovo capitolo nell’attestazione di autenticità di un’opera? Ce lo auguriamo, perchè amiamo il nostro lavoro e le opere d’arte!
La meravigliosa “Testa femminile” di Leonardo, detta anche “Scapigliata” è conservata alla Galleria Nazionale di Parma, rappresentava per Leonardo da Vinci una sorta di manifesto del suo status di pittore eccellente e, allo stesso tempo, una sorta di salvacondotto per la sua abitudine di non finire i suoi quadri, secondo le ultime ricerche di Carmen Bambach, pubblicate in occasione della interessantissima mostra “Unfinished” al MET di New York. Infatti, sembrerebbe che Leonardo volesse paragonarsi ad Apelle di Kos, il leggendario pittore greco antico. In un libro di cui è noto che Leonardo possedeva, Plinio scrisse che le Apelle avevano lavorato su una Venere senza essere in grado di portarla a termine, rimanendo tuttavia, nonostante questo “fallimento”, il più grande pittore mai esistito, e piuttosto “inventando” il genere “non finito”.
Art-Test ha anche eseguito analisi su altri due dei più importanti dipinti in mostra a Parigi: il “San Giovanni” di Salaì della Pinacoteca Ambrosiana di Milano e il “Salvator Mundi” (o “Testa di Cristo”) anche attualmente normalmente attribuito al suo assistente preferito e amico Salaì, ma da altri studiosi eminenti, reputati di essere per mano dello stesso Leonardo.
Le riflessioni di queste grandi opere d’arte, insieme a molte altre immagini diagnostiche, sono pubblicate con dimensioni e qualità considerevoli nel catalogo della mostra.
Procida, piccola isola del golfo di Napoli, si è resa protagonista di un convegno che ha riguardato il suo futuro come modello di recupero nel senso più ampio del termine. Il suo patrimonio storico potrebbe infatti divenire motore di ricchezza economico-culturale.
“L’Isola di Procida: la rinascita sostenibile e l’economia della bellezza” questo il titolo del convegno, a cui Art-Test ha partecipato, e durante il quale si sono alternati oratori che hanno, nella loro specificità, illustrato gli sviluppi e le declinazioni possibili di tale aspirazione.
Il punto di partenza è un enorme complesso storico-architettonico risalente al 1200, con la casina di caccia di Ferdinando II di Borbone, divenuto poi carcere di massima sicurezza dello Stato Italiano, purtroppo lasciato dal 1988, all’incuria del tempo, poiché non era possibile adeguarlo alle nuove norme di sicurezza.
Negli ultimi anni il Demanio ha trasferito la proprietà del bene al Comune e oggi proprio questi cerca di rilanciare questo “pezzo” di storia isolana proponendolo come possibile modello di uno sviluppo sostenibile. L’ambizioso progetto dei procidani è di rendere il loro Bene attrattore per Enti di Ricerca, Università eprivati.
Rendere Palazzo D’Avalos e l’ex casa penitenziale modelli di evoluzione culturale ed economica
E proprio durante il primo intervento del convegno è stata sottolineata l’importanza della diagnostica come iniziale momento conoscitivo ma anche divulgativo per il bene futuro. Conoscere e far conoscere.
Procida, il suo ex carcere, da luogo di “chiusura” vuole divenire luogo di grande apertura alle varie forme di cultura.
Con un Bene Culturale calato nella contemporaneità già stato scelto, del resto, da un artista contemporaneo, Alfredo Pirri, per “7.0”, creazione suggestiva con cui portare alla memoria degli spettatori “lo stesso sguardo identicamente trasognato o doloroso che un tempo attraversava la stessa finestra per dirigersi verso il mare e luoghi lontani e solo immaginati”. La finestra è una delle tante di questo complesso che guarda verso il Vesuvio, alle cui spalle al mattino è possibile godere di un alba dal gusto tutto romantico, con colori che affascinarono così tanto i pittori del Gran Tour.
Ed è proprio questo panorama, godibile perché il palazzo è posto nel punto più in alto dell’Isola e orientato in maniera strategica tale da poter abbracciare in un solo colpo tutto il territorio dei Campi Flegrei, a costituire un valore aggiunto unico di un luogo da cui si osserva ma anche a cui si deve tendere.
Papa Francesco in uno dei primi post su Instagram perde tempo a parlare di bellezza. Non ci sono problemi più gravi? Non dovrebbe parlare di povertà, di fame nel mondo? Oppure e’ vero che abbiamo tutti indistintamente bisogno di bellezza?
Il 9 aprile 2016, presso la SACI (www.saci.florence.edu) si è tenuta una giornata di studi che ha visto protagonista parte dell’arredo figurativo della cappella adiacente al Carcere dell’Isola d’Elba, Chiesa di San Giacomo Maggiore al Forte.
Il Symposium è stato un interessante momento per conoscere, grazie al Soprintendente di Pisa, Dott. Francesco D’Anselmo, al funzionario Amedeo Mercurio e alla Dott.ssa Roberta Lapucci, responsabile del dipartimento di restauro della SACI, la storia e lo stato dell’arte del sito fortificato, costruito nel 1603 su iniziativa di Filippo II, e della chiesa adiacente. Un sito nodale e strategico per difendere l’Elba e l’Argentario dalle incursioni piratesche da sud e francesi da nord. Venuta meno questa funzione, la fortificazione, dalla metà del XIX sec. è stata gradualmente convertita ad istituto penitenzile.
I dipinti appartenenti alla chiesa adiacente che sono stati oggetto di analisi e restauro, di scuola fiorentina e collocabili tra il XVII e XVIII secolo, furono donati dalla corte granducale toscana o commissionati dai governatori reggenti del forte. Il tema iconografico è incentrato su soggetto sacro ed esalta i santi celebrati dalla tradizione post-tridentina.
Nel 1987, a causa di una sommossa nel carcere la chiesa subì gravi danni ed è da allora abbandonata.
Solo ora, grazie alla sinergia tra la scuola SACI e la Soprintendenza viene portato avanti un progetto per restituire al pubblico parte dei beni qui conservati
Art-Test ha contribuito con una campagna diagnostica che ha studiato le prime 4 tele sottoposte a restauro. Sia affrontando aspetti conservativi, sia, in alcuni casi, studiando la genesi dei dipinti attraverso l’analisi dell’impianto compositivo soggiacente, visualizzato grazie alle riflettografie effettuate.
La giornata si è conclusa con il plauso per l’iniziativa, con la conferma dell’evidente necessità di recuperare un sito così importante per la storia dell’Isola d’Elba ma anche con una riflessione, così come sottolineato dal dr.Mercurio, su quale possa essere il futuro dell’apparato artistico della chiesa, per la quale non è al momento prevista la riapertura al pubblico. Le opere restaurate se ricollocate non sarebbero comunque fruibili dalla comunità. Si cercano dunque soluzioni alternative. Un eventuale percorso espositivo diverso potrebbe ad esempio includere anche la possibilità di mostrare le indagini diagnostiche per aggiungere informazioni intriganti e creare occasioni di approfondimento per il turista curioso.
All’asta “Dipinti dal XIV al XX secolo” in programma il 17 maggio a Firenze da Pandolfini, è in vendita anche una “Madonna con bambino e un angelo”, tempera su tavola, cm 59×42, con cornice cm 112×77, dipinta dal noto falsario Umberto Giunti (Siena 1886-1970) e valutato 8000/12000 euro.
Di per se’ non una novità che un dipinto riconosciuto come falso sia posto in asta. Interessante il confronto con la stima di 2000/3000 euro proposta per il lotto successivo: “Trasfigurazione”, dipinto originale di scuola toscana, sec. XVII, olio su tela, cm 97×76, senza cornice. La differenza di prezzo la farà la cornice?
Il soggetto del dipinto (un uomo di razza bianca, tra i 30 e i 40 anni, con barba e baffi, con i tipici occhi, naso, bocca, proporzioni del volto, vestito alla maniera del seicento olandese), uso del pennello, le tonalità scelte, l’uso della luce…i valori formali puntano tutti in una sola direzione: Rembrandt.
Anzi la quintessenza di Rembrandt.
Nessun tratto tradisce un copista, o può smascherare un falsario. Solo che è un falso. Anzi un esperimento geniale che sfida i limiti dell’immaginazione.
“The Next Rembrandt“ è un progetto del gruppo bancario olandese ING che ha pensato e lanciato una sfida apparentemente folle: immaginare e produrre fisicamente il capolavoro che Rembrandt avrebbe dipinto se non fosse morto 347 anni fa. Il sottotitolo infatti recita: “Can the great master be brought back to create one more painting?” (Possiamo riportare in vita il Maestro perché crei ancora un altro dipinto? NdT)
Uno studio che ha visto la partecipazione di Microsoft, dell’Universita’ di Delft e del Museo Mauritshuisdurante il quale in 18 mesi ben 346 dipinti sono stati studiati e acquisiti digitalmente.
Il risultato è affascinante. “Se l’avessi visto in un museo avrei creduto che fosse un Rembrandt autentico, uno che non avevo ancora visto” si dice nel video. Probabilmente lo stesso sarebbe successo se una fotografia avesse raggiunto un esperto.
Certamente no se il dipinto fosse stato soggetto ad indagine diagnostica. “.. ogni arte dimanda i suoi strumenti“, scrive Leonardo. Per l’attribuzione di un dipinto, la valutazione dei valori formali fatta dall’occhio è sicuramente sempre più solo uno di questi.
Insieme a tanti studiosi e professionisti, docenti e ricercatori universitari e di enti pubblici di ricerca, archeologi e restauratori, per congresso Aiar saremo ospiti della sede di Arcavacate di Rende dell’Università di Cosenza per parlare di diagnostica, restauro, conservazione preventiva e tutela. Il titolo di questa nona edizione promette molto bene: Un ponte tra arte e scienza: passato, presente e prospettive future! Art-Test e’ uno degli sponsor dell’evento,e l’appuntamento di Art-Test con Aiar è doppio. Oltre ai metodi di autenticazione della porcellana cinese, se avete mancato l’interessante giornata di studi su Caravaggio dello scorso aprile a Empoli, potete cogliere l’occasione di visionare il poster di Art-Test in collaborazione con S.T. Art-Test intitolato “Caravaggio or not Caravaggio? Preliminary scientific evidence for the attribution of the St. John the Baptist of Empoli (Tuscany)“. Quanti annunci di scoperte sensazionalistiche vengono dati quando si parla di nomi del calibro di Caravaggio, senza però il supporto di un adeguato apparato di studi preliminari? L’analisi ad infrarosso sulla versione empolese del San Giovanni Battista ci ha riservato importanti scoperte; il dibattito è aperto: i dati scientifici possono davvero fare la differenza e riscrivere l’intera storia di un dipinto!
Per consultare il programma completo del congresso AIAr: http://www.associazioneaiar.com/wp/wp-content/uploads/2015/11/ProgrammaAIAr_web.pdf
Vi aspettiamo, numerosi come sempre!
La porcellana cinese è una delle grandi protagoniste del mercato d’arte degli ultimi anni, ricordiamo giusto un recente famoso esempio, la vendita record di un vaso Qing battuto a 7,5 milioni di eurodalla casa d’aste Pandolfini. Ma come si puo’ essere certi che ci troviamo di fronte ad un investimento e non ad un falso?
L’esperienza ha insegnato che, di fronte a imitazioni di grande qualità, i tradizionali metodi di autenticazione basati sullo studio dello stile, della decorazione, dei materiali e degli eventuali marchi, si rivelano spesso inadeguati. Anche nel caso dei manufatti in porcellana è fondamentale la diagnostica. Per questi manufatti tradizionalmente si usano analisi chimiche di microcampioni, anche se negli ultimi decenni si sono sviluppate ed evolute tecniche non invasive che possono limitare il numero di prelievi.
A questo proposito, siamo felici di ricordarvi che durante il Congresso Nazionale AIAr (Associazione Italiana di Archeometria di cui Art-Test è socia), durante la sessione “ Caratterizzazione e Diagnostica” presenteremo insieme ai colleghi di S.T. Art-Test e a uno dei massimi conoscitori di questi manufatti, Riccardo Montanari, l’intervento “A non-invasive approach for the authentication of oriental porcelain”. La nostra proposta si basa sull’integrazione di Fluorescenza a raggi X e Tomografia computerizzata a raggi X. Per maggiori dettagli….vi aspettiamo giovedì 10 marzo!!
La nostra attenzione al mercato cinese non si ferma qui. Del resto si tratta di un argomento sempre più interessante, specialmente ora che l’attenzione al mondo dei collezionisti cinesi si sta rivolgendo anche ai dipinti europei, e lo prova l’acquisisto all’asta di un Modigliani da parte di un magnate cinese che se l’è aggiudicato per 170 milioni di dollari. Art-Test sta avvicinandosi a questa realtà, seguendo diverse strade.. altre novità sono in arrivo!
Nel corso del “7th IEEE International Workshop on Information Forensics and Security (WIFS) 2015”, il prossimo 19 novembre, verrà presentato un articolo di L.Pronti, P. Ferrara, F.Uccheddu, A. Pelagotti and A.Piva dal titolo “Identification of pictorial materials by means of optimized multispectral reflectance image processing”. Il lavoro ha come oggetto l’analisi dei limiti e delle possibilità offerte dall’imaging multispettrale per l’identificazione attendibile dei materiali utlizzati nei dipinti, e scaturisce dalla sempre attiva collaborazione tra l’Università di Firenze, La Sapienza di Roma e Art-Test. L’imaging multispettrale è un argomento sempre attuale, ed interessante metodo non invasivo, anche se recentemente abusato da chi non ha le basi scientifiche necessarie, che ha vistoArt-Test pioniere con l’articolo di A.Pelagotti, A.Del Mastio, A.De Rosa, A.Piva, “Multispectral Imaging of Paintings: a Way to Material Identification”, pubblicato su rivista IEEE Signal Processing Magazine, Special Issue on Cultural Heritage, vol. 25 n. 4 nel luglio 2008.
Da sempre infatti, Art-Test sviluppa e applica metodi scientifici di avanguardia per la diagnostica delle opere d’arte. Non usiamo PhotoShop o software simili. I risultati delle nostre ricerche sono spesso presentati in pubblicazioni scientifiche di rilievo, tranne quando lo impediscono motivi di confidenzialità. Se siete interessati ai fondamenti scientifici dei metodi utilizzati nelle nostre indagini, vi invitiamo a consultare la pagina http://www.art-test.com/it/pubblicazioni/ del nostro sito.
Ultime pubblicazioni a cui Art-Test ha contribuito:
V.Raimondi at alii, The use of IR-based techniques in the PRIMARTE project: an integrated approach to the diagnostics of the cultural heritage AITA 215- Advanced Infrared Technology and Applications – 29 Sept. – 2 Oct. 2015, Pisa, Italy, SPIE Remote Sensing 2015 -1 – 24 September 2015 – Toulouse, France AITA
V.Raimondi at alii A multi-disciplinary study on a late 14th-century Florentine Chapel: integrating information, from laser-based measurements to historical archive data, in a multi-medial tool for cultural heritage conservation, LACONA X 2014 – Lasers in the Conservation of Artworks, 9-13 June 2014, Sharjah, UAE
F.Uccheddu, A.Pelagotti, V.Cappellini and E.Massa. 3D Technology for Measurement of Paintings Surface Deformations: A Case Study, Electronic Visualisation and the Arts (EVA 2014) London, UK, 8 – 10 July 2014
F. Alberghina, M.F. Alberghina, L. Damiani, E. Massa, A. Pelagotti, L.Piccione, S. Schiavone, U. Copani, I raggi x per l’imaging diagnostico delle opere d’arte -46° Congresso Nazionale della Società Italiana di Radiologia Medica (SIRM), Firenze – Fortezza da Basso (22-25 Maggio 2014) “La Radiologia oltre la Medicina”
F.Alberghina, M.F.Alberghina, L.Damiani, E.Massa, A.Pelagotti, S. Schiavone, How many layers and of what? An integrated non invasive approach for the understanding of painting’s stratigraphy, IV Meeting Internazionale “Youth in the Conservation of Cultural Heritage – YOCOCU”, 28-31 maggio 2014, Agsu – Azerbajan.
Di prossima pubblicazione:
La Pala del Carmine di Santi di Tito, Un’analisi di tecnica e materiali impiegati,Science and Technology for Cultural Heritage, Fabrizio Serra editore, Pisa – Roma
Il Ratto delle Sabine del Giambologna e il suo restauro. Ed Sillabe, Livorno a cura di Lia Brunori e Susanna Bracci
Beyond Gold: a database of underdrawings and material analyses on Sienese paintings. Connections and dissimilarities of painting techniques across centuries and countries. Pubblicazione a cura di Bernard Coulie e Paul Dujardin
Sopra e sotto la pittura: i risultati delle indagini scientifiche sulla Madonna di San Luca di Bologna, a cura di Dr. Franco Faranda
In programma a fine Novembre presso il Museum Catharijneconvent, Utrecht (NL) una giornata di studi sull’influenza che il pittore lombardo esercitò nel Nord Europa.
Il convegno si propone di gettare nuova luce sulla diversità delle risposte artistiche derivate dalll’opera dipinta di Caravaggio durante i primi decenni del XVII secolo. Interessante la proposta di indagare i meccanismi della migrazione, la storia del collezionismo e dei rapporti tra gli artisti. Il convegno anticipa alcuni dei temi centrali della prossima mostra “Caravaggio e i pittori del Nord”, che si svolgerà presso il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid (21 giugno – 25 settembre, 2016).
Qui il link per maggiori informazioni: http://niki-florence.org/caravaggio-and-northern-european-painting-niki-conference-utrecht-30-november/
In copertina al convegno il dipinto “San Giovanni Battista”, di cui abbiamo parlato in http://www.art-test.com/it/uno-sguardo-indimenticabile/, in occasione delle analisi sulla versione conservata ad Empoli.
Siamo felici di invitarvi a “Sotto-sopra, quando le indagini rivoluzionano la conoscenza di un’opera d’arte!“. L’evento è concepito da S.T.Art-Test e da Art-Test, e organizzato in collaborazione con la Galleria d’Arte Moderna e l’Assessorato Cultura del Comune di Palermo, e il Comitato Giovani: Regione Sicilia – Commissione Nazionale Italiana per l’UNESCO , e si terrà il 1 novembre 2015 a Palermo presso la. GAM.
L’evento fa parte della seconda Rassegna Nazionale dedicata all’interazione tra Arte e Scienza organizzata da Associazione Italiana Archeometria (AIAr).
Dopo il successo dell’edizione del 12-13 dicembre 2014 che ha coinvolto 11 sedi sparse in tutta Italia e che ha visto la partecipazione di S.T. Art-Test presso Il Museo Archeologico di Himera (Termini Imerese, PA), AIAr fa il bis con un nuovo programma di incontri, eventi e workshop incentrati sul legame tra arte e scienza: si parlerà soprattutto di diagnostica e conservazione. Aziende private, ricercatori universitari e di enti di ricerca forniranno ai visitatori informazioni sull’impiego di metodologie scientifiche applicate ai beni culturali.
Non mancate, dunque, alla giornata del 1 Novembre 2015 seminari e laboratori animeranno le due sessioni in programma (I sessione 11.00 – 12.30 e II sessione 16.30 – 18.00) focalizzate sulle indagini scientifiche per la conoscenza delle opere pittoriche e sull’uso di strumentazione non invasiva per lo studio di due dipinti delle collezioni esposte che la Direzione della GAM ha reso disponibili per l’occasione. Venite a scoprire con noi di chi si tratta!
Grazie ai curatori della mostra su Carlo Dolci (in corso presso la Galleria Palatina e visitabile fino al 15 novembre p.v.), il 7 ottobre prossimo si terrà, in collaborazione con l’Opificio delle Pietre Dure, un workshop sulla tecnica pittorica di questo artista.
La giornata di studi darà modo di approfondire la conoscenza del modus operandi di Dolci, tramite la presentazione delle indagini tecniche svolte e la documentazione di alcuni restauri.
Art-Test ha affiancato la restauratrice Miriam Fiocca durante il restauro ed insieme a lei illustrerà i risultati delle indagini svolte sul dipinto Madonna con Bambino facente parte collezioni medicee ( inv. 1912 n.302)
L’ingresso è gratuito.
(in allegato l’invito al Workshop)
Programma Ore 8.30
Saluti inaugurali e presentazioni Anna Bisceglia (Galleria Palatina, Firenze), Matteo Ceriana (Galleria Palatina, Firenze), Marco Ciatti(Opificio delle Pietre Dure, Firenze), Mauro Linari (Servizi Comuni di Palazzo Pitti, Firenze)
Ore 9.00 Marco Ciatti (Opificio delle Pietre Dure, Firenze): Alcune considerazioni sul restauro
Ore 9.30 Oriana Sartiani, Giancarlo Lanterna (Opificio delle Pietre Dure, Firenze) Carlo Dolci e la tecnica pittorica : il Sonno di San Giovannino (1675 ca). Ricerche, indagini e restauro
Ore 10.00 Lucia Dori, Andrea Dori (restauratori, Ogni voltar di capello…. Il restauro del San Giovanni Evangelista della Galleria Palatina ed altre osservazioni su dipinti dolciani
Ore 10.30 Daniela Murphy Corella (restauratrice, Firenze) Santa Lucia: un non finito di Carlo Dolci?
Ore 11.30 Lucia Biondi (restauratrice, Firenze) Tra verosimile e artificioso: le figure di Davide con Golia e del Beato Angelico nella pittura di Carlo Dolci
Ore 12.00 Miriam Fiocca (restauratrice, Firenze), Emanuela Massa (Art-Test, Firenze) Il mago nascosto ndagini scientifiche e restauro della Madonna con Bambino della Galleria Palatina
Ore 12.30
Tavola rotonda e conclusioni Anna Bisceglia, Sandro Bellesi, Matteo Ceriana, Marco Ciatti
E’ in pieno svolgimento la fortunata mostra monografica ‘Carlo Dolci 1616-1687′presso la fiorentina Galleria Palatina: circa settanta le opere esposte (tra cui molte provenienti dai più prestigiosi musei internazionali, il British Museum di Londra, il Musée du Louvre di Parigi, e la Alte Pinakothek di Monaco di Baviera) in dialogo con opere di altri artisti del suo tempo e un piccolo nucleo di opere dei suoi allievi.
All’importante campagna di studi e di restauri di numerosi dipinti che ha preceduto l’allestimento della mostra e che tanto ha contribuito ad arricchire la conoscenza dello stile e del modus operandi del pittore, la Galleria Palatina, in collaborazione con l’Opificio delle Pietre Dure di Firenze, dedicherà una giornata di studi. Il tema centrale sarà focalizzato, infatti, sulla tecnica pittorica del Dolci. Art-Test avrà il piacere di partecipare insieme alla restauratrice Miriam Fiocca con l’intervento intitolato “Il mago nascosto”: protagoniste le scoperte emerse a proposito del dipinto “Madonna porge il Bambino Gesù” (n.79 del catalogo dedicato alla mostra) che, sottoposto ad indagine radiografica, ha rivelato una soprendente e sostanziale modifica dell’impostazione della composizione.
L’appuntamento è fissato per mercoledì 7 ottobre presso il Teatro del Rondò di Bacco di Palazzo Pitti.
Fervono i preparativi della seconda edizione Arte e (‘) Scienza!
Sulla scia del successo dello scorso anno,Aiar (Associazione Italiana di Archeometria) organizza per il primo fine settimana di novembre, in contemporanea con l’iniziativa del Mibact “Una domenica al Museo”, una nuova rassegna nazionale dedicata interamente all’interazione tra arte e scienza, cultura, società e formazione, con una particolare attenzione riservata alla diagnostica, alla conservazione e alla valorizzazione del patrimonio culturale.
L’edizione 2014 ha coinvolto ricercatori di Università, CNR, INFN, ENEA, ed altri Enti di Ricerca e aziende private che hanno animato luoghi di interesse storico/artistico e musei disseminati su tutto il territorio italiano con incontri di studio e visite guidate focalizzate su tecnologia applicata all’arte e problemi legati alla conservazione. Art-Teste S.T. Art-Test (che ha già partecipato alla manifestazione presso il Museo Archeologico di Himera di Termini Imprese 12-13 dicembre 2014), vi aspettano quest’anno presso la Galleria d’Arte Moderna di Palermo.
Carlo Dolci, detto Carlino, artista amato e osannato dai critici del suo tempo, ritenuto il più grande pittore fiorentino del seicento, conteso dalla nobiltà europea, (anche se quasi mai uscito dalle terre toscane), è ora nuovamente sotto i riflettori grazie alla mostra monografica in programma fino al 15 novembre presso la fiorentina Galleria Palatina di Palazzo Pitti. L’esposizione raccoglie opere provenienti da numerosissimi musei europei: il British Museum a Londra, il Musée du Louvre a Parigi, gli Staatliche Museen a Berlino, il Nationalmuseum a Stoccolma, il Cleveland Museum of Art a Cleveland, l’Alte Pinakothek di Monaco di Baviera, il Fitzwilliam Museum a Cambridge, l’Ashmolean Museum a Oxford, la Burghley House a Stamford, il Musée des Beaux-Arts a Brest, la Collezione Thyssen Bornemisza a Madrid e la Royal Collection inglese, a testimonianza del respiro internazionale della sua pittura.
La mostra raccoglie quasi 100 dipinti, di cui una settantina del Dolci e gli altri a favorire confronti e suggestioni, in una sorta di compendio del suo stile descrittivo, rigoroso e minuziosamente attento ai dettagli, levigato, algido ma sensuale, che è stato definito “iperrealista” ante litteram. Esemplare la quasi maniacale resa dei dettagli: dalle stoffe soffici e quasi palpabili delle vesti, agli splendidi gioielli, che, citando il biografo Filippo Baldinucci, erano “imitati in modo sì stupendo (e vero), che, per molto che si toccasse e ritoccasse la tela per assicurarsi che essi fosser dipinti l’occhio ne rimaneva in dubbio”.
Interno della mostra “Io Carlo Dolci”, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Firenze
La mostra è stata occasione preziosa per dare il via a una grande campagna di restauri e revisioni su 33 opere del Maestro, importante anche per lo studio della singolare tecnica pittorica utilizzata, che si serviva di espedienti originali per raggiungere l’ambito mimetismo. Alcune analisi radiografiche hanno poi permesso di aggiungere notizie del tutto inaspettate alla conoscenza di dipinti anche noti del catalogo dolciano, ad esempio le indagini diagnostiche della “Madonna con Bambino” della Galleria Palatina (a cura di Art-Test, pubblicate all’interno del catalogo della mostra), che hanno rivelato modifiche sostanziali alla composizione.
Madonna con Bambino, Carlo Dolci, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Firenze
Di recente pubblicazione, per i tipi di Etgraphiae, l’ importante volume “Goya attraverso i suoi autoritratti”, di Paolo Erasto Mangiante, già autore del fondamentale volume “Goya e l’Italia” (Palombi Editore).
In questo suo ultimo saggio l’autore fornisce una nuova interpretazione dei numerosi autoritratti di Goya, individuandone cinque categorie, e ripercorrendo attraverso di essi le vicende sovente drammatiche della vita del pittore aragonese.
Il volume è anche l’occasione per presentare due indediti.
Sono state affidate ad Art-Test le analisi sul primo autoritratto giovanile e il Bozzetto dell’effigie di Goya per la pala di San Bernardino. Si legge nel testo che “Tali esami si sono dimostrati utili non solo per garantire l’autenticità delle opere suddette, ma anche per accertarne con sicurezza l’autografia goyesca. Esse inoltre hanno fornito utilissimi dati sui materiali utilizzati e sulle procedure pittoriche di Francisco Goya nella elaborazione dei dipinti e sulla stesura dei colori via via applicati”.
Come anche nella prefazione di Claudio Strinati si dice che l’autore è stato “supportato per altro da una serie di esami tecnico-scientifici di esemplare chiarezza e concretezza”.
Siamo lieti che le nostre analisi si siano rivelate utili. Cerchiamo di contribuire con piccole certezze. Del resto condividiamo il pensiero di Leonardo: “ è meglio una piccola certezza di una grande bugia”.
E’ aperta questa estate a Firenze la mostra monografica “Piero di Cosimo pittore eccentrico fra Rinascimento e Maniera” (Uffizi, fino al 27/9), sorella di quella appena conclusasi della National Gallery of Art di Washington, per la quale la Galleria fiorentina aveva prestato, tra l’altro, la straordinaria “Liberazione di Andromeda” di cui dice Vasari “non fece mai Piero la più vaga pittura né la meglio finita di questa” (indagini diagnostiche Art-Test, ancora non pubblicate)
Nell’esposizione fiorentina dipinti e disegni di Piero dialogano con opere di artisti qualiFilippino Lippi, Fra Bartolomeo e Lorenzo di Credi, ad evidenziare come l’allievo di Cosimo rimanga un pittore originale, di cui si è detto che fosse più simile ai fiamminghi (o ai veneziani), che ai fiorentini, per il suo fondare le pitture sui valori cromatici piuttosto che sul disegno. Ma è questo ciò che emerge dalle indagini?
Pittore solitario, secondo quanto racconta ancora Vasari, richiestissimo però dalle famiglie più in vista di Firenze (tra cui gli Strozzi, i Capponi, i Vespucci) fu uno sperimentatore, uno dei primi, insieme a Leonardo, nell’adottare la pittura ad olio. Lo studio di E.Walmsley fa emergere come Piero fosse eccentrico anche nella tecnica, con sovrapposizioni e pennellate particolari, e talvolta con i polpastrelli usati al posto dei pennelli.
Proprio la conferma, tramite osservazioni e indagini diagnostiche, dell’utilizzo di una tecnica tanto particolare ha consentito di risolvere alcuni casi di dubbia attribuzione.
Questo suo tentare nuove strade, allontanandosi dal consolidato modo tradizionale, potrebbe però essere anche la causa dei difficile stato di conservazione in cui versano diverse sue opere.
Ad esempio, la grandiosa pala d’altare “Matrimonio mistico di Santa Caterina e Santi”, oltre all’altissima qualità della pittura originale, ha rivelato perdite significative, sotto i molteplici strati di ridipinture (analisi diagnostiche Art-Test, ancora non pubblicate). L’opera è stata inaspettatamente ritrovata in una collezione privata, e eccezionalmente prestata per l’esposizione, dove è possibileammirarla durante le impegnative fasi di restauro. La pala difettava della cimasa, ma un frammento con due angeli recanti una corona distribuendo incenso, catalogato come “stile Piero di Cosimo”, e’ stato identificato alla National Gallery di Edimburgo.
Una volta giunta a Firenze per restauro, le indagini (ancora Art-Test), hanno rivelato l’indiscussa appartenenza ad un unico complesso con la tavola di cui sopra. Nella parte alta della pala sono spuntati, infatti, all’infrarosso, i piedi degli angeli della cimasa. Ora, tolte le ridipinture, le due parti sono state unite per la mostra e gli angeli hanno riottenuto i loro piedi, ma solo temporaneamente poiche’, così va la storia, finita la mostra se ne torneranno a 1700 km di distanza!
“Angeli reggi corona”, prima del restauro, Piero di Cosimo, National Gallery di Edimburgo
“Matrimonio mistico di Santa Caterina”, prima del restauro, Piero di Cosimo, collezione privata; attualmente in mostra in corso di restauro
Provenivano da più di 50 nazioni i relatori datisi appuntamento a Catania per affrontare i temi più all’avanguardia della diagnostica per le opere d’arte.
È stata un’occasione di confronto tra i differenti approcci alla diagnostica e alla conservazione, e di presentazione di nuove metodologie. Queste sono sempre più specificamente rivolte allo studio non invasivo dei materiali costituenti, di restauro o di degrado, con un’alta risoluzione spaziale e discriminanti in profondità. Numerosi infatti sono gli sforzi applicati per conoscere la successione stratigrafica dei materiali presenti, in modo non invasivo.
Sono state presentate nuove strumentazioni portatili realizzate da gruppi di ricerca e non ancora diffuse in larga scala come l’imaging nella banda TeraHertz, gli spettrometri ad elevata risoluzione sia spaziale che di profondità e le spettrometrie integrate (XRF-Raman; XRF-XRD;..). È apparso infatti evidente come il miglior approccio ad oggi possibile, comporti la assoluta necessità di integrazione tra le tecniche disponibili, e la loro validazione relativa.
Il caso di un “Goya” erroneamente attribuito da un altro laboratorio, sulla base di una identificazione errata dei materiali presenti, ci ha dato l’occasione, in questo contesto, per parlare di limiti e possibilità delle varie tecniche. L’impiego del metodo più affidabile è infatti doveroso: un’errata identificazione della palette dell’artista, come nel caso presentato, può spostare la data di esecuzione di secoli e con essa il valore economico e artistico dell’opera (http://www.art-test.com/technart-2015-catania-april-27-30-2015/).
Di fronte alla mole di informazioni che le più avanzate tecniche possono oggi fornire, la riflessione più condivisa tra i ricercatori è sicuramente quella della necessità di fruizione dei dati raccolti dai vari laboratori, per poter confrontare su grande scala le evidenze scientifiche e storiche e meglio comprendere i risultati ottenuti.
È in linea con tali tematiche il database di 100 dipinti della Pinacoteca di Siena “Sotto l’oro” (http://www.art-test.com/it/database-it/) oggetto dell’altro contributo presentato da Art–Test in collaborazione con S.T.Art Test, uno strumento importantissimo per lo studio dell’evoluzione nella pittura senese (dal secolo XIII al secolo XVI) e per l’applicazione in caso di datazione e autentificazione delle opere d’arte.
La conferenza internazionale TECHNART 2015, è stata organizzata dai dipartimenti LNS-INFN, IBAM-CNR e dall’Università di Catania (Dipartimento di Scienze Chimiche and Dipartimento di Fisica e Astronomia) in collaborazione con il gruppo di ricerca scientifica dell’ ICOM-CC e l’Associazione Italiana di Archeometria (AIAr).
A Ferrara per discutere del futuro di questa disciplina
Durante la prossima edizione del Salone del Restauro di Ferrara, che si terrà dal 6 al 9 maggio 2015 saremo presenti, oltre che in uno stand condiviso da soci e collaboratori dell’AIAr (Associazione Italiana Archometria) di cui siamo membri, anche all’incontro di venerdì 8 maggio dal titolo: “C’è lavoro per la scienza nei beni culturali? Un network fra ricerca, aziende ed enti“.
Il problema è molto sentito dagli operatori del settore e dai molti che vedono in queste discipline un’occasione di crescita per la tutela del nostro patrimonio culturale, e anche del profilo scientifico della nostra nazione in un campo che ci vedeva punto di riferimento ma da quale ci stiamo eclissando.
Durante questo evento sarà presentato anche il Network AIAr-Aziende, iniziativa nata nel corso dell’ultimo anno volta a ridurre il gap esistente tra figure istituzionali e aziende, promuovendone la collaborazione, l’interoperabilità e la ricerca congiunta.
L’incontro arriva a conclusione di un percorso di in cui l’AIAr si è proposta come punto di riferimento di una rete virtuosa di soggetti pubblici e privati operanti nel settore dei Beni Culturali, facendosi promotore di un programma di incontri con le aziende, allo scopo di accrescere lo scambio di conoscenze e competenze fra i vari soggetti operanti nei settori della diagnostica, conservazione, valorizzazione e fruizione dei beni culturali e allo stesso tempo confrontarsi su possibili collaborazioni e progetti comuni.
Vi invitiamo a partecipare e a sostenere questo tema!
Caravaggio o non Caravaggio? Resoconto della giornata di studi dell’11 Aprile scorso
“La Madre dei Caravaggio è sempre incinta”, è il titolo di un pamphlet (dal tono provocatorio a cui Montanari ci ha abituati), a sottolineare come spesso si parli di scoperte sensazionali senza il supporto di ricerche adeguate. Non è questo il caso del dipinto di Empoli, il cui restauro è stato l’occasione per il convegno di studio “Da Caravaggio. Il San Giovanni Battista e le sue copie”, a cui hanno partecipato un folto numero di eminenti studiosi, tra cui la professoressa Mina Gregori (lei, una indiscussa autorità in materia, in apertura ha dichiarato di essere curiosa e di essere venuta ad imparare, lasciando tutti in ammirazione della sua vitalità e del suo spirito esemplare).
i risultati delle ricerche scientifiche sull’opera, una delle varianti conosciute del soggetto detto San Giovanni Costa, pur necessitando di approfondimenti, già si profilano piuttosto interessanti. Si può affermare, infatti, come non si tratti di una copia ottocentesca, come qualcuno aveva ipotizzato, ma di un dipinto seicentesco. La riflettografia infrarossa, inoltre, ha mostrato alcuni pentimenti degni di nota, ad esempio nello sguardo. I confronti tra le versioni conosciute, e le relative documentazioni, presentati al convegno, offrono inoltre numerosi spunti per cercare tracce nei documenti su quali possano essere le versioni (una o più?) autografe caravaggesche e quali le copie.
Per leggere gli atti del convegno dovrete attendere settembre, ma se già volete vedere gli interventi dei relatori, trovate link ai video sul sito http://ilraccontodellarte.com/ e la relazione di Art-Test anche sul nostro canale YouTube (https://www.youtube.com/channel/UCh8hj11mXK5ut4ajsT8V7kA).
Dopo i saluti delle autorità, con il dibattito moderato da Bruno Santi, e l’introduzione ai lavori della prof.ssa Mina Gregori, è stata la volta degli interventi di Nicole Mayers sulle vicende che hanno portato nella collezione il dipinto ora a Kansas city, e di Cristina Terzaghi che si è concentrata sulla collezione Costa. La relazione di Angela Cerasuolo ha illustrato anche le caratteristiche tecniche del dipinto di Capodimonte, mentre Valfredo Siemoni ha relazionato sulla documentazione raccolta in merito alla provenienza del dipinto empolese. Cristina Gnoni e Sandra Pucci hanno relazionato sull’intervento di restauro e ne hanno sottolineato l’importanza nel ridare visibilità al dipinto. Dopo la relazione di Art-Test su materiali e tecniche riscontrati, Roberta Lapucci si è concentrata sugli aspetti iconografici. Marco Masseti, archeozoologo, ha quindi concluso con una interessante panoramica sulle pellicce animali utilizzate per caratterizzare la figura del santo,e di un certo ermellino ritratto da Leonardo, che poi pare tanto ermellino non fosse.
Sabato 11 aprile 2015 la Chiesa di Santo Stefano degli Agostiniani di Empoli ospiterà la giornata di studi “Da Caravaggio. Il San Giovanni Battista Costa e le sue copie” moderata dal Prof. Bruno Santi.
Questo soggetto ebbe una grande fortuna, in Italia e all’estero. Ci sono almeno 8 versioni conosciute
Le analisi scientifiche hanno permesso così di “vedere” che l’opera in origine era stata composta in maniera decisamente diversa: David non aveva rappresentato i Lavoisier come una coppia di scienziati illuminati, bensì come dei ricchi aristocratici dell’Ancien Régime quali essi erano.
E’ questo il caso del dipinto qui accanto, in asta da Cambi, come lo è stato in passato ad esempio anche per il dipinto in copertina, attribuito a Garofalo.
Come è andata con il San Giovanni di Empoli? La campagna diagnostica sul dipinto di Empoli è stata commissionata a restauro già iniziato
Art–Test ha lavorato, insieme ad un grande partenariato, al progetto regionale Primarte sul caso dell’ex Convento delle Campora a Firenze.
In molti degli approfondimenti proposti on line, si faceva riferimento ai risultati delle indagini diagnostiche e a quanta conoscenza in più delle opere e degli artisti queste potevano portare. Allora perché non riproporre questi approfondimenti anche “in loco”? Ormai abituati a saperne di più su ciascuna opera, i visitatori potrebbero rimanere delusi dal solo cartellino con titolo e autore. E’ ora che gli studi fatti vengano resi fruibili da tutti. 
Da come sono saliti tutti sul carro del vincitore (“l’ho scoperto io!” “No, l’ho scoperto prima io!”) non sembrerebbero esserci dubbi, il dipinto in asta a Madrid è il vero l’Ecce Homo realizzato da Caravaggio a seguito di una gara tra pittori bandita da monsignor Massimi, come citano le fonti. Su quello che era stato indicato finora, ora a Genova, in molti si affrettano a dire che in fondo nessuno ci aveva mai creduto, non è lui. Sic transeat.
A noi diagnosti sarebbe piaciuto molto poter fare confronti con una copia o una versione. 
Beato Angelico “San Domenico e i compagni” predella de “Incoronazione della Vergine” 1430-1432
Bicci di Lorenzo “Miracolo di San Nicola” 1433-1435
Esempi di maiolica di Faenza (a), maiolica viterbese (b) e maiolica toscana (c)
Per illustrare questo approccio, ed i suoi vantaggi, viene, ad esempio, descritto qui il caso del pannello raffigurante la Tentazione di Cristo sul monte, dal Vangelo di Matteo, opera di Duccio di Buoninsegna.
Il progetto coinvolge un’equipe interdisciplinare con esperti per lo studio e le ricerche storico artistiche, per il restauro e per le indagini diagnostiche.
Nel 2014, grazie all’ AIAr , partecipammo agli studi condotti su reperti sequestrati provenienti dagli scavi di Paestum., pensati per contribuire ad mostra che evidenziava quale fosse il sentimento morboso alla base di furti o acquisti di reperti archeologici provenienti da scavi clandestini.
I nostri amati gatti si nascondono ovunque e saltano fuori quanto meno te lo aspetti! Per esempio in questo dipinto di Frans Floris in cui un gatto è visibile solo grazie alla Riflettografia, perché non presente nella versione finale. Chissà perché!
“Cabinet d’amateur”, che rappresenta la bottega di Jan Suellincks ed è attribuito a J. Franken II (ora al Musées Royaux des Beaux Arts di Bruxelles)? Ci sara’ un gatto anche li’ sotto?🐱
Anche Art-Test ha avuto il piacere di lavorare proprio nel “nostro” Battistero qualche anno fa: abbiamo condotto un’indagine termografica che ha interessato il mosaico nel matroneo raffigurante San Filippo per verificare il successo del consolidamento innovativo messo a punto dai restauratori dell’Opificio Delle Pietre Dure.
La consegna era prevista per giugno dello stesso anno e la cifra pattuita era 25 fiorini d’oro larghi.
Un violentissimo fulmine colpì la palla del Verrocchio che sovrasta la cupola del Duomo di Firenze, la sbalzò e la fece cadere dove una lapide ancora ricorda il punto di impatto. L’impressione fu enorme. Si pensò alla fine del mondo.
Nel disegno preparatorio,visibile nella riflettografia realizzata da Art-Test, si nota infatti una sorta di gru disegnata sul lato destro della lanterna, gru che poi sparisce nella pittura. Quindi la gru era visibile al momento della realizzazione del disegno ma non quando si passò alla pittura. Questo dettaglio potrebbe dunque aiutare la datazione del dipinto, sia per quanto riguarda la sua ideazione, e quindi la realizzazione del primo underdrawing, che per quanto riguarda la pittura finita.
avesse fatto utilizzo di gru, e come queste siano state utilizzate, anche dopo la sua morte, dalle maestranze che portarono a compimento il progetto. Si sa anche che era stata progettata ad esempio una gru appositamente per la lanterna. Ma il disegno eseguito da Gherardo Mechini nel 1601 mostra una grande impalcatura che circonda tutta la struttura. Quindi o la pala del Carmine è stata realizzata quando ormai l’opera di restauro era al termine, o si tratta di un’altra quasi fine del mondo.
